Este año marca el 77 aniversario de Festival de holanda, impresionante para un evento que continúa transformándose y adaptándose junto con el ondulante paisaje cultural. Desde 2019, se ha invitado a artistas asociados a trabajar en estrecha colaboración con la directora del festival, Emily Ansenk, para desarrollar un "universo" de temas subyacentes en los que el público pueda adentrarse y experimentar algo completamente nuevo. La edición de 2024 fue comisariada junto con el teatro y cineasta brasileño Christiane JahachtyDe esta manera, Brasil se convirtió en uno de los ejes temáticos centrales de un programa que combinaba danza, teatro, música, vida nocturna y arte digital. Había muchísimo que ver si uno quería probarlo todo, pero mi propio recorrido de varios días estaría definido por esta corriente brasileña subyacente.
Preguntar qué es la identidad brasileña es una pregunta demasiado simplista para Tahiba Melina Chaves, profesional cultural nacida en Brasil y radicada en los Países Bajos. En cambio, en su introducción a No estoy solo en mi (más sobre esta impresionante presentación próximamente) de la compañía brasileña Grupo Cena 11, que tiene una larga trayectoria, nos provocó a considerar qué significa realmente el concepto de identidad en un país que alberga una plétora de historias, culturas y pueblos, y cómo la actuación en vivo puede ser un conducto para comprender, pero no para corregir, nuestra percepción del pueblo brasileño. ¿Cómo se unen en el escenario fragmentos de historias personales, atisbos de tradiciones y sueños para el futuro? Con su conocimiento y experiencia de la escena de la danza brasileña, Chaves elaboró una brillante charla que iluminó el estatus de Brasil en la historia global de la danza.
“¿Dónde veremos danza brasileña?”, preguntó alguien del público.
"Esté atento a los momentos en que los intérpretes se mueven juntos", respondió.Sólo mira. "
Tres solos, dos charlas y una actuación de la compañía después, me llena de gran placer no estar más cerca de llegar a una definición concluyente de la danza brasileña, pero vaya que sí. Observa...
No estoy solo en mi
Alejandro Ahmed para Grupo Cena 11
Nada acerca de No estoy solo en mi (No soy solo yo en mí) – El nuevo proyecto de Alejandro Ahmed con compañía de danza brasileña Escena 11 Grupo – tiene como objetivo arrullar al público hasta que se sienta cómodo. El sonido chirriante de la aguja de un tocadiscos que recorre los surcos de una piedra giratoria suena en directo cuando entramos. El paisaje sonoro es seguido por un ritmo implacable y contundente que entra y sale de sincronía con mi propio latido cardíaco expectante. Siete bailarines inundan lentamente el escenario, dando tres pasos al unísono sin fin –adelante, atrás, juntos, adelante, atrás, juntos, adelante, atrás– moviéndose en líneas y formaciones que parecen matemáticamente precisas. Se miran como robots entre sí y luego nos miran a nosotros; chillan a un volumen sobrenatural y, aproximadamente a la mitad, parecen funcionar mal, cayendo como muñecos de trapo insensibles al suelo con acrobacias estupendas, ante fuertes inspiraciones de la multitud. (¡Escuché que un miembro del público la noche anterior incluso soltó su propio grito!)
En el papel, estos elementos pueden parecer una experiencia bastante desagradable, pero durante toda la actuación mi entusiasmo nunca flaquea. El ritmo y la intensidad que late en el escenario son adictivos. Estoy tan absorto en la acción y la resistencia incesantes que casi no me doy cuenta cuando cada intérprete se desborda al unísono y transforma el omnipresente triple-step en fragmentos de movimiento de otros estilos. Veo samba, capoeira, jongo y diversas danzas folclóricas, y sin duda hay otras que se me escapan. La agilidad de los intérpretes en cada género que condimenta el escenario es tan impresionante que el concepto de dominar el oficio propio adquiere un significado completamente nuevo.
El Grupo Cena 11 tiene una inclinación por el punk y utiliza la performance para abordar el discurso sociopolítico de maneras escandalosas. También son conocidos por entender la danza como una herramienta vital para investigar las complejas relaciones entre los cuerpos físicos y la tecnología. No estoy solo en mi es un excelente ejemplo de estas dos características definitorias. Pantallas grandes muestran caricaturas asombrosas generadas por IA de cada bailarín o videos en vivo tomados en el escenario. En algún momento, dos intérpretes hablan de ida y vuelta a través de micrófonos, pero esta conversación está fragmentada. Las oraciones fallan y se mezclan unas con otras, producto de un guion generado por IA. Cena 11 ha llamado a este proyecto "un contrapunto anarcocoreográfico al concepto de "pueblo brasileño"": la fusión de estilos de baile, la ruptura del lenguaje y la sumisión a la IA y los algoritmos complejizan la idea de identidad, mostrándola como escurridiza.
Después de pasar una hora en el mundo de bombardeo de datos de Groupo Cena 11, me levanto y aplaudo fervientemente, sintiéndome como otro elemento de la coreografía; otra característica de su algoritmo. ¿Soy yo o una combinación de tecnologías conductuales y reacciones automatizadas? Tal vez nunca tenga una respuesta, pero quién diría que el desconcierto podría ser tan agradable.
Monos
Clayton Nascimento
Clayton Nascimento es solista y conjunto; narrador y personaje; es pasado, presente y, lo más importante, activista político en su monólogo. MonosEsta obra, que se estrenó hace más de diez años, es sumamente física y muestra una historia duradera de racismo en el Brasil de Nascimento y más allá, entrelazando experiencias personales, hechos históricos e informes de atrocidades por motivos raciales en una reescritura especulativa de la historia. El tapiz final, una combinación ingeniosa de palabra hablada y mímica coreografiada con precisión, está imbuido de una emoción tan afectiva que siento cada latido de la voz de Nascimento.
No hay ni un centímetro del escenario que no haya sido tocado mientras camina, da vueltas y hace gestos teatrales bajo un foco, ofreciendo un flujo constante de portugués. La energía pura me obliga a recordarme a mí mismo que estoy viendo a una sola persona, pero Nascimento se convierte sin problemas en muchas, investigando el escenario como un lugar de transformación. En un momento de exuberancia exagerada, es Bessie Smith, dando una serenata a su público; un presentador de un concurso de preguntas y respuestas sobre Verdadero o Falso; incluso se transforma en Brasil, trazando bordes de lápiz labial rojo sobre su propio pecho desnudo. Toda esta transformación versátil actúa como precursora de su relato encarnado del asesinato de Eduardo de Jesus, de nueve años, a manos de un oficial de policía en 2015, una historia inquietantemente familiar.
Nascimento tiene una capacidad performativa inmensa. Su mirada devora todo el auditorio y, sin embargo, siento que siempre me está mirando, pidiendo mi atención. Monos es una exploración desafiante de lo que puede ser la performance: una conversación urgente entre el intérprete y el público. Después de los aplausos, hace subir a escena a la madre de Eduardo, Terezinha Maria de Jesus, quien anuncia que el caso archivado del asesinato de su hijo ha sido reabierto, en parte gracias a la concienciación que generó esta performance. Este final nos recuerda que debemos reflexionar; no, más que eso, que debemos participar activamente en una práctica que nos convierta en coautores de la reconsideración del pasado y el presente, hacia un futuro más justo.
La cifra divina
Ana Pi
Durante toda la segunda mitad de su actuación, Ana Pi está suspendido en una nube de polvo brillante que llena el auditorio (más tarde se revela que es azúcar en polvo, ¿quién lo hubiera pensado?), transportándonos a una dimensión onírica. Un paisaje sonoro de suaves silbidos y ruidos metálicos se reproduce en bucle, pero está amortiguado como si lo escucháramos a través de una sustancia viscosa, y tiras de tela blanca suspendidas sobre un gran círculo en el suelo crean la impresión de un altar de otro mundo. Es en este universo brumoso y fantástico que La cifra divina Existe: un solo fabulativo que explora las posibles intersecciones entre la danza urbana, los rituales haitianos y el cine experimental.
La coreografía de Pi es igualmente etérea. Balanceando un gran recipiente lleno de líquido sobre su cabeza (esta hazaña por sí sola es digna de elogio), se balancea hacia adelante y hacia atrás, sus brazos ondulando como si fuera una extensión de su tocado de agua. Desde este estado líquido pasa de un estado a otro, haciendo que su cuerpo se mueva como un error humano a otro más rítmico y saltarín, sacado de las danzas rituales de la diáspora africana. Pi cita el Yanvalou, la danza sagrada del vudú haitiano, como el principal lenguaje coreográfico a través del cual habla; un dialecto que consiste en un movimiento de ida y vuelta del cuerpo que se siente similar a muchas danzas tradicionales del país natal de Pi, Brasil. A lo largo de todo esto, su mirada se dirige hacia abajo, lo que le da a esta actuación una sensación internalizada. Entre todo el balanceo hipnótico y enredada en los muchos objetos en el escenario, me encuentro perdida, ansiando un momento de guía de Pi en esta aventura espiritual.
La cifra divina es una obra de afrofuturismo que une el presente de Pi con dos de sus predecesores: el cineasta experimental maya deren y practicante de danza influyente Katherine Dunham, ambas rondan el escenario a través de proyecciones y movimientos corporales. Pi concluye su actuación dirigiéndose directamente al público y pidiéndonos que permanezcamos en su paisaje onírico; que nos quedemos sentados con la neblina un poco más. Me pregunto qué beneficios puede ofrecerme esta nube de azúcar de ensueño cuando pienso en temas de identidad, migración y desigualdad. Difuminar nuestra percepción de lo que nos han dicho que son hechos y permitirnos deslizarnos fantasiosamente hacia el pasado podría revelar algunas de las verdades más salvajes...
La semilla del mal
Flávia Pinheiro
En el pequeño estudio de teatro de Frascati, el público está dispuesto como una especie de sándwich con el escenario, dos mitades mirando hacia dentro con una franja negra de pista de baile como relleno. Al mirar a la multitud variada, de repente me doy cuenta de que me están mirando a mí. Sin embargo, pronto me doy cuenta de que esto no será un problema, ya que la obra de Flávia Pinheiro La semilla del mal Pasa la mayor parte de sus 45 minutos en completo apagón.
¿Qué veo entonces? La actuación de Pinheiro, llena de sombras, está construida como una serie de viñetas estéticamente seductoras. A veces serpentea por la habitación en un movimiento repetitivo similar al de un pez, adornada con un traje de diamantes. Se arrastra en el lugar y luego se deshace de su piel brillante para revelar sus hombros diestros que ondulan de manera impresionante. Además de esto, me siento en la oscuridad y comienzo a imaginar lo que tengo ante mí. Evocar el poder de la imaginación parece sustentar la investigación de Pinheiro. Utilizando un método de fabulación especulativa, La semilla del mal imagina cómo los espíritus de los niños no nacidos, así como otras presencias invisibles, desde bacterias hasta solicitantes de asilo, podrían manifestarse en el mundo visible. Ella no es religiosa, pero Pinheiro sigue sintiendo curiosidad por el ¿y si? de espiritualidad, especialmente porque parte de su identidad tiene sus raíces en prácticas rituales que llegaron desde África occidental hasta Brasil, su hogar antes de mudarse a Ámsterdam para estudiar.
Soportar largos periodos de oscuridad no es exactamente para lo que uno se prepara cuando va a ver una obra. Pinheiro amplía los límites de la experiencia del público y desafía la manera en que los espectadores de teatro occidentales realmente ven; la manera en que vemos. La atmósfera sonora de la obra me sacude de una manera completamente nueva y maravillosa; ¿podría ser porque en esos momentos de apagón total, el sonido es la única constante? Cualquiera sea la razón, el bajo retumbante y los cantos en bucle del diseñador de sonido Leandro Olivan envían vibraciones literales a través de mi cuerpo y me lanzan de manera convincente al planeta invisible y microscópico de Flavia en el que, imagino, cada caída de un alfiler es un estallido trascendental. También noto lo atraído que estoy por las texturas del escenario; quiero acariciar la boa de plumas gigante que Pinheiro tira laboriosamente a través del escenario como un cordón umbilical colosal; quiero respirar y saborear la pared de humo que corta el espacio: un efecto de un haz de luz afilado en el auditorio lleno de humo. Cada elemento es tan rico sensorialmente y está tan impregnado del lujo del tiempo que todo mi cuerpo necesita participar.
La performance parece existir en un plano temporal más lento hasta el último segundo, cuando en un movimiento brusco Pinheiro agarra el suelo y lo rasga, revelando una luz impactante... y se sumerge.
Esta acción parece una nota adecuada para terminar mi experiencia en el Festival de Holanda. La alteración y deconstrucción (a veces literalmente) de las plataformas desde las que investigamos la cultura y las identidades es un tema recurrente en cada una de las obras que vi. Entre toda la necesaria complicación y reinvestigación de la identidad, termino esta reflexión sabiendo una cosa con certeza: los artistas brasileños pueden, sin duda, destrozar la pista de baile. ●
Amsterdam, Países Bajos