Ubicada en el cantón suizo de habla italiana del Tesino, Lugano es una ciudad en relación simbiótica con la naturaleza, que se abre al agua hasta que la mirada se encuentra con las montañas circundantes. Del 12 al 16 de junio de 2024 acogió la segunda edición de Proyecto de Danza de Lugano (LDP), un festival de danza bienal que tiene como objetivo actuar como un cruce internacional de la danza y las artes escénicas manteniendo al mismo tiempo un anclaje con la escena local, como lo demuestra una colaboración con REGRESO (Red Suiza de Danza) para el evento inaugural, que presentó a coreógrafos suizos emergentes. El equipo curatorial intergeneracional (Michel Gagnon, Carmelo Rifici y Lorenzo Conti) concibió el LDP de este año como un espacio donde la danza y la arquitectura pudieran dialogar de diversas maneras, principalmente en forma de performances adaptadas y específicas para cada lugar en edificios emblemáticos del Tesino, pero también como procesos educativos interdisciplinarios y coreografías entendidas como arquitecturas corpóreas en el tiempo y el espacio.
Concebido este año como un festival itinerante, casi cada performance y taller compartido se presentó en un lugar diferente, coreografiando a nuestro espectador en términos de proximidad y deambulación. María HassabiTaller de construcción en vivo de una instalación humana, basada en los principios de Blanco fuera donde Hassabi se funde fluidamente de una posición a otra, viviendo cada pequeño segmento de un proceso lento y líquido – tuvo lugar en el jardín de la emblemática Villa Heleneum, que actualmente alberga el Fundación BallySu taller conectó armoniosamente la juventud y la estaticidad de la arquitectura humana con la monumentalidad del lugar. En otro lugar, el patio con columnas de Asilo Ciani, un antiguo jardín de infantes, enmarcó el resultado de Marco BrewEl taller de exploración de capacidades mixtas y el sitio industrial de la antigua fábrica de relojes Diantus en Castel San Pietro albergaron los resultados del taller. Casas móviles, dirigido por michele di stefano para los estudiantes del Atelier Riccardo Blumer de la Academia de Arquitectura Mendrisio de la Universidad de Lugano. Mobile Homes fue una performance que puso en movimiento a un grupo de aspirantes a arquitectos y bailarines profesionales, quienes penetraron la densa inmaterialidad del humo artificial para emerger como visiones de cuerpos futuros comprometidos en la construcción de espacios temporales y relacionales en flujo a través y con el cuerpo. Bajo la curaduría del Atelier Blumer, Casas móviles Fue precedida por una exposición de máquinas en movimiento diseñadas por los estudiantes de arquitectura, acompañada de un “álbum” de artefactos relacionados con la historia de la fábrica, y expuestos en sus paredes.
Desde esta perspectiva, el festival actuó como un laboratorio de ideas donde el proceso, en forma de talleres compartidos, se fusionó con productos terminados, pero abiertos a la evolución, ya que la mayoría de ellos eran obras encargadas y coproducidas por el festival, donde también se estrenaron. En una de esas piezas: Luz tranquila by Cindy Van AckerEn esta obra, ganadora del Gran Premio Suizo de Artes Escénicas 2023, las dos bailarinas (Stephanie Bayle y Daniela Zaghini) se involucran en una negociación tranquila del espacio a través de una composición coreográfica mínima y escultórica, casi arquitectónica. Los dos cuerpos definen y moldean el espacio negativo a través de acciones efímeras en un proceso que culmina con una división nítida del espacio, resquebrajada por una estricta luz vertical. La arquitectura inmaterial de la luz contrasta con el escenario desnudo, creando una experiencia hipnótica sin coordenadas en el espacio y el tiempo, como para sugerir aceptar la vida tal como es.
Las huellas de la Bauhaus
Dada su temática, no sorprende que el festival contara con dos actuaciones relacionadas con el Bauhaus, una escuela de arquitectura que inició un movimiento artístico durante el primer cuarto del siglo XX vinculado al pensamiento y la práctica interdisciplinarios. La primera performance, Autour du Corps – Omaggio al Bauhaus (Alrededor del cuerpo: un homenaje a la Bauhaus) del coreógrafo suizo Tiziana Arnaboldi, encarna algunos de los principios de la Bauhaus: racionalidad, proceso expuesto e interacción funcional entre el cuerpo y los objetos. Círculos concéntricos de madera son activados por dos cuerpos femeninos (Marta Ciappina y Eleonora Chiocchini), actuando como una tecnología que instiga una forma de moverse en el espacio: una espiral continua y fascinante (esta cualidad me hizo imaginar la obra en entornos de museo, donde el público puede elegir la duración de la interacción). La mecánica de construir dos faldas largas a partir de estos círculos de madera se fusiona con la poética fluida y evocadora de la danza dentro de una estructura coreográfica simple y clara. Al ensamblar y desmontar construcciones ponibles, emerger de ellas, balanceando la pelvis hacia adelante y hacia atrás, Ciappina y Chiocchini – sensuales y austeras, libres y mecánicas, expresivas y distantes – animan estos objetos de madera sin vida y son animadas por ellos. Proponen una oda a la Bauhaus, una de importancia histórica que brinda una visión del pasado sin dejar de ser absolutamente contemporánea y vívida.
Publicado por el coreógrafo griego Ioannis Mandafounis, el nuevo director artístico de la Compañía de Danza de Dresde Frankfurt, también está vinculado a la Bauhaus y tiene lugar en y alrededor del pequeño pero acogedor Teatro San Materno Ascona – el único teatro Bauhaus en Europa, según Arnaboldi, que también es su director. Released, que fue coproducida por el festival, surge de una improvisación basada en el movimiento acompañada de asociaciones habladas: divertida, absurda, inesperada y conmovedora. Los bailarines altamente calificados y atrevidos de la Dresden Frankfurt Dance Company rompen la formalidad de su entrenamiento de movimiento para sumergirse en el flujo y el impulso de la improvisación como si rodaran por la ladera de una colina (literal y metafóricamente), renunciando a cualquier control y confiando sus aterrizajes a lo que el presente pueda traer. Como Mandafounis informó al público en la introducción de la pieza, los bailarines representan a la comunidad de artistas asociados con Monte Verità y Bauhaus, que fueron considerados locos debido a sus ideas poco convencionales y alternativas impulsadas por una visión utópica de la vida. En este marco, los miembros del público se mueven en cualquier orden a través de 'estaciones' predefinidas, lugares dedicados a dúos o solos tanto dentro como fuera del edificio, y permanecen allí tanto tiempo como deseen. En este viaje de descubrimientos, interrupciones y continuidades, el edificio del Teatro San Materno y su entorno actúan como marco y envoltura para las acciones performáticas, y la asociación de la obra con el periodo histórico de la Bauhaus como motor para el desarrollo de la obra.
Actuaciones adaptadas al sitio y genéricas del sitio
Vestida con pantalones color crema, blusas abiertas en la espalda y botas de tacón alto, la coreógrafa italiana Nicola Galli En colaboración con Giulio Petrucci, escanean y enmarcan el espacio interior con sus brazos angulares y lineales. Descienden en espiral por las escaleras del Centro Cultural LAC para su versión adaptada al sitio de cosmrama, una pieza también coproducida por el festival y concebida originalmente para la Iglesia de Santa Maria degli Angeli en Monte Tamaro. Debido a las condiciones climáticas, la evocadora ubicación de la iglesia dio paso al imponente interior de LAC en un exitoso proceso de adaptación que duró solo dos días, en comparación con el proceso de trabajo de un año. El sonido persistente de la percusión sacra y profunda define el ritmo de la pieza y establece su atmósfera, mientras ambos intérpretes se mueven atentamente, sosteniendo la fragilidad del espacio. Usan sus palos de metal para trazar y señalar detalles arquitectónicos y puntos de vista. A medida que descienden de lo divino a lo terrenal, unen sus palos para construir un canal que une sus cuerpos con el público. Cuando se sostiene paralelo a la tierra, este palo de cuatro partes acumulado gradualmente redefine el espacio, guiando al público para que se desplace en consecuencia. Cuando se sostiene verticalmente, se convierte en una frontera que corta nuestro horizonte en dos, la derecha y la izquierda, el frente y la parte posterior: un nuevo punto de referencia para orientarse en el espacio, un material para trazar la pieza. cosmrama, meditativo y mediativo en su esencia, corresponde a un ritual que busca la conexión con lo humano, lo sensorial y lo divino.
Creando una conexión entre el interior y el exterior, Atmosferología – Veduta > Lugano por el coreógrafo michele di stefano y artista sonoro Lorenzo Bianchi Hoesch es una experiencia inmersiva, concebida para lugares genéricos con vistas panorámicas, como el Bastión de Saint Remy en Cagliari o la Terraza de los Laboratori dei Cerchi en Roma, y se adapta a las exigencias de cada lugar. La versión de Atmosferología En Lugano, la mirada y la atención se abren a lo que sucede a nuestro alrededor y se dirigen a los pequeños detalles que pueden existir en el punto final de nuestra perspectiva, donde la vista del entorno urbano se funde con el lago de Lugano y las montañas circundantes. Con un inicio y un final que se señalan con la apertura y el cierre de las cortinas de la ventana del piso superior del Centro Cultural LAC –una idea que se hace eco de la formalidad de la experiencia teatral–, nos convertimos en testigos del cumplimiento gradual del objetivo establecido por el intérprete Biagio Caravano: llegar de “aquí” a “allá” en un tiempo limitado de aproximadamente 900 segundos. Nos solidarizamos con el intérprete, que se esfuerza por lograr lo imposible en un juego entre él mismo y la velocidad, hasta que encontramos alivio cuando nuestra mirada se escapa lejos, más allá de la ventana. Atmosferologia es una coreografía concebida para los oídos que enfatiza las relacionalidades de un paisaje: aquellas cuidadosamente coreografiadas por Di Stefano para una audiencia inesperada, aquellas que ocurren accidentalmente y aquellas que nosotros, como miembros de la audiencia, identificamos aún más a través de nuestra mirada.
Arquitecturas corpóreas para el escenario
Sin tierras es la última creación coreográfica del coreógrafo griego Cristos Papadopoulos, un solo interpretado y co-ideado por Georgios Kotsifakis y producido por el festival, que utiliza la materialidad triádica esencial de la coreografía: cuerpo, sonido y luz. En un resultado estrechamente entrelazado con el diseñador de sonido Jeph Vanger y la diseñadora de iluminación Eliza Alexandropoulou, Sin tierras Mantiene la alta precisión de los micromovimientos, un rasgo familiar en las obras de Papadopoulos, pero se adentra en el territorio desconocido de la pérdida de control. La cautivadora interpretación de Kotsifakis se intensifica mediante una entrada gradual en lo que podría acercarse al trance, alcanzando un estado paradójico de liberación y disminución de la consciencia dentro de un repertorio de movimientos precisos e hiperfragmentados que, al coordinarse con el ritmo musical, hace que el cuerpo parezca estar en un ataque continuo. En el clímax, el espacio desnudo que enmarca el cuerpo de Kotsifakis se redefine a través de su propio cuerpo, que se convierte en generador de espacio y arquitectura mediante la radiación de la luz: sosteniendo una antorcha —la única fuente de luz dentro y fuera del escenario, incluyendo las luces apagadas de todas las salidas—, Kotsifakis enmarca su propia silueta, desencarnándola en una forma crípticamente móvil. La experiencia cada vez más intensa e inmersiva construida por Papadopoulos y su equipo recibió una ovación excepcional, lo que hizo que el público también esperara fuera del teatro para felicitarlos una vez más.
Sinfonía de corazones, del coreógrafo afrodescendiente canadiense Desir de RhodnieFue una de las coproducciones más esperadas del festival, por lo que las expectativas eran altas. Una orquesta sinfónica en vivo es, sin duda, una rareza en la danza contemporánea. Un elemento inusual adicional de la pieza, a menudo logrado en espectáculos de danza mediados por la pantalla, fue el uso de un gran espejo plano, colocado sobre el escenario como parte de la escenografía de Olivier Landreville, que ofrecía una vista cenital simultánea de los bailarines y sus formaciones. La penetrante sonoridad de la orquesta en vivo, la épica de la composición musical y la espectacularidad de la escenografía se emplearon como parte de una obra inspirada en una exploración científica del funcionamiento del corazón y la traducción de datos médicos —que Desir recopiló a lo largo de su proceso creativo— en un material coreográfico esquemático y rítmico que representa el latido del corazón: apertura y cierre del cuerpo, contracciones musculares, diversas formaciones grupales, aceleraciones y desaceleraciones, acompañadas por el uso de accesorios (principalmente bastones).
Desir llama a la obra una documental coreográfico, 'un proceso que comienza con un encuentro y termina con una creación coreográfica', lo que entiendo que significa que comienza con entrevistas y recopilación de datos y da como resultado un trabajo coreográfico estético. Al transfigurar los testimonios orales en movimiento, se vuelve invisible quién fue entrevistado o qué se dijo, dando espacio a una representación narrativa y universal del movimiento de un corazón, a menudo seguido y ejemplificado por proyecciones de video del corazón latiendo. Lo que me dejó perplejo en Sinfonía de corazones Fue un resultado puramente estético de la obra, que me pareció alejado de los objetivos de la coreografía documental arraigada en el activismo y la investigación social y política (al menos, tal como se practica en un contexto europeo). Al traducir los datos en material coreográfico, la obra perdió el componente factual y crudo del proceso documental para dar lugar a una obra muy ambiciosa con un impacto cuestionable.
Los componentes del Lugano Dance Project 2024 se han entrelazado para revelar la variedad de las últimas expresiones artísticas (principalmente de Italia, Grecia, Suiza y Canadá) que dialogan con nuestro presente y provocan debates saludables y necesarios en torno a ideas que definitivamente perdurarán en el tiempo. Rodeado de lugares arquitectónicos emblemáticos y seguido y apoyado por una creciente comunidad de arquitectos interesados en las artes escénicas, el festival tiene el potencial de marcar una diferencia a nivel internacional en la curaduría de la creación interdisciplinaria que valoriza el patrimonio arquitectónico. A medida que el festival crezca, basándose en esta sólida y exitosa segunda edición, espero ver la continuación del apoyo a las obras específicas del lugar y a las obras que exploren una relación estrecha entre los lugares y las comunidades que los habitan. Se trata de una práctica sostenible con el potencial de vincularnos tanto con la historia como con la naturaleza, ofreciendo formas corpóreas de aprendizaje sobre el lugar, la memoria y la cohabitación. Pero involucrar a los arquitectos en este entorno artístico tiene más beneficios para la disciplina de la arquitectura y, eventualmente, para nosotros y la evolución de la vida, ya que la danza y el pensamiento a través del cuerpo tienen el poder de influir en la arquitectura del futuro hacia formas y espacios que sean más amigables, sensibles y accesibles a las necesidades del cuerpo. ●
Del 11 al 16 de junio de 2024, Lugano (Suiza)