Acogedor en el Fringe Festival de Ámsterdam

Mientras me preparo para escribir un resumen de mi tiempo en el Festival Fringe de Ámsterdam, Sigo mi última incorporación a mi colección de pegatinas para tapas de portátiles que recogí en el mismo evento...

Un rostro humano se asoma entre las caricias de unos tentáculos rosados. Al observarlo más de cerca, el rostro se funde con la forma de un pulpo: dos especies aparentemente dispares que se encuentran una dentro de la otra. Esta imagen tentacular, desarrollada por la diseñadora residente Lisa van Kleef con la ayuda de AI, está enmarcada con el lema del Fringe de este año: Dare To Merge (Atrévete a fusionarte).

Después de 18 años de organizar este festival de aclamación internacional para creadores emergentes, se puede ver que el equipo de Fringe tiene una capacidad matizada para identificar y desarrollar temas unificadores que se sienten pertinentes para el momento. El concepto de atreverse o desear fusionarse sugiere una curiosidad por la intimidad radical. Una proximidad que va más allá de los cuerpos que se mueven uno al lado del otro. Más bien, cuerpos que se mueven como uno solo;
cuerpo a cuerpo;
cuerpo con escenario;
cuerpo dentro del colchón;
cuerpo volviéndose sano;
sentirse especialmente cómodo con el "otro".

Este año navegué a través de seis ambiciosas presentaciones de danza, dando testimonio de diversas manifestaciones de la fusión de que atravesó el ámbito de la palabra: desde la cercanía a la intimidad, desde lo acogedor a lo incómodo, y todo lo que hay entre medio. Al final de este maratón, me sentí abrazado por la escena de intrépidos nuevos creadores de Ámsterdam, y llegué a la conclusión de que realmente no hay nada tan bueno como acogedor* como el Fringe.

*una palabra holandesa intraducible que captura la sensación de comodidad.

Viernes 6 septiembre

Jugamos tan duro que duele por Fernando Troya

Fernando Troya recorre el escenario, sus ojos devoran todo lo que tocan. Lamen el suelo del escenario y se demoran sobre una pila de colchones. Finalmente, se vuelven hacia el público con una mirada sensual. El exterior de Troya es duro; sus caderas se balancean hacia adelante y hay un ligero contoneo en su andar que me recuerda a un mafioso de película. Estoy abrumado por su personaje totalmente encarnado, ¡y apenas estoy entrando en el teatro! Finalmente, como si su apetito ya no pudiera resistir, se sumerge dentro de los colchones. Los brazos se agitan, al igual que las camisetas, los pantalones, los boxers, hasta que aparece un nuevo Troya, desnudo, expuesto y listo para comenzar su solo íntimo.

Jugamos tan duro que duele Se define por su ir y venir entre monólogos confesionales y fragmentos de coreografía lírica. Troya activa ambos para explorar las dualidades de la cultura del cruising y la identidad queer en un intento de elevarlas más allá de las representaciones simplistas. Él es el rudo cruiser que conocemos al principio y el vulnerable Bambi nacido de la pila. Es atento y gentil, bailando en armonía con cada colchón, explorando sus cualidades únicas en una serie de duetos: algunos son suaves y sutiles, se doblan bajo su peso, otros son resbaladizos y resistentes, lo que le permite deslizarse por el suelo. Pero también es descaradamente lascivo, brindando fragmentos de experiencias personales con la lujuria, el deseo y los encuentros sexuales.

El resultado no es limpio, y esto es un alivio: las interpretaciones más auténticas no lo son. La voz de Troya tiembla. Al igual que sus piernas cuando la pila de colchones se desmorona bajo él cuando intenta trepar hasta la cima. No busca establecer un escenario pulido para escenificar su experiencia. Más bien, crea un lugar de juego acogedor en el que finalmente puede liberar sus secretos no revelados y recuperar su infancia.

Tratando de ponerse cómodo en el oscuro, oscuro vacío. por FADAT

¿Alguna vez te sentaste en una habitación completamente a oscuras, esperando más de lo esperado a que sucediera algo? Y en esos breves momentos, el tiempo se expande y te das cuenta de que eres capaz de rastrear las mayores ansiedades de la vida, volviéndote hiperconsciente de tus pensamientos, tu respiración, los crujidos de tu cuerpo y, en algún momento, deseas por el amor de Dios que algo, cualquier cosa, suceda...

Tratando de ponerse cómodo en el oscuro, oscuro vacío. Capta esta sensación y la multiplica por diez para instar al público a practicar una dosis de paciencia que ya se había extinguido. Los hermanos Manuel Groothuysen y Diane Mahín se tambalean rígidamente por el escenario. Se acercan a los micrófonos que hay en el suelo, tentándonos con la posibilidad de que algo suceda, pero se alejan sin dejarnos con la picazón. La iluminación, un mínimo lavado verde, los transforma en inquietantes zombis hipnotizados por la abrumadora sensación de la nada.

El pie de Groothuysen hace contacto con el micrófono con un ruido sordo reverberante y Mahín toma el micrófono: "¿Qué... deberíamos hacer?". Se oye un gemido amplificado desde la primera fila, pero encuentro ingenioso este primer momento de "acción". Muestra un admirable compromiso con esta exploración del vacío, reconociendo que para generar tensión se necesita tiempo.

En su afán por encontrar una sensación de comodidad en este vacío autoinfligido, nuestro dúo comienza a encontrar otras formas de entretenerse, jugando con micrófonos para crear paisajes sonoros de ensueño, manipulando los cuerpos de los demás y vocalizando pensamientos profundos. Interrumpidos por una escultura inflable gigante que transforma el escenario del barón en una cama blanca ondulante, resulta que su solución es bastante simple: todo lo que necesitas es una manta acogedora para escapar de la oscuridad.

Domingo 8 septiembre

Cadáveres iraquíes Por Liza Sulaiman

¿Cómo puede el solo utilizarse como vehículo para evocar, unir ¿Y traducir la experiencia de muchos?

Cadáveres iraquíes es una performance cultivada a partir de una colección de colaboradores y una riqueza de historias compartidas, pero solo vemos un cuerpo carnoso: el de Liza Sulaiman. Acurrucada en el fondo del escenario, camina sobre un montón de tierra y gira como una bailarina de caja de música. En esta viñeta de apertura, Sulaiman establece su destreza interpretativa. Su rostro tranquilo transmite una plétora de emociones: paz, tristeza, alegría, contemplación. La calidad de su movimiento es igualmente hábil. Pasa de esta fluidez a gestos espasmódicos y precisos, luego a un jubiloso rebote de los hombros, una característica del baile social de las diásporas de Asia occidental y el norte de África.

Sulaiman y sus cocreadores también experimentan con formas de evocar la ilusión de más cuerpos en el escenario; cuerpos que no tienen la plataforma para contar sus historias de dolor por la pérdida de un hogar. Utilizando una pantalla digital, Sulaiman proyecta el brazo, el pecho y la boca de un "otro" sobre los suyos, y a veces su baile está sostenido por la voz de Khazal Al-Majidi, cuya poesía árabe corta el silencio como una canción de cuna rítmica.

Esta interpretación es un santuario dentro de la manía del Fringe. Es tranquila, delicada y se asienta en mi memoria como un sueño borroso. Sin embargo, la cuidadosa y meditada artesanía que hay detrás de ella se puede sentir con toda su fuerza. No hay duda de que el impacto de este solo ampliado perdurará en cada persona a la que llegue.

re:forma or Sin cabeza en el mar Por Laura Boser

Sin que lo sepan las hordas de turistas que pasan frente a las puertas del Vrij Paleis en el centro de Ámsterdam, una quimera brillante se mueve...

re:forma or Sin cabeza en el mar La obra se desarrolla en un rincón poco iluminado que, gracias al paisaje sonoro en directo del artista Ascan Delarber, está envuelto en fantasía y es propicio para que ocurran acontecimientos especulativos. Respiraciones terrosas, chasquidos de lengua y silbidos espeluznantes se repiten y distorsionan, haciendo eco en un espacio que, por lo demás, es sombrío. Se trata de un cuerpo que suena menos humano y más como una cueva mojada. Tras pasar un rato en la fantasía sonora de Delarber, nuestra atención se dirige a un montículo de tela iridiscente que ha estado descansando en el fondo del escenario mientras se estremece y cobra vida.

Hay un lento nacimiento de la acción, que parece intencional. Como si comprendiera su vitalidad por primera vez, el montículo pasa tiempo rodando de un lado a otro, acercándose a Delarber con curiosidad y retrocediendo de nuevo. El ritmo meditativo guía hábilmente al público hacia un mundo alternativo. Instintivamente me encuentro buscando la señal del agente humano dentro de esta masa. Pero en la abundancia de tiempo que se le da a cada acción para desarrollarse, mi capacidad de comprensión falla y me pierdo en este caleidoscopio de material.

Laura Boser, creadora, intérprete y diseñadora de vestuario detrás de esta obra, así como animadora de esta gran ilusión, utiliza el potencial de la danza para emocionar, confundir y sacudir nuestra percepción de lo que puede ser un cuerpo. Sonido, líquido, humano, criatura; todo. unir ante nuestros propios ojos, permitiéndonos perder nuestro control desesperado sobre la realidad y deslizarnos hacia los pliegues brillantes del imaginario queer.

Jueves 12 Septiembre

Otro día más en el paraíso Por Lukas Karvelis

Escenario, patineta, tacones de quince centímetros: Lukas Karvelis y Benoit Couchot navegan por la precariedad de varias "plataformas" en su dueto que traza los contornos de la intimidad, el deseo y las relaciones queer.

Balanceándose sobre la tabla, se abrazan cara a cara en un baile de salón desconocido, con los brazos agarrando la piel para mantener el equilibrio mientras permanecen lo más cerca posible. Comienzan el acto aparentemente imposible de desvestirse mutuamente, una tarea diaria que se convirtió en un deporte extremo debido a su podio inestable y a los revestimientos de pelucas, vestidos, trajes de cuerpo y, por supuesto, tacones escandalosamente altos.

Cuando se quita la última capa, la patineta se desliza hacia afuera y ambos pueden explorar esta intimidad directamente en el escenario. En el escenario abierto, el deseo se convierte en una fuerza gravitacional. Karvelis y Couchot orbitan juntos en un atlético movimiento de ida y vuelta, dando volteretas hacia su pareja, atrapándola y enviándola con cuidado hacia atrás. Hay una cantidad contagiosa de confianza: confiar en que el otro amortigüe tu caída, confiar en tu propia caída y confiar en que, dentro de toda esta poderosa emoción encarnada, tu público podrá sentir junto contigo.

Contagioso porque la coreografía precisa pero honesta hace que el público sienta que podemos confiar en este dúo para que nos guíe a través de su sentida dramaturgia. Karvelis describe este dúo como una eterna búsqueda de conexión, y sin embargo, una conexión con la que puede contar es la que crea entre el público y los intérpretes.

Oda a la destrucción por Suckerpunch Collective

Temáticamente gira en torno a nociones de ciencia ficción de 'El fin', Oda a la destrucción es un final fortuito para mi paso por el Fringe de Ámsterdam. También une las ideas predominantes de proximidad, relaciones queer y capacidad de respuesta humana, situándolas en un contexto acelerado de apocalipsis distópico. Con tanta riqueza de temas ambiciosos viene el riesgo de producir algo demasiado profundo para el consumo. Sin embargo, donde algunos artistas pueden tropezar, Suckerpunch Collective tiene éxito, llevando a su público a través de este dúo híbrido que equilibra el teatro con la danza, la autenticidad con la comedia y las ficciones fantásticas con realidades aterradoras.

En el escenario se despliegan una serie de viñetas teatrales en las que los bailarines Lacapo Loliva y Manuel Kiros Paolini exploran las reacciones humanas ante la idea de "El fin". A veces, esto se hace a través de personajes caricaturescos, como el filósofo moderno destartalado de Loliva que hojea las páginas de los libros como un robot y lee en voz alta la última línea en una búsqueda desesperada de respuestas. O la novia de Loliva con un vestido de gasa blanca y su contraparte cisne negro de Kiros Paolini que reflexionan, discrepan y lamentan sus deseos de relaciones queer. En viñetas más abstractas, se deslizan hacia una coreografía fluida, mostrando una fluidez en el trabajo de contacto con la pareja que les permite explorar ideas de intimidad enredada.

La obra es deliberadamente divertida, pero la comedia también se utiliza como vehículo para adentrarse en una verdad insidiosa. “El fin” no es simplemente un leitmotiv del género de ciencia ficción. Es nuestro presente. Entre la ligereza, Loliva y Kiros Paolini ofrecen un diálogo urgente que alude a los conflictos actuales, desesperados ante la imposibilidad de continuar frente a la violencia. Aprovechando su posición como artistas talentosos, Suckerpunch Collective administra una dosis necesaria de realidad: un “fin” que sobrevivirá mucho después de su actuación.

No puedo evitar pensar que los temas del deseo, la intimidad y la conexión son las secuelas de una generación desilusionada por su presente políticamente devastador. El escenario se convierte en un lugar para practicar una ecología del cuidado; para crear espacios seguros para la autorrealización; para dar voz al "otro", declarándolos cociudadanos de tu mundo. Mientras termino este artículo y cierro mi portátil por la noche, sé que volveré a ver esa pegatina de Fringe, un emblema de la notable sensibilidad del trabajo que se vio en el festival de este año y un recordatorio para seguir fusionándonos con la curiosidad, la compasión y la comodidad. ●