Bienvenidos al Festival de Avignon: 38 grados a la sombra (si es que hay alguna), restaurantes abarrotados, millones de folletos en el suelo y carteles de distintos grados de interés. Conocemos a gente que no hemos visto en mucho tiempo y a otras que deseamos no volver a ver nunca más. Y luego están esos títulos de obras que son tan repugnantes porque perpetúan clichés. Un guiño a la compañía que tituló su obra 'Cariño, te he engañado (y eso no es lo peor)' con un editorial que dice: 'Es racista y su mujer le engaña con una inmigrante ilegal'. ¿Se hacen una idea? Ah, Avignon, donde la fantasía teatral a veces se encuentra con la comedia del absurdo y donde nos preguntamos si nuestra presencia allí no es una representación en sí misma.
Actualmente, uno de los festivales de arte más grandes del mundo, el Festival d'Avignon Fue fundada en 1947 por iniciativa de Jean Vilar, y que en sus orígenes fue una utopía artística, una rebelión contra el teatro elitista y rígido de la época. Hoy, esa utopía se ha transformado en una gran feria donde se codean lo mejor y (a veces) lo peor de la creación contemporánea. El IN, donde la compañía cobra por asistir, con sus precios exorbitantes y sus creaciones grandilocuentes, ofrece este año un minúsculo programa de coreografías a menudo anticuadas y poco revolucionarias. OFF, donde las compañías pueden estar dispuestas a arruinarse para ganar visibilidad, con más de 1,600 espectáculos en teatros o garajes privados, se desarrolla a menudo en condiciones extremadamente precarias, tanto a nivel técnico como financiero, para las compañías artísticas. Cada verano, las calles de la ciudad se transforman en un auténtico hormiguero cultural, donde a menudo nos preguntamos (si no a cada hora) si este modelo liberal y ultracompetitivo no estará abocado al desastre.
Así pues, bienvenidos a Aviñón, donde la ficción se encuentra con la realidad y donde el arte hace malabarismos entre el sueño y la supervivencia. Para esta edición de 2024, el IN abrió sus puertas en el majestuoso patio del Palacio de los Papas con la última creación de Angélica Liddell, conocida por sus obras provocadoras. Fiel a su reputación, es Rápido para criticar la profesión de crítico. (Atención encantadora). Y el contexto político no nos ayuda a abordar esta edición con calma. Con la disolución de la Asamblea Nacional francesa y el preocupante ascenso del fascismo, esta fogosa inauguración promete una edición marcada por la confrontación y la reflexión, fiel al arte como espejo de nuestra convulsa sociedad.
(Mi selección a continuación es mi propia elección y no es en absoluto exhaustiva).
En la Belle Scène Saint-Denis, el programa de danza n.° 1
Como cada año, desde hace doce años, el Teatro Louis Aragon de Tremblay, en las afueras de París, se ha trasladado a Aviñón para ofrecer un panorama de creaciones diversas. Los espectáculos nunca duran más de treinta minutos, sin iluminación, en un pequeño escenario sombreado en el patio del teatro La Parenthèse. Son condiciones que distan mucho de ser ideales para presentar proyectos que a menudo han madurado a lo largo de varias semanas, o incluso meses. Sea como fuere, la intención es loable y, en estos tiempos convulsos, cualquier oportunidad de actuar es preciosa. Toda la red del sector coreográfico francés está religiosamente presente, tanto que uno se pregunta si la sociedad civil está invitada. ¡Ah, la belleza de la consanguinidad!
El primer programa matinal de esta primera semana se inaugura a las 10h del 2 al 6 de julio.
AC/DC de Agathe Pfauwadel y Aëla Labbé
Agathe Pfauwadel y Aëla Labbé presentan un extracto de la creación AC / DCA través de la danza, el teatro y la instalación, parecemos sumergirnos en la mente de Jules Lebel, un bailarín autista de 19 años. El bailarín y su acólito, el intérprete Stéphane Imbert, utilizan magistralmente estas herramientas coreográficas. Evitando hábilmente el sentimentalismo, este momento vivido en el presente nos ofrece una manera de estar en el mundo en toda su extravagancia. No podemos sino aplaudir esta actuación, que ilumina el escenario a pesar de las limitaciones.
Jusqu'au moment où nous sauterons ensemble de Mélanie Perrier
Con Jusqu'au moment où nous sauterons ensembleLa coreógrafa Mélanie Perrier aborda la cuestión de la acción colectiva. En un clima social cada vez más fragmentado, ¿cómo explicar la imposibilidad de unirse? La utopía nos llevaría a saltar a nuevos espacios decididamente humanistas, pero todos conocemos los límites del salto humano, que no supera los 2 m 45 (y estoy hablando de un récord mundial). Este límite describe nuestro estado del mundo (perdón por el pesimismo). La descomposición gestual del salto reúne a seis intérpretes vestidas con trajes de tul azul claro transparente. Juntos, intentan crear un terreno común a través del juego, el desafío y el impulso colectivo. Es sobrio y sobrio, tal vez un poco demasiado solemne, incluso piadoso. Alcanza su objetivo sin darnos ninguna esperanza de futuro.
M&M de Amala Dianor
Amala Dianor, que no necesita presentación en Francia, presenta su última creación M & M Con la música cautivadora de Awir Leon, el espectáculo presenta un encuentro –un intento de fertilización cruzada– entre una bailarina contemporánea (Marion Alzieu) y una bailarina de dancehall (Mwendwa Marchand). Me encuentro inmersa en un mundo de estereotipos, como si entrara en un salón sacado de una vieja película del oeste, donde cada personaje parece más un recorte de cartón que una persona real.
En 2024, siempre parece anacrónico intentar, con la danza contemporánea y el hip-hop, demostrar un vínculo entre dos estéticas, historias, códigos y cuerpos que parecen tan diferentes. Los bailarines parecen descubrirse mutuamente, sin entenderse realmente, y en consecuencia, el espectáculo lucha por proponer un mundo imaginario o una nueva forma de mirar ese mundo. A pesar del innegable compromiso de los bailarines, el resultado parece un tanto torpe y lleno de clichés.
¡Vive el sujeto! Tentativas – Serie 1
Imaginemos un jardín donde las vírgenes, lejos de rezar, se embarcan en arriesgados experimentos artísticos. Bienvenidos al Jardín de la Virgen, donde la serie de performances "Vive le sujet!" transforma este exuberante entorno en un patio de recreo para mentes creativas en busca de inspiración. Este evento, iniciado por la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (SACD), anima a dramaturgos y artistas a crear obras breves y multidisciplinarias.
Un conjunto (piezas seleccionadas) de Anna Massoni
La coreógrafa Anna Massoni intenta inspirarse en los gestos primarios de las danzas serpentinas de Loïe Fuller. Pero ¿quién recuerda hoy a esta pionera de la danza, capaz de hacer girar sus velos como nadie más? Ah, tal vez sólo los entusiastas... Un moño recogido, vaqueros y una camiseta negra, todo sobrio, muy lejos de la exuberancia de Fuller. ¿Sobrio, dices? Yo añadiría austero, para ser cortés.
Las dos intérpretes (Massoni y Ola Maciejewska) se lanzan a una serie de gestos extraños, casi originales, que transmiten una especie de animalidad, que parecen imitar a marionetas vivas a través de sus movimientos mecánicos y palpaciones, como si estuvieran probando las articulaciones de sus propios cuerpos. Imaginemos a mujeres de Cro-Magnon en la versión de Elite Model Agency, explorando sus propias habilidades motoras por primera vez.
Por desgracia, mil veces por desgracia, estas exploraciones gestuales no consiguen provocar emoción ni reflexión. De hecho, algunos espectadores se marchan rápidamente antes de que acabe el espectáculo, aunque quizá sea por la abarrotada programación de Avignon. Es el desierto estéril de lo que a veces puede ser la danza contemporánea: una búsqueda estética que se pierde en una introspección estéril. Esta propuesta forma parte de una serie llamada 'Tentativas' y eso es lo que seguirá siendo para mí: un intento fallido. Una entrada para algunos, por supuesto, pero definitivamente no para mí. ¡Un saludo!
Canicular de Rebecca Journo
En este día sofocante, cuando el sonido de las cigarras reina supremo y la crema solar ya ha abandonado sus promesas, el título de la nueva creación de Rebecca Journo, Canicular, llama la atención (canicule significa 'ola de calor'). En una mezcla entre una historia de detectives y un verano abrasador, la coreógrafa se mete en la piel de un nuevo personaje. Después de haber explorado anteriormente el papel de ama de casa y esposa, Journo asume aquí el de una nadadora de los años 1960, una mujer insecto adicta a los baños de sol.
Tumbada en el suelo, comienza a componer una partitura para su ombligo, que me evoca rápidamente la película Alien y sus múltiples fantasías de ciencia ficción. Intrigante y cautivador, el tiempo parece extenderse como un largo día de verano. La dramaturgia de Journo incorpora un toque de magia cuando emerge de su letargo para revelar un cuerpo quemado, una piel que se marchita. El cuerpo se metamorfosea, jugando con nuestras fantasías de verano. ¿Ves esa mosca pegada a tu piel mientras intentas relajarte? ¿Sabías que este gesto repetitivo puede convertirse en una actuación por derecho propio?
Sin embargo, sorprende la constante frontalidad de la propuesta. Hubiera sido fácil explotar la multidimensionalidad del espacio y del cuerpo, emanando singularmente de esta mujer-cigarra.
Journo consigue, con una finura mordaz, cuestionar nuestra sociedad de apariencias. ¿Hasta dónde estamos dispuestos a llegar por otra persona, incluso si eso significa quemarnos la piel? Al utilizar la cigarra, ese símbolo estival del sur de Francia, nos ofrece una puesta en escena deliciosamente irónica, que revela las diferentes capas de su obra. Así que ponte crema solar y prepárate para rascar bajo la superficie.
El Festival OFF
Tendre Carcasse de Arthur Perole
El coreógrafo abre su espectáculo con una charla informal, una banda sonora que muestra a cuatro bailarines charlando informalmente fuera del escenario y luego componiendo un exquisito cadáver biográfico. Con el humor mordaz de una drag queen en una fiesta, comparten episodios de sus vidas, evocando nuestras historias internas y las (perfectas) imperfecciones de nuestros cuerpos.
En una partitura colectiva, los intérpretes se adueñan del espacio y se fuerzan a entrar en él, dominados por una interdependencia palpable. Las fuerzas externas parecen restringirlos, atrapando sus movimientos en un bucle coreográfico donde la clave parece ser la confianza en el público. Es como una sesión de terapia, donde los cuerpos terminan expresando respuestas silenciosas, que conducen a un trance de aceptación.
La atmósfera se transforma entonces en extravagancia: los trajes brillantes y la iluminación de discoteca de la vieja escuela revelan a los artistas cuyos rostros se convierten en caricaturas, excesivamente dramáticos. La intensidad de este exceso es tal que incluso un Jim Carrey podría encontrarlo escandaloso, pero sigue siendo cautivador. Esta creación socialmente comprometida, en su búsqueda de la autoaceptación y la aceptación de los demás, seguramente atraerá a las multitudes, ofreciendo una bienvenida reflexión sobre una sociedad soñadora que aspira a la sensibilidad y la empatía.
Al final, un intérprete habla en nombre de la compañía, recordando el contexto político francés y subrayando la importancia vital de preservar el arte. Esta intervención es como una bocanada de aire fresco en un campo coreográfico en constante búsqueda de su voz y de sus derechos.
Ruuptuur de Mercedes Dassy
Un dilema: ¿debería escribir sobre este espectáculo? Ha llevado mi tolerancia al límite y me ha hecho cuestionar la naturaleza misma de mi papel de crítico. Este espectáculo provocó en mí una ruptura, una verdadera invasión de revuelta y rabia a lo largo de esta larga sesión. Tal vez haya encontrado mi respuesta en este torbellino emocional: es permisible, incluso necesario, señalar esta ruptura.
En un escenario que más bien parece una sala de ensayos abandonada, cuatro mujeres jóvenes trabajan alrededor de mesas abarrotadas de cuadernos, latas y flores, acompañadas por pantallas táctiles de colores diseñadas para crear un paisaje sonoro. Están vestidas con correas que recuerdan a arneses de caballos de dudosa calidad, una de las cuales incluso se rompe en una de las intérpretes. Sus movimientos parecen limitados y poco inspiradores, puntuados por gritos ensordecedores. El espacio sonoro y visual parece indicar que la coreógrafa ha buscado provocar la ruptura, tal vez sin pensar demasiado en estos elementos esenciales.
Mi mirada huyó instintivamente de esa larga propuesta, que había provocado en mí una respuesta tan inesperadamente intensa.
Este sentimiento me llevó a reflexionar sobre la responsabilidad de los espacios de programación, particularmente en un contexto como el de Aviñón, que corren el riesgo de minar la credibilidad de una programación coreográfica presentando obras que, al menos en mi opinión, habrían sido mejor dejar olvidadas.
El Glaneur de Romain Berthet
Porque eso es Aviñón: recomendaciones que, según quién las haga, pueden hacernos maravillarnos ante una propuesta que ha pasado desapercibida.
Es el caso de la última creación de Romain Berthet, que me ha hecho volver a mi infancia. El espectáculo, de tres frentes, se abre con un rally desenfadado: un personaje esquizofrénico atraviesa el estrecho espacio del escenario en un pequeño kart, jugando con nuestra imaginación cinematográfica para captar nuestra atención. Los años 90 están omnipresentes y celebran este período seminal (que coincide, además, con mi propio nacimiento).
Con una banda sonora pulida y envolvente, la coreógrafa encarna brillantemente la inconstancia y la ruptura, tanto en el cuerpo como en la interpretación, como una estructura dramatúrgica. Nos encariñamos con este niño adulto que solo quiere jugar y revivir sus recuerdos cinematográficos. El impacto del cine en nuestra identidad es innegable y Berthet recoge esta verdad para exponer la huella de estas obras en nuestros cuerpos.
Un sensible homenaje al cine.
¡Es brillante!
Después de IN y OFF, se acabó y se fue…
Y así llega a su fin mi Festival de Aviñón después de más de 40 espectáculos, pocas horas de sueño y una inmersión total en esta edición de 2024.
Lo que ha quedado claro es que la danza se está aventurando cada vez más a utilizar la palabra hablada, olvidando a veces que ésta requiere una cierta técnica y un trabajo real. Que el sector de la danza contemporánea no debe olvidar a quién van dirigidas sus obras: al público, no al círculo íntimo. Que las reglas del juego de los festivales son implacables: hay que cautivar al público, complacer a los críticos, no perder dinero, crear redes y todo ello bajo un sol abrasador.
Toda esta experiencia me ha llevado a reflexionar sobre nuestras responsabilidades colectivas al participar, directa o indirectamente, en este tipo de festival. Las obras están dispersas, la calidad es muy variable, la presión es intensa y los recursos económicos siempre son escasos. ¿Encontrar la luz al final del día? Una ardua búsqueda en este laberíntico campo artístico. Ánimo a los artistas para las horas oscuras que se avecinan. Sí, lo admito, soy bastante pesimista. Quizás sea consecuencia de una insolación. ¿Algo sobre lo que reflexionar bajo una sombrilla rociada con un spray, tal vez? ●
29.06.24–21.07.24, Aviñón, Francia