Desde su fundación en 1996, Swiss Dance Days se ha convertido en un momento clave para que los artistas locales presenten sus obras y establezcan colaboraciones con profesionales de la danza internacionales. Por ello, no sorprende que esta plataforma bienal, ahora coorganizada con Reso – Dance Network Switzerland , reúna a un amplio panel de presentadores y programadores. Pero el evento también está dirigido a quienes, como yo, buscan una visión rápida del panorama actual de la danza suiza. Tras Basilea, Ginebra, Lausana, Berna, Lucerna y Lugano, la duodécima edición de Swiss Dance Days fue la segunda que se celebró en Zúrich. En esta ocasión, la ciudad acogió a unos 230 presentadores, algunos procedentes de lugares tan lejanos como Haití, Corea del Sur, Túnez y Colombia. La edición de 2024 fue especialmente abundante: artistas y compañías suizas presentaron nada menos que 218 obras al jurado de cinco miembros, compuesto por Joanna Lesnierowska, Laurence Perez, Simone Truong, Laurence Wagner y Emanuel Rosenberg. Ninguno de ellos pertenecía al equipo de programación suizo, lo que les otorgó mayor independencia a la hora de seleccionar las quince obras finales que en ediciones anteriores. Si bien solo pude asistir a dos de los cinco días de la plataforma, las seis obras que vi me brindaron una muestra que me dio mucho en qué pensar.
Para mí, son cuatro horas de tren de París a Zúrich, y estoy deseando unirme a la fiesta de la plataforma. Tras pasar por Gessnerallee , un espacio interdisciplinario que servirá como sede acogedora y con luz tenue de la plataforma, me dirijo directamente al cine Xenix. Allí, la mayoría de los presentadores y programadores están viendo una proyección de la obra Without References de Cindy Van Acker/ Cie Greffe , que no pudo presentarse en directo ya que la escenografía de Romeo Castellucci no cabía en ninguno de los espacios de Zúrich. Mientras el público sale de la sala para almorzar en el bar Xenix contiguo, abundan las opiniones. En varios idiomas, oigo «¡un trabajo magnífico!» y «¡una coreografía cautivadora!», pero también «una película demasiado larga», «no está a la altura de la versión en directo» y «está muy alejada del centro de interés de nuestra escena de danza local». La diversidad de personas, así como de obras, da lugar, por supuesto, a una diversidad de respuestas.
Desde allí, algunos de los participantes de Swiss Dance Days siguen a dos voluntarios en un paseo de treinta minutos por el encantador distrito histórico de Zúrich (fachadas en tonos pastel y calles pavimentadas que parecen sacadas de un cuento de hadas) hasta el siguiente lugar. En el camino, comparto una estimulante conversación sobre crítica de danza y danza posmoderna con los artistas y directores de compañía suizo-italianos Ariella Vidach y Claudio Prati. Como ocurre con muchas de estas plataformas, parte del valor reside en los encuentros espontáneos e intermedios que ofrece la experiencia, y Swiss Dance Days hizo espacio para muchos de ellos, gracias a un programa fluido y equilibrado.
Sin darnos cuenta, llegamos al Teatro Neumarkt para ver Zer-Brech-Lich de Alessandro Schiattarella . En español, el título sería algo así como 'Fra-Gi-Le'. Los tres intérpretes se presentan a través de sus discapacidades: Alice es parcialmente sorda (o como ella dice, tiene una oreja solo para joyas), Laila (también conocida como Lai) necesita muletas para caminar, y Victoria (también conocida como Vi) tiene trastornos en las manos y cicatrices en la piel. Más adelante, detallan sus gustos y deseos, la ropa que llevan (un traje holográfico brillante, un traje dorado reluciente y pantalones cortos deportivos con un chaleco violeta peludo) y la escenografía que los rodea (tres paneles, dos paredes de ladrillos blancos suaves y tres plataformas con ruedas). Hay bastante canto (con letras como 'Mírame cómo me rompo' y '¿Quién sabe qué volveré a romper?') y juegos con la utilería del escenario (haciendo girar un cable fluorescente o golpeando las paredes suaves para convertir los ladrillos en teclas de piano). Los tres intérpretes encuentran formas creativas de mover sus cuerpos, llegando incluso a usar una pantalla verde para imaginarse en el espacio exterior, bajo el agua o en lo alto del cielo con los filtros de la cámara de un teléfono móvil. Pero si bien la poética de la fragilidad de Schiattarella plantea ideas ingeniosas para visibilizar a artistas aún demasiado invisibles, tal vez haya sido demasiado literal. Mientras que el trío escénico extrae su fuerza de las diferencias físicas, Zer-Brech-Lich prioriza las problemáticas e ideas de las artes escénicas contemporáneas por encima de su propio marco coreográfico.
Ya es tarde cuando salimos del Teatro Neumarkt y nos dirigimos a Tanzhaus Zürich . Esta institución de creación coreográfica contemporánea se encuentra un poco más adelante, frente al río Limmat. Pero el ambiente acogedor del lugar no te prepara para lo que está por venir: esperando dentro, los artistas del Teatro HORA no tienen intención de quedarse quietos. Este conjunto independiente de teatro, danza y performance de larga trayectoria, con sede en Zúrich, está compuesto exclusivamente por intérpretes con discapacidades de aprendizaje. Durante más de treinta años, la compañía ha trabajado con varios artistas de renombre internacional, como Jérôme Bel, Rimini Protokoll y Milo Rau. Para las Jornadas de Danza Suizas 2024, el Teatro Hora presenta SACRE!, una colaboración de 2022 con las intérpretes y coreógrafas Teresa Vittucci y Annina Machaz . El proyecto consiste en reinterpretar la música y la coreografía de La consagración de la primavera en un escenario diseñado como una cavidad bucal. Pero abordar el famoso escándalo de los Ballets Rusos de 1913 es un desafío serio.
En primer lugar, Machaz yace desnudo sobre una zona con forma de lengua en el escenario, mientras que los sonidos de exhalación resuenan en un telón de fondo que parece una garganta con una úvula colgando en el medio. Hasta este punto, la pieza recuerda vagamente a la trama original del ballet, que gira en torno al sacrificio pagano de una joven doncella. De repente, siete intérpretes del Theater HORA, cada uno con una camiseta negra con un diente blanco impreso en la espalda, irrumpen, esposan a Machaz y la echan de la habitación. Entonces todo se pone patas arriba. Después de un interludio de playback con "I Want It That Way" de los Backstreet Boys, se reanuda la partitura original de Stravinsky, ahora puntuada con eructos e hipo. El sacrificio humano se convierte en la matanza digital de un dedo de cartón medio cortado sobre ruedas. Sibilas excéntricas de pelo largo enmascaradas con atuendos estridentes (todas diseñadas por el Theater HORA) cruzan el escenario al azar. A lo largo de esta absurda pieza, los intérpretes están llenos de energía y recursos: más allá de una loable significación social, el mayor placer de la pieza sigue siendo la capacidad interpretativa y de baile de los artistas. En la partitura disruptiva y contrastada de Stravinsky, el entusiasmo y la generosidad desbordantes de los intérpretes conmovieron al público, especialmente en el solo de Lucas Maurer, cuyos gestos parecían fluir con la música y transmitían una energía cautivadora.
Al salir de Tanzhaus, el público se divide aproximadamente entre los pocos afortunados que consiguieron una entrada para Open/Closed de Pierre Piton en el Schauspielhaus Zürich, y los demás (entre los que me incluyo) que asisten al último espectáculo del día, Efeu ('hiedra') de ZOO/Thomas Hauert en el Theater der Kunst. La obra presenta a tres bailarinas, todas graduadas de la escuela PARTS de Bruselas, y al propio coreógrafo, quienes se enredan y corren sobre una lona blanca que se extiende como un rastro de ramas en el suelo. Vestidas con blusas sueltas de color gris y llamativos pantalones cortos de colores, intentan conectar con la tierra —algunos espectadores podían encontrar postales con dibujos de hojas, árboles y plantas al estilo de un herbario en sus asientos— y exploran un uso específico del tacto que lleva a desafiar los cuerpos de las bailarinas en figuras acrobáticas. Al son de una canción italiana, trinos de pájaros o en silencio, Samantha van Wissen y Federica Porello forman un dúo con gestos flexibles y óseos. Entonces, Hauert y Sarah Ludi forman una pareja de cuerpos inseparables, rodando, retorciendo piernas y brazos, multiplicando breves contactos físicos. Cuando una pareja actúa, la otra se retira del escenario para observarlos. Los primeros momentos dan lugar a escenas conmovedoras e intrigantes, pero después de un rato al público le cuesta conectar con los intérpretes: sus constantes giros y carreras dan vueltas en círculo sin profundizar perceptiblemente en el movimiento. Con claras reminiscencias de la improvisación de contacto, la pieza evoca inesperadamente la triste noticia del reciente fallecimiento del pionero de la improvisación de contacto, Steve Paxton. Pero también plantea la cuestión de cómo una práctica coreográfica íntima y ensimismada puede no encajar en el escenario en una pieza de una hora. En cuanto a lo que sucede concreta y físicamente en el escenario, Efeu diseña todo un mundo que gira en torno a sí mismo.
La mañana siguiente comienza con uno de los momentos culminantes del fin de semana: el Salón de Artistas, donde artistas afincados en Suiza —en este caso, Catol Teixeira, Juliette Uzor, Muhammed Kaltuk y Ernestyna Orlowska— presentan individualmente avances y adelantos de su trabajo exclusivamente a los presentadores, en un formato íntimo de networking que busca fomentar la cooperación artística internacional. Las proyecciones, los debates y las actuaciones se prolongan hasta la hora del almuerzo, tras la cual el programa se reanuda con espectáculos públicos en Zirkusquartier , un oasis artístico en una zona apartada de Zúrich, rodeada de edificios y una autopista. El colectivo Delgado Fuchs está formado por los bailarines y coreógrafos Nadine Fuchs y Marco Delgado, pero solo este último participa en DOS , un dúo con Valentin Pythoud. La obra está bien estructurada y adopta una postura artística firme. Vestidos con camisas holgadas y chándales azul eléctrico, al principio permanecen quietos, en silencio y con cierta torpeza, para luego empezar a moverse lentamente, creando su propio paisaje sonoro con sonidos chirriantes, quejumbrosos y maulladores. Al pasar de los ejercicios aeróbicos a los pasos de tango, con poses elegantes y el icónico levantamiento de Dirty Dancing, la pareja dirige una mirada entre seria y pícara al público. El dúo descubre ingeniosos y divertidos movimientos, gracias a su habilidad para conectar cuerpos con piernas entrelazadas o sonidos sincronizados, mezclando danza y humor. Pero basar todo en esa estética descoordinada y extravagante es arriesgado. La coreografía se queda sin ideas antes de que se acabe el tiempo.
También abordando la ambivalencia de las formas y las identidades corporales, el siguiente espectáculo, de vuelta en Gessnerallee, establece un tono completamente diferente. La última obra de la artista interdisciplinaria Alexandra Bachzetsis , 2020: Obscene, se basa en la ambigüedad del término «obsceno», que etimológicamente se refiere a lo que no debe mostrarse en el escenario y, por lo tanto, a los signos de mal augurio o abominables. Aquí, la pieza busca explorar las ambigüedades y las potencialidades manipuladoras de los cuerpos en las artes escénicas, a través de la lente de la mirada codiciosa y la seducción textual extrema. Esto sirve como pretexto para desatar imágenes lujuriosas y provocativas: Bachzetsis bailando en una barra de ballet con un mono ajustado carmesí, o Sotilis Vasiliou colocando un consolador en la toalla que lleva alrededor de la cintura y probando varias posiciones para simular una felación.
La pieza rezuma rebeldía y su espíritu de disidencia desafía constantemente los códigos escénicos y abunda en la estética del exceso. Pero estas rupturas radicales de formato, movimiento y marco de referencia tienden a llevar la obra de un acto de equilibrio en la cuerda floja a una maraña de declaraciones performativas poco claras. Mientras los artistas juegan con cámaras que transmiten en vivo sus rostros en las paredes amarillas y rojas detrás de ellos, la performance crea una atmósfera profundamente inquietante. Los cuerpos son objeto de burlas, destrozados en una pila de colchonetas, cubiertos con pieles de vaca falsas o lánguidamente besados con lengua en el ombligo. El hecho de mencionar estereotipos de identidad sexual y de género es profundamente perturbador. Repetir una conversación falsa sobre violencia sexual y de género a medias, o fingir que se abofetea por detrás a un cuerpo inerte que yace boca abajo puede resultar abrumador para el público. ¿Con qué fin? No lo sabría decir. Cuando la luz disminuye lentamente sobre el vestido de lentejuelas plateadas de Tamar Kisch, me siento aliviada de que el espectáculo haya terminado.
Me alegra respirar aire fresco con un grupo de programadores, mientras nos dirigimos lentamente hacia el Schauspielhaus. Cualquiera que entrara en el amplio vestíbulo aquella noche de sábado podía intuir que algo importante estaba a punto de suceder. Y para muchos, esta era la pieza más esperada de la programación. En muchos sentidos, este lugar es el sitio ideal para estrenar Monkey off My Back or the Cat's Meow de Trajal Harrell , empezando por el hecho de que es la sede del Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble. Pero también cuenta con un espacio escénico lo suficientemente grande como para albergar las seis filas de asientos distribuidas uniformemente a lo largo de una pasarela. Esta última, con forma de cuadro de Mondrian, tiene dos grandes y cómodos sofás blancos en el centro y está cubierta con una lona transparente; ¿es el escenario preparado para un baile o para un desfile de moda? Esta es una característica del trabajo de Harrell. La función comienza con un discurso de apertura irónico del propio coreógrafo, quien finge ser la directora artística de Condé Nast, Anna Wintour. Luego, los artistas hacen su entrada uno por uno, presentando un conjunto extravagante de vestuario, en particular batas de baño azul oscuro, vestidos de tul castaño, bolsas de plástico, atuendos del siglo XVII, un babero, pijamas de panda y cuñas con flecos de cuentas tintineantes. Diecisiete bailarines-modelos desfilan en filas cautivadoras e interminables, yendo de un lado a otro y en diagonal, cruzándose y reflejándose unos en otros, con una banda sonora ecléctica compuesta por el propio Harrell (él mismo distribuye la lista de reproducción al final del espectáculo para el disfrute de todos). Su coreografía navega brillantemente entre motivos repetitivos y encuentros aparentemente aleatorios. Al hacerlo, logra una mezcla singular de estilos e influencias de danza, que va desde el voguing hasta el butoh, también reminiscentes del syrtos griego y gestos y poses cotidianas. Monkey off My Back or the Cat's Meow no es solo la producción más larga (dos horas, dividida en cinco partes fluidas) y grande, sino también la obra más lograda del fin de semana.
Al repasar mi programa de dos días, repleto pero parcial, me parece claro que hoy en día hay mucho movimiento en la danza suiza. Mi experiencia en media plataforma me brindó una visión multifacética de las obras desarrolladas por los artistas de danza afincados en Suiza. También destacó la sólida red institucional suiza que los apoya para que se instalen localmente y amplíen sus perspectivas a nivel internacional, dondequiera que se encuentren en sus carreras. Tomemos como ejemplo a Trajal Harrell, cuya reputación lo precede. Su última pieza, el romeoSe estrenó en el recinto más emblemático del Festival de Aviñón, la Cour d'honneur del Palais des Papes, y posteriormente se representó en La Villette, París, durante el Festival de Otoño, como parte de una extensa retrospectiva de ocho de sus obras. Sin embargo, en 2024, Harrell dejará la Schauspielhaus de Zúrich (si la ciudad suiza se negó a renovar el contrato con los directores artísticos Benjamin von Blomberg y Nicolas Stemann, quienes iniciaron la colaboración con Harrell en primer lugar, la decisión parece estar también basada en desacuerdos artísticos). Otros nombres en el programa, como Teresa Vittuci o Delgado Fuchs, ya han alcanzado un reconocimiento significativo tanto en las escenas coreográficas nacionales como internacionales. Sin embargo, sus trayectorias en el extranjero suelen ser precarias, por lo que el apoyo nacional es esencial para llegar a fin de mes. También se presentaron en la selección final de Swiss Dance Days, figuras emergentes como Melissa Guex (leer el Springback Academy reseñas de su obra Rapunzel aquí), Élie Autin y Pierre Piton tenían mucho que ganar con la creación de redes y las oportunidades de exhibición que ofrecía la plataforma. Es una pena que estos artistas fueran precisamente los que me perdí este fin de semana. Supongo que tendré que volver en dos temporadas de primavera para ver cómo han florecido sus obras en ciernes. ●
28.02–03.03.2024, Zúrich, Suiza