Festival de Atenas Epidauro es el festival de artes escénicas de mayor trayectoria en Grecia, una institución cultural de innegable prestigio, con una duración de casi dos meses (desde principios de junio hasta finales de julio), que se lleva a cabo en varios lugares (algunos son puntos de referencia históricos de la era grecorromana) y que muestra un amplio espectro de artistas, desde locales emergentes hasta artistas de estrellato galáctico. También es una de las pocas casas de producción que quedan para compañías de danza griegas, lo que podría ayudar a explicar por qué tantos artistas de danza confían en él para mejorar su trabajo, tanto en términos de presupuesto como de visibilidad. Las direcciones artísticas recientes han intentado, con más o menos éxito, hacer más flexible su estructura elefantiásica, rediseñando su modelo predominantemente jerárquico en formatos de curaduría supuestamente más horizontales. Aún así, la programación del Festival se adapta más a una lógica de "todos los tamaños caben en uno", tratando de adaptarse a los gustos y criterios de audiencia dispares. A continuación, presento 5 + 1 actuaciones de danza de coreógrafos griegos que se estrenaron en el Festival de 2024 o ingresaron como recién llegados en el contexto local.
El Festival comenzó con Compañía de Danza de Dresde Frankfurt bajo la dirección artística recién nombrada, Ioannis MandafounisLa pieza –su primera para la compañía– se titula A la carta, pero ciertamente no se ciñe al menú. Mandafounis ha logrado imbuir en la compañía su estilo excéntricamente virtuoso, que fusiona la técnica del ballet con una sutil conciencia corporal, más común en las sesiones de improvisación y las actuaciones artísticas en vivo. El resultado es pura diversión de ver, a veces incluso impresionante, ya que los bailarines toman decisiones compositivas instantáneas y negocian su presencia dentro del grupo. Otros elementos divertidos incluyen la ruptura del arco del proscenio y la interacción con el público, como una competencia incorporada para ganar la atención de las personas que miran la actuación. Independientemente de los elementos musicales, el coro o el acompañamiento de violín, los bailarines hacen lo que tienen que hacer: bailan como estrellas en cohetes, dejando a algunos de nosotros pidiendo más. Si un buen menú se juzga por la fina fusión de sabores, todavía hay margen de mejora: los elementos están ahí, es solo una cuestión de dosis.
Anastasia Valsamaki, El verso se inspira en el estilo de pintura de 'Figura Rücken', pero como el título implica, su investigación también se dirige a la parte posterior o inferior de las pinturas, lo que en términos teatrales se traduce en un espectáculo con cuatro bailarines de espaldas al público. El diseño del escenario se asemeja a una rampa de patinaje estirada, pero los bailarines, en la primera mitad de la actuación, no están tan involucrados en este entorno de estilo urbano. Su mirada parece fija en algo espectral, inexistente, acentuado por su forma hierática de moverse y transformarse en posturas esculpidas o envolverse bajo un tapiz decorado con paisajes. Hay, afortunadamente, momentos más animados, especialmente algunos solos que intentan romper coreográficamente la monotonía de este letargo por lo demás zombificado, que alcanza un apogeo cuando los bailarines se giran para mirar al público. Sea lo que sea lo que estén haciendo, obviamente no está funcionando para nosotros. Esperen, hay más: ¡un excursionista de montaña haciendo moonwalking en el escenario! Bien, ahora lo entiendo...
MINTATI by Tzeni Argyriou Es una contemplación escenificada sobre el festejo colectivo y un intento de reanimar parte del éxtasis ritual que se presenció en esas festividades. ¿Cómo podría lograrse esto, si no es mediante el trabajo en equipo, si no es ensuciándose las manos y reconstruyendo el mundo deseado? Un montón de escombros se transforma lentamente en una cuadrícula de cruces, donde los bailarines literalmente pisotean y se abren paso, como si crearan una especie de manual de danza con sus pasos. Al principio, este extraño desfile podría recordar la auténtica intimidad y la sociabilidad de un pueblo pequeño; y por qué no, ya que entregarse corporalmente a una comunidad también es cuestión de ritmo, presente a menudo tanto en las manualidades como en la danza. Y aunque esta visión pueda sonar absolutamente nostálgica, alabando el esfuerzo colectivo y cierta «fantasía edénica» de communitas, pronto el ritmo musical cambia y el grupo de bailarines comienza a saltar a formaciones más indisciplinadas, a algo que podríamos llamar el «desperdicio gratuito de energía» característico del raving. La música, de Giorgos Giorgalas y Nikos Tsolis, logra una transición maravillosa entre elementos instrumentales más tradicionales y un techno contemporáneo y dinámico, con beatboxing y mezclas en vivo. Este festín comunitario no podría concebirse sin la participación del público, y aunque la multitud reunida en el escenario al final de la actuación ruge y salta de alegría, esto también podría parecer un poco ingenuo o redundante. Cabe preguntarse: ¿es aún posible la alegría colectiva? ¿Se plasmarían en danza futuras instancias de resistencia y deseo comunitario?
Scared: Una alegoría cinética sobre el miedo by Elías Hadjigeorgiou Parece una parodia del concepto profundamente instintivo pero también culturalmente significativo del miedo. Utilizando una mezcla de movimiento de estilo callejero y pantomima, el coreógrafo construye mini episodios en los que la rabia y el miedo se reflejan como causa y efecto. Los modales masculinos, una especie de jolgorio pandillero, el movimiento sincopado y los monólogos caricaturescos apuntan, sin éxito, a nuestro mal humor contemporáneo y a los cambios de ira y alegría alimentados por las redes sociales. Y aunque estamos profundamente acostumbrados a la serialidad instantánea en el ámbito digital, la pieza parece una explosión de angustia adolescente o una especie de broma de Jackass (¿dar a luz globos y tirarse pedos, en serio?). Hay frases abreviadas de coreografía que responden a los ritmos pegadizos, pero el arrastrar de piernas y el estallido y vibración de torsos y brazos parecen demasiado genéricos como para hacer una declaración, y mucho menos convertirse en una alegoría cinética. Puede resultar difícil seguir el estilo urbano, pero hace falta algo más que globos reventados y una actitud inflada para transformar coreográficamente los pasos de algo demasiado abstracto a algo afectivamente identificable. A menos que la alegoría, en este caso, se conciba como un parloteo sin sentido sobre los contornos emocionales de la vida social.
TELOS es un tetráptico de cuatro coreógrafos diferentes: Maria Hassabi, Hannes Langolf, Ioanna Paraskevopoulou y Ermira Goro, en el que la última desempeña el papel de intérprete. Aunque los cuatro estilos distintos pueden no tener nada en común, Goro logra navegar a través de este itinerario escénico de manera brillante, exhibiendo un enfoque versátil y riguroso para la variedad requerida de habilidades interpretativas. La primera parte está coreografiada por María Hassabi, una especie de preludio o el tipo de entrada meditativa que aumenta tu atención y aquieta el zumbido del mundo exterior. Goro está de pie en medio de la audiencia, luego se sienta en un banco y comienza a caer. Hassabi exige una especie de "retirada comprometida" en su vocabulario de movimiento, una que hace que el esfuerzo sea palpable pero no alienta ninguna inversión emocional en la acción realizada. Más bien, su estilo hace más notables los detalles escultóricos y plásticos del cuerpo mientras mantiene una posición por un tiempo, con un sentido dilatado del tiempo, reforzado por los sonidos fluctuantes, en este caso de Jeph Vanger. Hassabi tiene una forma única de hackear tu cerebro para que el movimiento ordinario y menor parezca extraordinario y espectacular.
La siguiente sección es de Juana Paraskevopoulou. Diferentes finales de películas – margaritas, A flor de piel, La Pasión de Juana de Arco, etc. – crean una especie de hipertexto en el que la entrada es producida por Goro para que coincida con el sonido de una escena (como en Foley), o se utiliza para guiarla a través de un estado emocional en la recreación de una escena – vívidamente mostrado en el extracto de Juana de ArcoEsta sección es auditivamente densa (música de Aliki Leftherioti), las acciones dictadas son bastante dispares y desorientadoras, pero a veces te sacuden hasta el fondo, al igual que la intérprete cuando golpea repetidamente el micrófono en su pecho para crear el sonido de un latido del corazón.
La tercera parte de Ermira Goro La propia Goro es visualmente impactante y un tanto sobrenatural: el tiempo se dilata de nuevo y el escenario se baña en una luz acuática y resplandeciente. Goro se desviste, se recuesta boca arriba, su cabeza ahora flota en una palangana llena de agua. Parece tranquila, durmiendo, pero como si despertara en su sueño, se pone de pie, su cuerpo ahora encorvado, cargando a regañadientes su propio peso mientras intenta cruzar el escenario. Su torso asciende momentáneamente como si buscara aire, para entregarse nuevamente en un limbo inmóvil. El tema recurrente, parecido a un canto, realza este viaje uliséo, pero no podemos decir si hay un final o una escapatoria, ya que la imagen se congela, dejándonos preguntándonos de qué se trataba este sueño.
La última parte es de Hannes LangolfGoro, ahora vestida con un vestido rosa sin tirantes, camina por el centro del escenario siguiendo instrucciones, supuestamente de alguien fuera del escenario. Lleva la grandeza marchita de una diva de Hollywood, mostrando una vez más sus viejos trucos que solían fascinar al público. Puede ser ligeramente amarga y recatadamente dulce al exhibir sus inseguridades, sus cambios de humor a veces resultan en poses de diosa o vergüenza de aficionado. "¿Deberíamos empezar de nuevo?", pregunta, como para complacer a un Maestro fantasmal. Se dirige al centro del escenario, nuevamente, reclamando su espacio iluminado por los focos, pero pronto su voz se quiebra y deja al descubierto su propia duda: "¿Cómo puedo empezar de nuevo?" Esto podría ser un último toque de telón; pero seguramente es un testimonio sincero de la montaña rusa emocional de una artista envejecida que ha dedicado su vida a entretener al público.
"¿Qué es esta mierda?", te preguntarán repetidamente. Chara Kotsalirendimiento de borborigmos¿Una huelga de ruido, un llamamiento a bailar hasta quemarse, un minuto de ruido en un siglo de silencio? En un patio de recreo sónico cubierto de barro, las dos intérpretes (Kotsali junto con Christina Skoutela) responden con ruido a nuestra ensordecedora realidad. Cogerán un micrófono y gritarán a todo pulmón, lo clavarán en el suelo y emitirán sonidos con él como si escucháramos las entrañas rugientes de la tierra, bailarán a 144 bpm pero combinarán bailes de todo tipo, mientras recorren una historia de pasos. Se cogerán de la mano todo el camino para manifestar su poder femenino, tendrán momentos de aburrimiento solo para contraatacar con una especie de furiosa poesía slam. La actuación es "escandalosamente poética", un antídoto al ruido blanco, un poderoso lamento que emerge de una tormenta de voces inaudibles. Los dos intérpretes buscan un enfoque lúdico pero a la vez muy enérgico, una forma de resistirse a la guerra sónica de la realidad explosiva y entumecedora de hoy (habrá fragmentos de ella en una pantalla grande, si logras echar un vistazo). Pero si respiramos con y en el caos, entonces puede haber formas inimaginables de reactivar nuestros cuerpos, de pensar en los límites no como simples fronteras sino, por el contrario, como señales para explorar cosas fuera del espacio de la limitación, tal como los dos mientras se toman de la mano y por un momento salen del escenario, galopando en unidad, empoderados y escandalosamente audaces. ●
Atenas y Epidauro, Grecia