El Festival Internacional de Danza CODA Oslo es un buen ejemplo de cómo la danza puede actuar como un puente entre desconocidos, creando conexiones inesperadas, ampliando nuestras perspectivas y fortaleciendo el papel del movimiento como comunicación.
Su 22nd edición, del 11 al 19 de octubre de 2024, convirtió a Oslo en un lugar de encuentro acogedor y diverso. Durante los tres días que estuve (del 11 al 13 de octubre) vi cómo los marcados contrastes entre los distintos enfoques coreográficos y espacios crearon una experiencia rica y multifacética, y me fui con una sensación de alegría porque la forma de arte de la danza logró establecerse en el centro de todo, una hoguera de la que podían surgir ideas que mostraban, de manera concreta, cómo la conexión a través del movimiento puede desafiar las normas y comunicarse más allá del lenguaje.
Una breve historia de CODA
El Festival Internacional de Danza CODA de Oslo fue iniciado por coreógrafos Lise Nordal y El extraño Johan Fritzøe en 2002 y se convirtió en el festival de danza contemporánea más grande de los países nórdicos. Durante la dirección de Stine Nilsen (2017–2024), el festival desarrolló un enfoque artístico diverso e inclusivo. La experiencia de Nilsen con Candoco, la compañía pionera del Reino Unido de bailarines con y sin discapacidad, le ha dado al festival un perfil único. Nilsen dijo En 2020, su estrategia ha sido programar a artistas diversos, pero dejando que ellos mismos decidan la temática artística. "No me interesa tanto ser representativa en términos de contenido. Se trata más de tener conciencia de quiénes se suben al escenario, no de lo que representan".
Este año, cuando Nilsen asuma su nuevo rol como Director de Dansens Hus En Oslo, pasa la antorcha de CODA a Birgit Berndt, cuya trayectoria incluye trabajos como dramaturga, desarrolladora de audiencias, productora, líder administrativa, curadora y directora artística. Desde 2010, Berndt vive en Suecia, donde ha desarrollado la infraestructura para la danza en el municipio de Jönköping, trabajó como gerente para Danscentrum Väst en Gotemburgo y los últimos diez años como director artístico de danza en Norrlandsoperan, donde ha contribuido a encontrar nuevos caminos para la danza y su dimensión política, estableciendo fuertes redes a nivel internacional, nacional y regional.
En un entrevista reciente Berndt, del Danseinformasjonen, comentó sobre CODA: "Trabajar durante un año entero para crear un lugar de encuentro que sea relevante tanto para los artistas como para el público, en un mundo que está en constante transformación, es un desafío y una emoción increíble. Un festival puede ser un crisol de culturas y una buena oportunidad para reunir a los artistas y al público en un solo lugar y darle a todo un nuevo contexto.
Cuando se le preguntó qué impresión general le gustaría que el público se llevara, respondió: "Es difícil decirlo sin tomar las palabras de Stine Nilsen, ya que ella es quien ha elaborado el programa de este año. En la multiplicidad de cuerpos y lugares hay muchas cosas que unen el programa. Una de ellas es la expresión de alegría por utilizar el cuerpo como instrumento de comunicación".
Tomados de la mano bajo la lluvia torrencial
Mientras caminaba hacia la Kulturkirken Jakob (una iglesia dedicada a la performance y otras formas culturales), pude ver nubes oscuras que se cernían bajas en el horizonte. Como estaba mal vestida para la ocasión, con mi abrigo apenas impermeable y la ingenua falta de paraguas, la directora artística Birgit Berndt me entregó amablemente una gorra de CODA con la inscripción adecuada: "No hay receta para bailar".
Mia Habib, Samkome ('reunirse' en noruego) es un acto de participación, un ritual colectivo pero íntimo de compartir el dolor. Nos quedamos en círculo alrededor de una hoguera mientras Sara Baban, Lynn Claire Feinberg, Jassem Hindi, Beate Esthersdatter Myrvold, Mariama Ndure, Marina Popovic, Marianna Sangita A. Røe y Rola Srour cantaban canciones de lamentación en varios idiomas. Cada una de nosotras escribió una frase de su propio dolor personal en un trozo de papel, que luego fue leída en voz alta por otra persona, que luego quemó el papel en el fuego.
La fisicalidad de este ritual colectivo era tan mínima que, cuando se producía algún movimiento, resonaba aún más fuerte. En ese día gris, este formato simple pero poderoso permitió algo tan inusual como una conexión profunda con desconocidos.
A mi, Samkome Fue un ejercicio compartido de empatía, un momento en el que mi pérdida personal se entrelazó con la universal. Allí, de pie en un gran círculo, escuchándonos unos a otros, se hizo evidente que cada persona tenía una relación profunda con el dolor, y este simple ritual actuó como un poderoso recordatorio de nuestra condición humana compartida. Al mirar a mi alrededor, pude ver la lluvia mezclada con lágrimas corriendo por las mejillas de desconocidos. Un sentido de solidaridad creció mientras estábamos uno al lado del otro bajo la lluvia, viendo el fuego que se alimentaba con nuestras oraciones.
Más tarde, cuando mis manos heladas se aferraron a los guantes de lana empapados de mi vecino, pude percibir un sentimiento de unidad y una fuerte sensación de esperanza que permanece conmigo: un faro en estos tiempos oscuros de polarización y desesperación.
Habib es mucho más que una coreógrafa. En la esfera pública noruega, ha participado en debates sobre la libertad artística y el racismo relacionados con el ámbito de las artes escénicas independientes, además de ser una de las fuerzas impulsoras de Voces judías por una paz justa, una red de judíos y personas de origen judío en Noruega que apoyan una Palestina libre. Entrevista para CODA Ella dice: "En una época caracterizada por conflictos globales, guerras y atrocidades, Samkome es una invitación a permanecer unidos ante las emociones de pérdida, desesperación, ira y dolor. Es muy importante participar en un trabajo político orientado a objetivos, pero también ser solidarios con otros seres humanos".
Diversos movimientos y partituras de bailarinas
Su nombre Disímil Proviene del latín y significa 'diferente'. Es una organización que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas con discapacidades del desarrollo y deficiencias funcionales ofreciendo actividades culturales que proporcionen experiencias positivas, dominio y reconocimiento. Radiografía. es una casa cultural juvenil autónoma, inclusiva y solidaria en el centro de Oslo. Los artistas de Dissimilis y X-ray trabajaron con "partituras" (instrucciones de movimiento) junto con bailarines de Proyecto Janina Rajakangas Para el desempeño BailarínA pesar de haber trabajado juntos solo unos días, el colectivo temporal mostró un intercambio evocador de movimiento más allá del lenguaje durante una exposición íntima de trabajo en progreso en Voldsløkka Skole.
El público estaba sentado en círculo cuando entraron los bailarines, vestidos con ropa de diario y cada uno con su propia cualidad de movimiento, cada uno con un compromiso concentrado y una alegría contagiosa por el movimiento. El resultado fue una hermosa negociación entre lo individual y lo colectivo, donde ejercicios aparentemente sencillos de liderazgo y seguimiento establecieron profundos paralelismos con la sociedad y la democracia a medida que se desarrollaba cada nueva ola de movimientos.
Los Rajakangas Bailarín La puntuación se basa en su experiencia personal con la neurodiversidad. entrevista reciente Ella dijo: 'Bailarín 'Trata sobre jerarquías, formación de grupos, exclusión, polifonía y ser bailarina. Partió de una necesidad de poder hacer un trabajo más diverso e inclusivo como coreógrafa. Vivo ahora y he vivido en mi infancia en una familia neurodiversa. Estas experiencias han planteado la necesidad de procesar el concepto de ser bailarina en un grupo de trabajo neurodiverso. Pienso que la danza como profesión es también una forma de vida y una alternativa, no se define por diagnósticos, academias o instituciones.'
Demonios peculiares que brindan un nuevo sentido de identidad
Si entré a CODA pensando que un corte de pelo no es más que una actualización superficial del look de uno, salí con una sensación diferente. Demonios cosméticos: un salón coreográfico, coreógrafo Sindri Runudde Comenzó guiando a la audiencia a través de un ejercicio de movimientos de cabeza, diseñado para activar los pequeños pelos dentro de la oreja, para estimular la conciencia espacial, el equilibrio y la concentración.
Para la ocasión, el pequeño escenario de la Ópera se transformó en un salón de belleza, al que se invitó a subir al escenario a tres miembros del público previamente seleccionados e iniciados. Después de que cada uno de ellos compartiera una anécdota personal sobre su cabello, se les presentó a un dúo formado por un peluquero profesional y su propio demonio cosmético. Sí, has leído bien: demonio.
A primera vista, los tres brillantes bailarines, con el pelo peinado hacia atrás y vestidos con cómodos vaqueros y camisetas negras, podrían pasar por pasantes de una elegante peluquería. Pero en cuanto nos dimos cuenta de que sus ojos eran completamente negros, y desde el momento en que (con su consentimiento) arrancaron un solo pelo de su miembro designado del público, supimos que estos demonios iban en serio. Su lenguaje corporal colectivo comenzó con poses de gárgola en el suelo y líquido negro goteando de sus bocas abiertas, pero pronto se transformó en unísonos carnales. En un momento, uno de los peluqueros se unió, añadiendo a la composición un solo desgarbado y maravilloso. Un momento destacado fue 'lap dance on distance', una canción íntima cantada por un demonio a cuatro patas, con sus ojos cubiertos por lentes negros mirándote fijamente al alma (si tienes una), seguida de una asombrosa sincronización de labios.
En este extraño y maravilloso universo, el desprendimiento de los mechones de cabello de los espectadores se convirtió en un ritual complejo que involucraba varias deformaciones en el tiempo, monos con lentejuelas y estética de club nocturno, y parecía adquirir símbolos de un avance temporal, un abandono del antiguo yo.
Las luces de tira sobre los taburetes del salón me hicieron pensar en visitas al hospital y en la vida nocturna. Cuando los delantales negros se cambiaron por unos rosas, al son de la canción "Everybody's free (To feel Good)", se escuchó un suspiro de alivio en la sala cuando los tres miembros de la audiencia, con sus cabellos recién cortados, fueron guiados de regreso a sus asientos por sus demonios. Ni un cabello fue dañado en este encantador collage de recuerdos y sueños.
Saltando de alegría con Silvia Gribaudi
Silvia Gribaudi, Gran Jeté, en la que el coreógrafo actuó junto a Compañía de Danza Contemporánea MM, mostró una investigación humorística de la rutina diaria del entrenamiento de ballet, una explosión de energía burbujeante y poder juvenil.
'¡Empuja, empuja, empuja! ¡Amor, amor, amor!' El enérgico grupo de diez jóvenes bailarines proclamó en voz alta su pasión por la danza mientras demostraba con entusiasmo los ejercicios meticulosamente estructurados de una clase de ballet. Gribaudi actuó como un puente hacia el público, un traductor animado que comentaba con entusiasmo los esfuerzos de los bailarines, participando ocasionalmente en los ejercicios, pero sobre todo explicando cómo todos estos esfuerzos están diseñados para permitir en última instancia que los bailarines realicen sus propias danzas. gran jeté, uno de los saltos más impresionantes y aparentemente desafiantes de la gravedad del ballet, donde las piernas se extienden en una división en el aire, solo para aterrizar nuevamente, con gracia, idealmente sin un sonido.
El mundo del ballet puede ser una esfera profundamente problemática, pero el mensaje de Gran Jeté muestra una otra cara de la moneda. Aunque parece principalmente una celebración alegre de la capacidad humana para realizar movimientos impresionantes, también ofrece inclusión, porque como Gribaudi explicó más adelante en su charla ante el público, el "salto" también es metafórico: "Los jóvenes son los que pueden hacer que toda la humanidad dé un salto".
En esta obra, no había duda de que la vigorosa pasión de los jóvenes bailarines fue elevada a nuevas alturas por Gribaudi, cuya vibrante presencia en el escenario, como intérprete mayor pero no menos apasionado, hizo reír a carcajadas al público repetidamente y saltar en sus asientos.
71 CUERPOS
A través de seis presentaciones durante tres días en el Museo MUNCH, el curador invitado Daniel Mariblanca y su compañía de danza inclusiva transgénero 71 CUERPOS presentó Made in Self, un concepto curado que consta de tres solos independientes y un dúo, una colaboración entre Mariblanca y cuatro intérpretes que trabajan dentro de la danza contemporánea y la performance extrema: Oliver Sale, Jean-Baptiste Baele, Barry de Bruin y Maria Perkances.
En la caja negra del MUNCH, Mariblanca interpretó un dúo sensible pero extremadamente potente con Jean-Baptiste Baele (director artístico de Compañía de danza Nabinam) en la que se produjo una forma corpórea para la transformación; un acto de equilibrio entre sostener, fusionar y transformar. La tierna sensualidad y el elevado nivel de confianza e intimidad siguieron siendo un elemento guía en el contacto entre ellos, mientras que su baile se convirtió simultáneamente en una manifestación de extraordinaria fuerza y resistencia, ya que los dos se levantaron y llevaron incansablemente el uno al otro, aparentemente a través de obstáculos invisibles. Su desnudez absoluta y sus movimientos lentos y esculturales resultaron evidentes y naturales, un contraste con el público, vestido con ropa cálida de otoño y sentado notablemente quieto en la habitación oscura.
El solo que capté, una actuación extrema de 50 minutos de María Perkances Hizo que varios espectadores apartaran la mirada y otros se fueran. Los que nos quedamos tuvimos una experiencia intensa y fuera de lo común. De hecho, esta actuación no se parecía a nada que hubiera visto antes.
Como se describe en el programa, Perkances utiliza su cuerpo de una manera transgresora, intentando no sólo exorcizar su propio sufrimiento –causado por su fractura de médula espinal y la distorsión del talón izquierdo– sino ir más allá de los límites de su resistencia. En actos de autoinflicción de dolor, Perkances mostró un estoicismo increíble. Logré contar 13 veces en las que se clavó con fuerza agujas en la piel de la cara y el pecho, pero probablemente fueron más. El público estaba sentado detrás de él, captando los detalles frontales de sus acciones a través de un espejo.
El hecho de que estuviéramos sentados en una caja negra casi logró transformar la sangre que corría por su rostro decidido en maquillaje, ya que literalmente le cosieron lazos de seda en rosa, azul y rojo a modo de corsé. Pero esta actuación rompió las expectativas de lo institucional. Las cuatro paredes del museo MUNCH no ofrecían ninguna ilusión. Todos lo sabíamos: esto es en vivo, esto es la realidad.
La banda sonora jugó un papel importante, en la que la respiración lenta y los gritos apagados crearon una respuesta enfática e inmersiva en mí: por momentos, la conciencia de mi propio ritmo cardíaco acelerado se volvió casi insoportable. Perkances afirma que solo a través de la catarsis de la actuación y el ritual es posible escapar de los obstáculos impuestos por la sociedad y la tiranía del género. Sin duda, expuso una forma poderosa de hacerlo.
Una impresión general de CODA que me quedó grabada es que todas estas diversas expresiones de movimiento pusieron el poder del ser humano en el centro y estimularon los sentidos de una manera que solo la actuación en vivo puede lograr, en contraste con nuestro mundo digital cada vez más saturado de inteligencia artificial. Es una dirección que seguramente seguirá adelante la nueva directora de CODA, Birgit Berndt, quien dice: "Actualmente nos encontramos en tiempos oscuros en el mundo, y creo que es importante encontrar alegría y fuerza en el cuerpo. No para alejarnos de la oscuridad, sino para acceder al poder de ocupar un espacio en la sociedad con todo tipo de cuerpos y con una postura política clara". ●
Todas las traducciones de citas de entrevistas en este artículo son del autor.