El ritmo del festival internacional Tanec Praha se mantiene estable a un promedio de un espectáculo por noche durante todo el mes de junio, lo que le da un ritmo agradable y fluido. Es un programa rico y variado que incluye eventos de performances participativas, espectáculos para niños, trabajos de artistas tanto "nativos" como visitantes, y todo se desarrolla en una ciudad hermosa y animada que es fácil de recorrer: mucho espacio para la reflexión y la reflexión, pasando el día en varios entornos históricos.
He elegido el punto más denso, el punto intermedio del programa para mi visita, para capturar una "instantánea" en un momento de considerable malestar entre la comunidad de la danza en Praga. A principios de este año, en la 30.ª Plataforma Checa de Danza, varios artistas establecidos que presentaban trabajos desarrollados y apoyados por Ponec, la única organización de desarrollo de la danza de la ciudad, anunciaron públicamente su retirada de la misma, y muchos de ellos pusieron fin a relaciones que llevaban muchos años forjando, citando la falta de transparencia y responsabilidad de los responsables de la dirección artística. Desde esta implosión en abril, me decepciona ver que muchos artistas siguen "sin hogar". La centralización de los recursos es parte del problema -no existe un contexto alternativo fuera de Praga para el desarrollo de la práctica de la danza-, pero es la dinámica de poder lo que realmente cuenta. La formación de un Consejo Artístico y la posterior Convocatoria para 'nuevos artistas' En mayo parece indicar una intensificación de los esfuerzos y un avance más que un deseo de encontrar una solución.
A pesar de ello, Tanec Praha siguió adelante en su 35ª edición, bajo la audaz dirección artística de su fundadora Yvona Kreuzmannová. Llegué para ver un programa doble de obras al aire libre en The Highline, un camino de grava que corre detrás de Ponec, en una pasarela pública. Con el telón de fondo de una larga pared de ladrillos llena de grafitis, perturbada de vez en cuando por el sonido de los trenes que pasan por las vías de enfrente, un escenario temporal acoge el estreno de dos coproducciones brasileño-checas, la primera de las cuales, Edad madura de mujer, ve Jana Reutova y el Clara da Costa Proponiendo que las mujeres no nos tomemos "demasiado en serio". Aunque me molesta que me digan que me relaje, lo que veo en el escenario se expresa con un compromiso absoluto, las bailarinas muestran su feminidad primero de manera juguetona y luego como una sincera y fraternal afirmación de solidaridad.
La segunda de este programa doble protagonizado por mujeres es fantasmas (Fantasmas) del artista brasileño Tapas de Flávia, que crea un mundo surrealista en el que plantear preguntas sobre la naturaleza misma de la existencia, en una línea surrealista similar a la de Beckett o Stoppard, pero con un generoso toque de melodrama de telenovela brasileña. El texto y el movimiento están articulados con tanto cuidado que es posible sumergirse en la confusión y disfrutar encontrando coherencia en el caos.
La Bailar bien El proyecto, que nació en Bassano (Italia) en 2013, se extiende actualmente por cinco ciudades europeas. Aquí, en Praga, Jaro Viňarský, ELEVADO El estreno de Dance Well en la National Gallery está impregnado de invitaciones amables y el espíritu inclusivo de Dance Well se manifiesta a través de esta experiencia reflexiva, en la que los intérpretes son un elenco de personas que tienen o no experiencia con la enfermedad de Parkinson. No hay grandes gestos ni golpes de efecto, sino una deliberada y deliciosa confusión entre público e intérprete; en varios momentos, todos se sumergen juntos en los suaves despliegues a medida que el mundo sensorial cobra vida a nuestro alrededor: abanicos de colores brillantes colocados sobre la cara generan una suave brisa, bancos de asientos se mueven sobre ruedas y, lo mejor de todo, enormes almohadas transparentes llenas de una tira de luces de colores que brillan suavemente flotan como nubes, suspendidas sobre y entre el vasto espacio aireado de la galería. Veo la actuación dos veces y, en ambas ocasiones, los niños están visiblemente encantados por este espacio mágico, se conmueven instintivamente. Los adultos también responden a invitaciones suaves: un movimiento de cabeza o una suave señal para que entren al espacio y participen. El evento culmina con una fiesta, con comida para todos y melodías contagiosas: una escena reconocible e inmensamente agradable, y todos estamos invitados. Un hermoso recordatorio del poder de la danza para conectarnos y conmovernos.
El programa triple de 'Historias de África' es una velada impecable de sorprendentes performances de artistas cuya herencia cultural es mixta, pero fuertemente influenciada por las prácticas de danza de Mozambique y Senegal. Señales Particulares, un solo creado e interpretado por Mayo Juli Machado, utilizando imágenes cautivadoras para explorar la mutilación genital femenina (MGF). Irrumpiendo en el escenario, girando, lanzándose, pisoteando, es un torbellino de energía. Su poder se mantiene cuando el ritmo no lo hace, y los momentos de lentitud brindan imágenes poderosas: una flor roja empujada hacia la boca, un vestido cubierto de cuchillas relucientes, poderosos aplausos. Después del espectáculo, Machado habla con impresionante franqueza sobre su investigación y cómo se ha manifestado en elecciones coreográficas: los aplausos pueden simbolizar la evocación de espíritus, por ejemplo, o la rigidez y rigidez de un vestido formal pueden evocar un ritual de mayoría de edad. Es una discusión verdaderamente esclarecedora, y la primera vez que se cita explícitamente la MGF, lo que me hace reflexionar de manera diferente sobre lo que acabo de ver. Me pregunto si este tema es demasiado sensible culturalmente para incluirlo en el programa.
El debate posterior al espectáculo también arroja rayos de luz iluminadores sobre la segunda y tercera obras de la noche, ambas coreografiadas por Amala Dianor. Su solo, Hombre Rec (traducción: 'Solo yo'), que se estrenó en 2014, es una obra autobiográfica consolidada y muy celebrada que se presenta de manera impecable, con una textura casi meditativa. La suavidad sedosa de su cuerpo y la forma en que se utiliza para empalmar el espacio es perpetuamente inesperada, como si la gravedad se dejara de lado para dar paso a una fuerza completamente diferente. Mujer se deriva de Hombre Rec, inspirada e interpretada por la bailarina Nangelina Gomis, cuyos movimientos son una mezcla similar de torsión y liberación fluida, pero quizás más explícitamente poderosos que los de Dianor (¿el Range Rover frente a su Porsche?). Dianor y Gomis coinciden en que en la creación y la interpretación de estos espectáculos "hermanos" no surge una cuestión de género, sino más bien un escrutinio de la herencia: mientras que el viaje de Amala lo ha llevado físicamente a través de África occidental, recogiendo las influencias de la danza que son visibles en su trabajo, Gomis creció en Francia y habla sobre la búsqueda de una "voz legítima", evitando la apropiación al tiempo que reconoce y aprovecha la riqueza de su herencia cultural.
Ionna Paraskevopoulou, MOS ha surfeado el AerowavesY me alegra poder verlo finalmente en Praga. Su exploración del foley, la creación de efectos de sonido, lo convierte en un evento performativo improbable, pero a la vez surrealista y divertido, y un vehículo para un trabajo rítmico impresionante: un dúo de claqué que cambia de dinámica y velocidad, sin titubear, sin perder el ritmo. Desde sus inicios en un vídeo de artistas de foley trabajando que el coreógrafo había visto durante un curso de edición de artes visuales, este trabajo ha evolucionado enormemente.
Dos obras contrastantes del coreógrafo portugués Marco da Silva Ferriera se presentan en mi quinta noche en Praga y no estoy seguro de cuál fue más emocionante. La primera, Fantasía menor, es un dúo que se presenta en el centro de la ciudad, un lugar al aire libre que inicialmente parece la sombra moteada de una plaza del pueblo, pero donde finalmente se reúne una gran multitud, testimonio del atractivo de la actuación. La obra es la personificación de la Generación Z: una mezcla lúdica y extremadamente atlética de voguing, contemporáneo y breakdance interpretada por un par de bailarines increíblemente jóvenes y maravillosamente andróginos. Sus plies profundos y saltarines, sus brazos que se mueven y sus columnas increíblemente fluidas encontrarían un ajuste natural con un ritmo de bajo contundente, pero aquí se interpretan al son de la Fantasía en fa menor de Schubert, aunque con mejoras digitales. Es una premisa simple, fantásticamente bien desarrollada. Lo que podría haber sido una yuxtaposición discordante de movimiento y música dispares parece, de hecho, crear un marco fascinantemente complementario para ambos, y brillan. La claridad y la energía desenfrenada con la que los bailarines parecen "adueñarse" del espectáculo lo convierten en un punto culminante. Es absolutamente de su tiempo, encarnado por quienes lo interpretan e informado por sus vidas.
Cuerpo, la segunda presentación de la noche comparte esta sensación de extrema actualidad, pero la atraviesa con un propósito político explícito. Un elenco de 10 bailarines llena lentamente el escenario interpretando lo que parecen ser derivados de la danza folclórica, movimientos bajos y valientes que recorren el piso al unísono, acompañados por el ritmo sordo de un baterista en vivo en el escenario derecho. Se representan una variedad de edades y tipos de cuerpo, algunos andróginos, algunos con discapacidad visible, algunos tal vez ocupando identidades transicionales. Son la antítesis viviente de un cuerpo de baile homogéneo, y a medida que se dividen en secciones de trabajo en solitario, sus cualidades físicas individuales pasan al primer plano. El factor unificador que se eriza en cada uno de los intérpretes es una sensación de desafío: hay una mirada confrontativa, una determinación que es a la vez férrea y vulnerable. La rebelión es cada vez más explícita a medida que las formaciones grupales se disuelven por completo y transforman el espacio, el piso se levanta y se cuelga de ganchos, sujeto ahora a la escritura de consignas desafiantes al sonido de cantos de esclavos cantados. El movimiento de los miembros, de bailarines sostenidos por otros y con los trajes semidesnudos, habla de caos, de una guerra contra la opresión. Y, por último, el regreso a una frase repetida sin descanso de la danza folclórica ejecutada con precisión proporciona un crescendo prolongado e intenso al que el público responde con una ovación. Acierto asegurado.
Dos obras creadas para el público infantil concluyen mi experiencia checa: Teatro de danza Spitfire, Viva Messi, sobre el legendario futbolista, con un campeón mundial de 'freestyler' (piense en un jugador de fútbol americano con esteroides) y Chotto DeshEl estudio onírico de Akram Khan sobre la infancia y el lugar en el que se desarrolla la danza. El primero es un concepto difícil de llevar a cabo en el escenario, aunque claramente es muy esperado por el emocionado público familiar que llena el Divadlo Hybernia. Messi está representado tanto por un bailarín como por nuestro campeón de freestyle, ambos intérpretes increíblemente hábiles y carismáticos que animan al público. Pero una narrativa lenta y fracturada no logra transmitir el fervor inicial. La energía se agota en el escenario durante las escenas pesadas y con poca luz, y la imaginación del público se pierde. El mensaje central, sobre cómo la aspiración y la disciplina pueden acercarnos a nuestros sueños, resuena con mayor claridad en las imágenes de jóvenes que participan en proyectos de fútbol de estilo libre, pero lamentablemente no en la experiencia teatral.
Khan, en cambio, ofrece una clase magistral de narración de historias, cautivando al público con esta invocación de su patria ancestral, Bangladesh, impregnada de recuerdos personales y familiares, todos ellos pintados vívidamente mediante la danza, el diseño y la animación. Khan, un niño inquieto cuyo instinto es el movimiento, crea un viaje atravesado por la danza, tanto como recurso como parte central de su historia (interpretada impecablemente en Praga por Jaspar Narvaez o Nicholas Ricchini). A menudo, el solista invoca un hipnótico desenfoque de movimiento con las espirales ondulantes y los intrincados gestos de las manos del kathak, y el escenario se convierte en un reino de infinitas posibilidades, transformable en parte por diseño, y en parte por nuestra propia imaginación. Cuando nos involucramos, el mundo de Khan emerge con claridad y sentimiento, y todos estamos juntos en el viaje.
Al reflexionar sobre la maravillosa experiencia de Tanec Praha, me pregunto qué significa haber disfrutado tanto del festival en un momento de agitación; en Praga, en Europa y en el mundo en general. ¿Un placer culpable? ¿Una feliz ignorancia? Tal vez ambas cosas, si no sumo mi propia voz a la de quienes piden un cambio. Para mí, hay un principio que sigue siendo válido y que se ve reforzado por mi inmersión de una semana en este maravilloso lugar con los creadores de arte que allí se forman y acogen: los artistas deben estar en el centro de la toma de decisiones; sin su voz, estamos perdidos. ●