Nos encontramos en el vestíbulo del Sadler's Wells, donde tres pantallas muestran películas de danza en bucle, con auriculares colgando. "No me gusta hablar de la edad", se encoge de hombros la veterana intérprete de Bausch Malou Airaudo en la película de Sarah Vaughan-Jones 'No Space for Age' (2022), "No hay espacio para eso en el escenario". Después, en un pub, Liza se pregunta cómo exactamente vamos a hablar de la edad en nuestro artículo. Dom no lo sabe. ¿Podemos decir anciano ¿gente? no los ancianos , seguro. Estamos de acuerdo en mayor bailarines.
Nunca pienso que soy un artista mayor (¿a quién le gusta pensar que es viejo, o mayor? ¿mayor que qué? ¿que quién? ¿que yo mismo?)… así que tal vez es por eso que no puedo responder a esta pregunta.
—Louise Lecavalier
Festival del Elixir El festival Sadler's Wells fue lanzado en 2014 como un festival para bailarines mayores. Como afirma su sitio web, el festival tiene como objetivo "cuestionar las percepciones sobre la danza y el envejecimiento". Habiendo cumplido recientemente cuarenta años, Dom admitirá que egoístamente encontró pocos incentivos para cambiar sus percepciones en esta área. Todavía no había experimentado ese tipo de cambio tectónico de prioridades, la fatiga de bajo nivel y el pánico leve de cumplir cuarenta; aún no había participado ni siquiera ligeramente en la Gran Desaceleración. Liza, de unos treinta y pocos años, confesará que ella, quizás también un poco egoístamente, encontró más incentivos para cambiar sus percepciones, ya que es una historiadora oral y se había convertido recientemente en una amiga de la organización benéfica Age UK.
De acuerdo con El pronóstico apocalíptico de Age UK sobre el envejecimiento"De todas las artes escénicas, la danza es la que ha emergido como la más terapéutica a la hora de evitar los estragos mentales y físicos de la vejez". La copia de Sadler's Wells para el festival es, en comparación, considerablemente más positiva y enmarca el proceso de crecimiento y maduración desde una perspectiva positiva respecto a la edad. Es cierto que, de la programación del festival, lo único que se echa por tierra es la teoría de que una carrera en la danza termina a los 30 años. ¡Todavía hay esperanza para nosotros, Dom! Sin duda, la hay, Liza.
Miércoles 10 abril
Ley 3
LW: En el vestíbulo del Sadler's Wells, seis hombres mayores de 60 años vestidos con ropa de estar por casa blanca (batas, calcetines y zapatillas Adidas) se desnudan para bailar duetos íntimos sobre un colchón desnudo. Sin embargo, el colchón no parece ofrecer comodidad ni una plataforma para la compañía, ya que cada uno de ellos se retuerce en angustia mental mientras sus parejas los miran con frialdad. Hay algo que ha permanecido latente y que finalmente encuentra expresión aquí, en lo que presumiblemente es el "Acto 3" de la vida de los bailarines. Un acto, nada menos, que no parece ofrecer ningún desenlace en esta actuación durativa y "en bucle" de Christopher Matthews. El deseo queer, según el coreógrafo, se está representando continuamente.
Intenté hacer una obra que no mostrara cuerpos de personas mayores que simplemente disfrutan del baile y son un tema ligero, sino que intentara mostrar la complejidad, la vulnerabilidad y la sensualidad de alguien de 60, 70 y 80 años. ¿Por qué no podemos ver cuerpos de personas mayores siendo auténticamente vulnerables y sensuales? Pero, de nuevo, esto no es culpa del mundo de la danza, es algo de la sociedad. La sexualidad de las personas mayores suele mostrarse como el blanco de las bromas y no como la verdad. Normalice ver los cuerpos queer de las personas mayores como hermosos, vividos y sensuales.
—Christopher Matthews
puntos en común
LW: Como sugiere el título, dos decanas del mundo de la danza –la “madre de la danza africana contemporánea” Germaine Acogny y la colaboradora de Pina Bausch desde hace mucho tiempo Malou Airaudo– se han unido para ponerse de acuerdo en algo (es de suponer que no están de acuerdo en otras cosas). Al observar sus siluetas en el escenario, sus movimientos no podrían ser más diferentes. Acogny es tierra, mientras que Airaudo es agua, una sensación que se refuerza con las constelaciones de rocas en el escenario y el bastón con el que reman respectivamente. Y, sin embargo, lo que comparten es un don para la alquimia, en el sentido más amplio posible de la palabra. Porque han descubierto en la danza uno de los elixires de la vida: la pura alegría de vivir sea cual sea tu edad, mientras cantan “Whatever Will Be, Will Be, Que será, será”. Y es esta sabiduría atemporal la que las dota de la capacidad simple, pero no menos profunda, de dar al público sus caras completas, sus sonrisas contagiosas. En el panorama de la danza contemporánea, por lo demás inexpresivo, haríamos bien en aprender de ellas: nuestras hermanas, madres y abuelas. Incluso si no podemos encontrarnos en puntos en común En lo que respecta a la danza en sí.
Minutos alrededor de la tarde
LW: Louise Lecavalier, que parece llevar una bata de boxeo negra con capucha, sube al escenario con los labios fruncidos y la cabeza bien alta, iluminada con la forma de un cuadrilátero de boxeo. Después, poniéndose de puntillas, golpea el suelo durante los siguientes veinte minutos en lo que solo se puede describir como una avalancha de energía. Nunca he visto tanta energía y entusiasmo, y mucho menos en una mujer de 66 años. Con jabs aquí y ganchos traseros allá, Lecavalier recorre incansablemente el cuadrilátero al son del bum, bum, bum del Berghain de Berlín. No se puede negar que ha venido a luchar por su vida. Solo que en Sadler's Wells no hay ninguna competidora a la vista. Lecavalier gana la noche sin lugar a dudas.
Empecé con lo que se llamaba “Expression Corporelle”, sin profesor, creando danza con amigos. Me gustaba la danza por el simple placer de la expresión y la diversión. Después vi bailarines profesionales y me impresionaron las técnicas, haciendo que sus cuerpos fueran tan complejos y hermosos, como extraterrestres… permitiéndoles expresar algo casi divino y animal al mismo tiempo. La danza fue, para mí, una experiencia grupal durante unos 5 años. Disfrutaba aprendiendo todo lo relacionado con la técnica. Tomé todas las clases. Pero no encajé perfectamente.
—Louise Lecavalier
Liebre blanca
LW: Es el futuro. Y es, inevitablemente, apocalíptico. "Le compraremos una tortuga", dice la madre, luciendo un disfraz de fresa como jersey, "porque no mueren, ¿verdad? Han existido desde los dinosaurios". Aparece la tortuga en la pantalla del proyector, en una persecución dolorosamente lenta de una fresa inalcanzable. Tal es el realismo mágico de la nueva obra de Ben Duke. Liebre blanca para Sadler's Wells, una obra en la que los bailarines Chris Akrill y Valentina Formenti apaciguan su dolor (por una hija perdida y una tortuga) con duetos que parecen valses. Sin embargo, mientras giran por el escenario, el tiempo se mueve en sentido contrario a las agujas del reloj en lugar de en el sentido de las agujas del reloj, en esta danza sobre "moverse hacia atrás" tanto como hacia adelante a medida que nos acercamos al final de la vida. El "final" es característicamente patético, por no decir anticlimático, con Akrill retirándose torpemente entre bastidores a cuatro patas, dejando solo una tortuga mordisqueando una fresa. ¿O me perdí algo? Imagino que gran parte de la obra de Duke pasó por el auditorio, como pasó por mi cabeza. Como dice el dicho, "es como darle fresas a un burro".
Viernes 12 Abril
En una jaula de luz
LW: Así es la vidaLa bailarina Charlotta Öfverholm grita desde lo alto de un trapecio en el arco del proscenio. (Así es la vida), se hace eco el contrabajista Lauri Antila desde el escenario inferior derecho. Tal es la Arriba y abajo y encima y fuera dinámica de En una jaula de luz – una obra sobre estar dentro y fuera del foco de atención del escenario a medida que uno envejece inevitablemente. A medida que Öfverholm y el bailarín Jordi Cortés se encuentran alternativamente de bruces, rompiendo la cuarta pared y levantándose para volver a la carrera, el humor se oscurece y el baile se relaja. Tanto es así que entre la aparición de un masoquista con un cuchillo de cocina en la mano, vestido de negro de pies a cabeza, y una escena en la que Jordi Cortés, blandiendo un arco, toca el cuerpo de Öfverholm como las cuerdas de su contrabajo, me pregunto si las luces de esta jaula deberían haberse apagado hace mucho tiempo. A pesar de todo su terciopelo y vivacidad, los intérpretes logran mantener el foco de atención. En particular, en un atrevido dúo en el que Öfverholm se sitúa precariamente sobre los precipicios de las partes del cuerpo de Cortés, esparcidas en el suelo, como un mástil en una cubierta. Sin duda, Öfverholm se revela como el capitán de este barco, que aparentemente aún no ha zarpado.
Realmente tengo que estar de acuerdo con todo lo que haré en el escenario. No me siento nervioso, pero sí muy feliz y agradecido. Me siento completamente uno... También creo que si te sientes viejo, te vuelves viejo.
—Charlotta Öfverholm
MADRE
LW: Deben de haber décadas de diferencia entre ellos, este joven (Harry Wilson) y la mujer mayor (Charlotte Broom) que, como sugiere el título, debe ser su madre, aunque su intimidad parece a la vez platónica y romántica, mientras se enroscan el uno en el otro, se toman de las manos y nunca se separan. Luego, se separan, dan vueltas y vueltas por el escenario, sus caminos casi pero nunca del todo se cruzan. Como barcos en la noche. Y aunque pueden dar una vuelta de más (su campo magnético de enamoramiento se prolonga hasta el punto del colapso gravitacional), el momento en que se enfrentan y finalmente se miran a los ojos es desgarradoramente, pero discretamente, tierno. MADRELa coreógrafa Susan Kempster ha preparado el terreno para una meditación intergeneracional sobre el amor y la pérdida, cualesquiera sean las ambigüedades de su relación. Es decir, si estás dispuesto a soportarlo hasta su final agridulce, cuando el joven sale inesperadamente de su órbita.
Uno de los desafíos es encontrar un movimiento sofisticado que no sea demasiado prosaico, pero que también sea adecuado para mi cuerpo envejecido. La actuación tiene un tipo de espacio diferente al que tenía cuando era más joven, y percibo mi propia presencia de maneras extrañas, casi como si estuviera fuera de mi propio cuerpo. Ahora tengo un tipo de peso diferente.
—Susan Kempster
Sábado 13 Abril
La Bolsa
DC: En el ominoso título La Bolsa (un encuentro entre la Compañía de Ancianos y la Compañía de Jóvenes de Zoonation) hay breaking, hay popping, hay locking, hay saltos mortales y hay volteretas hacia atrás (estos dos últimos no los intenta ningún Anciano, para su información). Por razones que no están claras, los Ancianos están vestidos en tonos burdeos funerarios mientras que la compañía de jóvenes usa negros urbanos y azules oscuros. El chiste a lo largo de la obra, creo, es que las personas mayores se ven un poco raras bailando hip hop. El espectáculo está precedido por una breve promoción que parece un poco más pensada que la producción posterior. Sin embargo, más tarde me pregunté si la calidad de la producción realmente importaba. Una mejor manera de verlo podría ser decir que los intérpretes (jóvenes y mayor) fueron impresionantes, todos en el escenario y en la audiencia (en su mayoría amigos y familiares) se lo estaban pasando bien, el proceso de ensayo (compartido en la película promocional) fue presumiblemente divertido y positivo, así que al final, un Intercambie Se logró una comunidad unida: un resultado positivo en todos los aspectos.
Miércoles 17 abril
Historia de Londres
Creo que definitivamente se necesitan más salas de baile y espacios para que las personas de mayor edad puedan actuar y entrenar regularmente, ya que merecen ser vistos y aprender de los coreógrafos de todo el mundo.
—Georgie Mziu, ZooNation
DC: Seis intérpretes con camisetas ajustadas de color azul marino y mallas. Pizarras enmarcan el escenario por los tres lados con tiempos e instrucciones. Un cronómetro LCD rojo que permite al público saber en qué punto de la pieza nos encontramos (esto sería genial en la Royal Opera House, me sorprendo pensando). Sobre ellos, un pequeño panel negro con una figura de palitos en cinta de neón. Un músico (Mattef Kuhlmey) con una guitarra eléctrica se encuentra de pie en el fondo del escenario, justo delante de un ordenador portátil. Junto a él, una gran pila de ropa que los bailarines llevarán durante toda la pieza. El artista Christopher Matthews (que también coreografió Ley 3, ver reseña arriba), vestido de negro y adornado con cinta de neón, entra y comienza a crear grandes figuras de palitos (basadas en las DanceForms de computadora de Cunningham) en una de las grandes sábanas negras. El decorado debe utilizar material que se encuentre en el teatro o cerca de él, y cada actuación sigue una estructura diferente: estamos firmemente en Cunningham Town. En esta reimaginación de la obra de Merce Cunningham de 1963 HistoriaSe bailan tríos, dúos, solos, grupos de personas y más, todo ello en estricta forma técnica de Cunningham. Estas hermosas arquitecturas vivas de inclinaciones precarias, paseos acelerados, microajustes de tobillos con carga de peso se desarrollan frente a nosotros, en ese estilo anal-retentivo que era el estilo de Merce Cunningham pero que sigue siendo tan emocionante, una especie de choque entre la tecnología, los músculos y los huesos. Qué extraño es, pienso mientras miro, que los extraños movimientos idiosincrásicos de este hombre, compuestos inicialmente en un estudio de Nueva York en los años cuarenta, todavía se interpreten con tanta asiduidad ochenta años después. Siento que estoy viajando en una cápsula del tiempo, atravesando rápidamente la segunda mitad del siglo XX. Estoy al mismo tiempo ligeramente aburrido y completamente emocionado. Estos cuerpos mayores (los intérpretes del Dance On Ensemble de Berlín son todos profesionales experimentados y tienen entre cuarenta y sesenta años) son tan emocionantes de ver en movimiento como cualquier otro intérprete que haya visto. Me pregunto en qué momento de la Tierra decidimos que la danza sólo debía ser practicada por jóvenes.
Los bailarines profesionales mantienen sus carreras más tiempo y se mantienen más sanos. El verdadero desafío surge cuando no existe la infraestructura para apoyar esto. En particular, cuando las compañías de danza mantienen prácticas arcaicas de "retiro forzoso" a una determinada edad (normalmente entre los 35 y los 40), los coreógrafos no están tan desarrollados artísticamente y, por lo tanto, no suponen un reto para los bailarines experimentados, y los lugares sienten la necesidad de marginar a los intérpretes de más edad en lugar de simplemente presentarlos a ellos y a su trabajo como válidos por sus propios méritos. Espero con ansias el día en que la edad sea tan innecesaria como la raza... pero veremos qué tal va eso.
—Ty Boomershine, grupo Dance On
Historia (sin fin)
DC: La respuesta de Mathilde Monnier en 2021 a la obra de Cunningham está aún más desprovista de artificio. La pista de baile está rodeada por detrás y por los lados por luces LED y los bailarines llevan ropa deportiva y zapatillas de deporte de colores vivos. Comienza con un pas de bourrée repetitivo y un salto al unísono, los bailarines de cara al público, y a partir de ahí se fusiona en diferentes variaciones granulares de un flujo constante de movimiento. El sonido de sus zapatillas crea ritmos a medida que entran y salen de las formaciones; los patrones surgen y se transforman. Después de un tiempo, todavía bailando, comienzan a recitar partes de un poema improvisado de David Antin, también una respuesta a la obra de Cunningham. De repente, la musicalidad de los cuerpos que rebotan por el espacio se altera con palabras, frases pronunciadas sobre el esfuerzo físico de realizar pasos y moverse por el espacio. El significado poético revolotea entre las encarnaciones verbales y físicas.
En un momento dado durante la era de Monnier Sin fin (Historia)El poema atribuye este verso a Merce Cunningham: "No hago estas coreografías para sorprender a la gente, sino por una necesidad de poesía". Es una buena manera de resumir la velada y, de hecho, el festival: un recordatorio de la necesidad de más representaciones de este tipo.
La representación es quizás el meollo del asunto. Dom se pregunta: ¿no hay algo absurdo en considerar la danza exclusivamente como algo propio de los jóvenes? Después de todo, la danza, como la mayoría de las artes escénicas, en cierto modo no "funciona" en su artificio: el público percibe temblores involuntarios, sudores, tropiezos, líneas mal interpretadas. La perfección no es el quid de la cuestión: lo que vamos al teatro a experimentar es esa misma tensión entre la aspiración y el fracaso. Una vez que uno ve que la belleza está en la lucha, uno se da cuenta de que nuestra obsesión por los artistas jóvenes es desquiciada.
Los escritores y los críticos son en parte culpables de esto. Nos encanta decir que una bailarina se elevó o voló por el escenario, pero por supuesto no lo hizo: simplemente saltó. A pesar de las metáforas, estaba sujeta a la gravedad, como el resto de nosotros, y la belleza estaba en el intento y en el compromiso con él (llámenlo técnica si quieren). Al final, todos los grand jetés, assemblés, sissonnes del mundo son fracasos de algún tipo. Al final aterrizan y lo único que nos queda para disfrutar es la poesía del intento y de la caída. El resto es solo atletismo.
Liza piensa que esa poesía es el arte de la interpretación en sí. De todas las piezas de danza de Elixir, lo que más destacaba era la ejecución de los bailarines, aparentemente sin esfuerzo, pero perfectamente refinada. Lo que llamaba la atención era la forma en que se comportaban, no necesariamente lo que llevaban, una especie de autoconciencia que no es egocéntrica, sino más bien abarcadora. Como si existiera un cierto tipo de "conocimiento" entre los bailarines y su público. Un conocimiento equivalente, en palabras de Kempster, a un "sentido agudo y astuto de cómo se mueve el cuerpo". Y eso es lo que los convierte en "mejores intérpretes", cada uno se expresaba a su manera; y nos convierte a nosotros en mejores lectores de su poesía eterna. ●