Desde su fundación en 1996, Días de la danza suiza se han convertido en un momento clave para que los artistas locales presenten sus obras y forjen alianzas con profesionales de la danza internacionales. Por eso no sorprende que esta plataforma bienal, ahora coorganizada con Reso – Red de danza de Suiza, reúne esencialmente a un gran panel de presentadores y programadores. Pero el evento también está destinado a aquellos que, como yo, buscan una visión rápida de la escena de la danza suiza actual. Después de Basilea, Ginebra, Lausana, Berna, Lucerna y Lugano, la duodécima edición de Swiss Dance Days fue la segunda que se celebró en Zúrich. En esta ocasión, la ciudad recibió a unos 230 presentadores, algunos de lugares tan lejanos como Haití, Corea del Sur, Túnez y Colombia. La cosecha de 2024 fue particularmente abundante: nada menos que 218 obras fueron presentadas por artistas y compañías con sede en Suiza al jurado de cinco miembros compuesto por Joanna Lesnierowska, Laurence Perez, Simone Truong, Laurence Wagner y Emanuel Rosenberg, ninguno relacionado con el equipo de programación suizo y, por lo tanto, más independiente a la hora de seleccionar las quince obras de la selección final que en ediciones anteriores. Puede que solo haya visto dos de los cinco días de la plataforma, pero las seis piezas a las que asistí proporcionaron una muestra que me dio mucho que pensar.
Para mí, son cuatro horas de tren desde París a Zúrich y estoy deseando subirme al tren de la plataforma. Después de pasar por Gessnerallee, un espacio interdisciplinario que servirá como sede acogedora y poco iluminada de la plataforma, me dirijo directamente al cine Xenix. Allí, la mayoría de los presentadores y programadores están viendo una proyección de Cindy Van Acker/Cie Greffela pieza Sin referencias, que no se pudo presentar en vivo porque la escenografía de Romeo Castellucci no encajaba en ninguno de los escenarios de Zúrich. Mientras el público abandona la sala para almorzar en el bar adyacente Xenix, las opiniones abundan. En varios idiomas, escucho "¡gran trabajo!" y "¡coreografía cautivadora!", pero también "una película demasiado larga", "no está al nivel de la versión en vivo" y "demasiado lejos del centro de interés de nuestra escena de danza local". Por supuesto, la diversidad de personas y de obras da como resultado una diversidad de respuestas.
Desde allí, algunos de los participantes de Swiss Dance Days siguen a dos voluntarios en un paseo de treinta minutos por el encantador distrito histórico de Zúrich (fachadas en tonos pastel y calles pavimentadas que parecen sacadas de un cuento de hadas) hasta el siguiente lugar. En el camino, comparto una estimulante conversación sobre crítica de danza y danza posmoderna con los artistas y directores de compañía suizo-italianos Ariella Vidach y Claudio Prati. Como ocurre con muchas de estas plataformas, parte del valor reside en los encuentros espontáneos e intermedios que ofrece la experiencia, y Swiss Dance Days hizo espacio para muchos de ellos, gracias a un programa fluido y equilibrado.
Antes de que nos demos cuenta, llegamos Teatro Neumarkt Alessandro Schiattarella, El zer-brech-lichEn inglés, el título sería algo así como "Fra-Gi-Le". Los tres intérpretes se presentan a través de sus discapacidades: Alice es parcialmente sorda (o como ella dice, tiene un oído solo para las joyas), Laila (alias Lai) necesita muletas para caminar y Victoria (alias Vi) tiene problemas en las manos y cicatrices en la piel. Más adelante, detallan sus gustos y deseos, la ropa que llevan (un traje holográfico brillante, un traje dorado brillante y pantalones cortos deportivos con un chaleco violeta peludo) y la escenografía que los rodea (tres paneles, dos paredes de ladrillos blancos suaves y tres plataformas con ruedas). Hay una buena dosis de canto (con letras como "Watch me how I break" y "¿Who knows what I will break again?") y juegos con accesorios del escenario (haciendo girar un cable fluorescente o chocando las paredes blandas para convertir los ladrillos en teclas de piano). Los tres intérpretes encuentran formas creativas de mover sus cuerpos y, finalmente, crean una pantalla verde para retratarse en el espacio sideral, bajo el agua o en lo alto del cielo con los filtros de la cámara de un teléfono celular. Pero si la poética de la fragilidad de Schiattarella genera ideas inteligentes para arrojar luz sobre artistas aún demasiado invisibles, tal vez haya sido demasiado literal. Si bien el trío de intérpretes obtiene su fuerza de las diferencias físicas, El zer-brech-lich prioriza cuestiones e ideas de las artes escénicas contemporáneas por encima de su propio marco coreográfico.
Es tarde cuando salimos del Teatro Neumarkt y nos dirigimos a Tanzhaus ZúrichEsta institución de creación coreográfica contemporánea se encuentra más abajo en la calle y frente al río Limmat. Pero el ambiente acogedor del lugar no te prepara para lo que viene: espera adentro, Teatro HORALos artistas de Theater Hora no tienen intención de quedarse quietos. Este conjunto de teatro, danza y performance independiente de larga trayectoria con sede en Zúrich está formado exclusivamente por intérpretes con discapacidad intelectual. Durante más de treinta años, la compañía ha trabajado con varios artistas de renombre internacional, como Jérôme Bel, Rimini Protokoll y Milo Rau. Con motivo de los Swiss Dance Days 2024, Theater Hora presenta ¡SAGRADO!, una colaboración de 2022 con intérpretes y coreógrafos Teresa Vittucci y Annina MachazEl proyecto aquí es reinterpretar el tradiciones de la primaveraLa música y la coreografía de 's en un escenario diseñado como una cavidad bucal. Pero abordar el famoso escándalo de los Ballets Rusos de 1913 es un desafío serio.
En primer lugar, Machaz yace desnudo sobre una zona con forma de lengua en el escenario, mientras que los sonidos de exhalación resuenan en un telón de fondo que parece una garganta con una úvula colgando en el medio. Hasta este punto, la pieza recuerda vagamente a la trama original del ballet, que gira en torno al sacrificio pagano de una joven doncella. De repente, siete intérpretes del Theater HORA, cada uno con una camiseta negra con un diente blanco impreso en la espalda, irrumpen, esposan a Machaz y la echan de la habitación. Entonces todo se pone patas arriba. Después de un interludio de playback con "I Want It That Way" de los Backstreet Boys, se reanuda la partitura original de Stravinsky, ahora puntuada con eructos e hipo. El sacrificio humano se convierte en la matanza digital de un dedo de cartón medio cortado sobre ruedas. Sibilas excéntricas de pelo largo enmascaradas con atuendos estridentes (todas diseñadas por el Theater HORA) cruzan el escenario al azar. A lo largo de esta absurda pieza, los intérpretes están llenos de energía y recursos: más allá de una loable significación social, el mayor placer de la pieza sigue siendo la capacidad interpretativa y de baile de los artistas. En la partitura disruptiva y contrastada de Stravinsky, el entusiasmo y la generosidad desbordantes de los intérpretes conmovieron al público, especialmente en el solo de Lucas Maurer, cuyos gestos parecían fluir con la música y transmitían una energía cautivadora.
Al salir de Tanzhaus, el público se divide aproximadamente en los pocos afortunados que consiguieron una entrada para la obra de Pierre Piton. Abrir cerrado en el Schauspielhaus de Zúrich, y los demás (incluido yo) que asisten al último espectáculo del día, ZOO/Thomas Hauert, Hiedra ('hiedra') en el Theater der Kunst. Presenta a tres intérpretes femeninas, todas ellas graduadas de la escuela PARTS de Bruselas, y al propio coreógrafo, que se enredan y corren por una lona blanca que se extiende como un rastro de ramas en el suelo. Vestidas con blusas sueltas de color grisáceo y pantalones cortos de colores llamativos, intentan vincularse con la tierra (algunos espectadores podrían encontrar postales con dibujos de estilo herbario de hojas, árboles y plantas en sus asientos) y exploran un uso específico del tacto que lleva a desafiar los cuerpos de las intérpretes en figuras acrobáticas. Al son de una canción italiana, el canto de los pájaros o en silencio, Samantha van Wissen y Federica Porello forman un dúo con gestos huesudos flexibles. Luego, Hauert y Sarah Ludi forman una pareja inextricable de cuerpos, que se dan vuelta, retuercen las piernas y los brazos, multiplicando los breves contactos físicos. Cuando una pareja actúa, la otra se baja del escenario para mirarlos. Los primeros momentos dan lugar a escenas intrigantes y conmovedoras, pero después de un rato al público le cuesta mantener la conexión con los intérpretes: sus constantes rodeos y carreras se suceden en círculo sin profundizar perceptiblemente el movimiento. La pieza, que recuerda mucho al contact improvisation, se hace eco inesperadamente de la triste noticia de la reciente muerte del pionero del contact improvisation, Steve Paxton. Pero también plantea la cuestión de cómo una práctica coreográfica íntima y ensimismada puede no encajar en el escenario en una pieza de una hora. Pero en cuanto a lo que sucede concreta y físicamente en el escenario, Hiedra diseña un mundo entero que gira sobre sí mismo.
La mañana siguiente comienza con uno de los momentos más destacados del fin de semana, el Salón de artistas, en el que artistas afincados en Suiza (en este caso, Catol Teixeira, Juliette Uzor, Muhammed Kaltuk y Ernestyna Orlowska) presentan individualmente sus ideas y adelantos de su trabajo en exclusiva a los presentadores, un formato de networking íntimo que tiene como objetivo desarrollar la cooperación artística internacional. Las proyecciones, los debates y las actuaciones duran hasta la pausa del almuerzo, tras la cual se reanuda el programa con espectáculos públicos en Barrio del circo – un oasis artístico en una zona remota de Zúrich, rodeado de edificios y una autopista. Delgado Fuchs El colectivo está formado por los bailarines y coreógrafos Nadine Fuchs y Marco Delgado, pero sólo este último participa en DOS, un dúo con Valentin Pythoud. La obra está bien estructurada y adopta una postura artística firme. Con camisetas holgadas y chándales azul eléctrico, al principio se quedan quietos de forma silenciosa y torpe, pero poco a poco los artistas empiezan a moverse, creando su propio paisaje sonoro con sonidos chirriantes, gemidos y maullidos. A medida que pasan de los aeróbicos a los pasos de tango, pasando por poses elegantes y el icónico movimiento de Dirty Dancing, la pareja lanza una mirada medio seria y medio descarada al público. El dúo hace algunos descubrimientos de movimiento ingeniosos y divertidos, gracias a ingeniosas habilidades para conectar cuerpos con piernas enredadas o sonidos coincidentes, mezclando danza y humor. Pero basarlo todo en el ambiente desincronizado y fuera de lo común es complicado. La coreografía se queda sin ideas antes de quedarse sin tiempo.
La siguiente exposición, que también aborda la ambivalencia de las formas y las identidades corporales, vuelve a la Gessnerallee y marca un tono completamente diferente. Artista interdisciplinario Alexandra BachzetsisEl último trabajo de, 2020: obsceno La pieza se basa en la ambigüedad del término “obsceno”, que etimológicamente hace referencia a lo que no debe mostrarse en escena y, por lo tanto, a los signos de mal agüero o abominables. Aquí, la pieza pretende explorar las ambigüedades y las potencialidades manipuladoras de los cuerpos en las artes escénicas, a través de la lente de la mirada codiciosa y la seducción textual extrema. Estas sirven como pretexto para descontrolarse con imágenes lujuriosas y provocativas: Bachzetsis bailando en barra sobre una barra de ballet con un mono ceñido color carmesí, o Sotilis Vasiliou colocando un consolador en la toalla que rodea su cintura y probando varias posiciones para hacerse una mamada falsa.
La pieza rezuma rebeldía y su espíritu de disidencia desafía constantemente los códigos escénicos y abunda en la estética del exceso. Pero estas rupturas radicales de formato, movimiento y marco de referencia tienden a llevar la obra de un acto de equilibrio en la cuerda floja a una maraña de declaraciones performativas poco claras. Mientras los artistas juegan con cámaras que transmiten en vivo sus rostros en las paredes amarillas y rojas detrás de ellos, la performance crea una atmósfera profundamente inquietante. Los cuerpos son objeto de burlas, destrozados en una pila de colchonetas, cubiertos con pieles de vaca falsas o lánguidamente besados con lengua en el ombligo. El hecho de mencionar estereotipos de identidad sexual y de género es profundamente perturbador. Repetir una conversación falsa sobre violencia sexual y de género a medias, o fingir que se abofetea por detrás a un cuerpo inerte que yace boca abajo puede resultar abrumador para el público. ¿Con qué fin? No lo sabría decir. Cuando la luz disminuye lentamente sobre el vestido de lentejuelas plateadas de Tamar Kisch, me siento aliviada de que el espectáculo haya terminado.
Me alegro de respirar un poco de aire fresco con un grupo de programadores, que se dirigen lentamente hacia el Schauspielhaus. Cualquiera que entrara en el amplio vestíbulo de entrada ese sábado por la noche podía decir que algo grande estaba a punto de suceder. Y para muchos, esta era la parte más esperada de la plataforma. En muchos sentidos, este lugar es el lugar ideal para establecer Quítate el mono de la espalda o el maullido del gato by Trajal Harrell, empezando por el hecho de que es la sede del Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble. Pero también tiene un espacio escénico lo suficientemente grande como para que quepan las seis filas de asientos distribuidas equitativamente a lo largo de una pasarela. Esta última, con forma de cuadro de Mondrian, tiene dos grandes y cómodos sofás blancos en el centro y está cubierta con una lona transparente; ¿el escenario está preparado para un baile o para un desfile de moda? Esta es una característica del trabajo de Harrell. La actuación comienza con un discurso de apertura irónico del propio coreógrafo, que se hace pasar por la directora artística de Condé Nast, Anna Wintour. A continuación, los intérpretes hacen su entrada uno a uno, presentando un conjunto extravagante de vestuario, en particular batas de baño de color azul oscuro, vestidos de tul castaño, bolsas de plástico, atuendos del siglo XVII, un babero, pijamas de panda y cuñas con flecos de cuentas tintineantes. Diecisiete modelos-bailarinas desfilan en interminables y cautivadoras filas, yendo de un lado a otro y en diagonal, cruzándose y reflejándose unas a otras, al son de una ecléctica banda sonora compuesta por el propio Harrell (él mismo distribuye la lista de reproducción al final del espectáculo para el disfrute de todos). Su coreografía navega brillantemente entre motivos repetitivos y encuentros aparentemente aleatorios. Al hacerlo, logra una mezcla singular de estilos e influencias de danza, que van desde el voguing hasta el butoh, y que también recuerda al syrtos griego y a los gestos y poses cotidianos. Quítate el mono de la espalda o el maullido del gato No es sólo la producción más larga (dos horas, divididas en cinco partes fluidas) y de mayor envergadura, sino también el trabajo más logrado del fin de semana.
Al repasar mi programa de dos días, repleto pero parcial, me parece claro que hoy en día hay mucho movimiento en la danza suiza. Mi experiencia en media plataforma me brindó una visión multifacética de las obras desarrolladas por los artistas de danza afincados en Suiza. También destacó la sólida red institucional suiza que los apoya para que se instalen localmente y amplíen sus perspectivas a nivel internacional, dondequiera que se encuentren en sus carreras. Tomemos como ejemplo a Trajal Harrell, cuya reputación lo precede. Su última pieza, el romeoSe estrenó en el recinto más emblemático del Festival de Aviñón, la Cour d'honneur del Palais des Papes, y posteriormente se representó en La Villette, París, durante el Festival de Otoño, como parte de una extensa retrospectiva de ocho de sus obras. Sin embargo, en 2024, Harrell dejará la Schauspielhaus de Zúrich (si la ciudad suiza se negó a renovar el contrato con los directores artísticos Benjamin von Blomberg y Nicolas Stemann, quienes iniciaron la colaboración con Harrell en primer lugar, la decisión parece estar también basada en desacuerdos artísticos). Otros nombres en el programa, como Teresa Vittuci o Delgado Fuchs, ya han alcanzado un reconocimiento significativo tanto en las escenas coreográficas nacionales como internacionales. Sin embargo, sus trayectorias en el extranjero suelen ser precarias, por lo que el apoyo nacional es esencial para llegar a fin de mes. También se presentaron en la selección final de Swiss Dance Days, figuras emergentes como Melissa Guex (leer el Springback Academy reseñas de su obra Rapunzel aquí), Élie Autin y Pierre Piton tenían mucho que ganar con la creación de redes y las oportunidades de exhibición que ofrecía la plataforma. Es una pena que estos artistas fueran precisamente los que me perdí este fin de semana. Supongo que tendré que volver en dos temporadas de primavera para ver cómo han florecido sus obras en ciernes. ●
28.02–03.03.2024, Zúrich, Suiza