El Festival Internacional de Danza CODA Oslo es un buen ejemplo de cómo la danza puede actuar como un puente entre desconocidos, creando conexiones inesperadas, ampliando nuestras perspectivas y fortaleciendo el papel del movimiento como comunicación.
Su 22.ª edición , del 11 al 19 de octubre de 2024, convirtió a Oslo en un lugar de encuentro acogedor y diverso. Durante los tres días que asistí (del 11 al 13 de octubre) pude observar cómo los marcados contrastes entre los distintos enfoques coreográficos y los diferentes espacios crearon una experiencia rica y multifacética, y me marché con la alegría de que la danza lograra consolidarse en el centro de todo, como una hoguera de la que surgían ideas que demostraban, de forma concreta, cómo la conexión a través del movimiento puede desafiar las normas y comunicar más allá del lenguaje.
Una breve historia de CODA
El Festival Internacional de Danza CODA Oslo fue creado por los coreógrafos Lise Nordal y Odd Johan Fritzøe en 2002 y se convirtió en el festival de danza contemporánea más grande de los países nórdicos. Durante la dirección de Stine Nilsen (2017-2024), el festival desarrolló un enfoque artístico diverso e inclusivo. La trayectoria de Nilsen en Candoco, la compañía pionera en el Reino Unido de bailarines con y sin discapacidad, ha dotado al festival de un perfil único. Como afirmó Nilsen en 2020, su enfoque ha sido programar artistas diversos, dejando la libertad de elegir sus temas artísticos. «No me interesa tanto la representatividad en cuanto al contenido. Se trata más bien de ser consciente de quién sube al escenario, no de lo que representan».
Este año, mientras Nilsen asume su nuevo cargo como directora de Dansens Hus en Oslo, le pasa el testigo de CODA a Birgit Berndt , cuya trayectoria incluye trabajo como dramaturga, promotora de audiencias, productora, jefa administrativa, curadora y directora artística. Desde 2010, Berndt vive en Suecia, donde ha desarrollado la infraestructura para la danza en el municipio de Jönköping, ha trabajado como gerente para Danscentrum Väst en Gotemburgo y, durante los últimos diez años, como directora artística de danza en Norrlandsoperan , donde ha contribuido a encontrar nuevas vías para la danza y su dimensión política, estableciendo sólidas redes a nivel internacional, nacional y regional.
En un entrevista reciente Berndt, del Danseinformasjonen, comentó sobre CODA: "Trabajar durante un año entero para crear un lugar de encuentro que sea relevante tanto para los artistas como para el público, en un mundo que está en constante transformación, es un desafío y una emoción increíble. Un festival puede ser un crisol de culturas y una buena oportunidad para reunir a los artistas y al público en un solo lugar y darle a todo un nuevo contexto.
Cuando se le preguntó qué impresión general le gustaría que el público se llevara, respondió: "Es difícil decirlo sin tomar las palabras de Stine Nilsen, ya que ella es quien ha elaborado el programa de este año. En la multiplicidad de cuerpos y lugares hay muchas cosas que unen el programa. Una de ellas es la expresión de alegría por utilizar el cuerpo como instrumento de comunicación".
Tomados de la mano bajo la lluvia torrencial
Mientras caminaba hacia la Kulturkirken Jakob (una iglesia dedicada a la performance y otras formas culturales), pude ver nubes oscuras que se cernían bajas en el horizonte. Como estaba mal vestida para la ocasión, con mi abrigo apenas impermeable y la ingenua falta de paraguas, la directora artística Birgit Berndt me entregó amablemente una gorra de CODA con la inscripción adecuada: "No hay receta para bailar".
Samkome (que significa "reunión" en noruego) de Mia Habib es un acto de participación, un ritual colectivo pero íntimo para compartir el duelo. Nos reunimos en círculo alrededor de una hoguera mientras Sara Baban, Lynn Claire Feinberg, Jassem Hindi, Beate Esthersdatter Myrvold, Mariama Ndure, Marina Popovic, Marianna Sangita A. Røe y Rola Srour cantaban canciones de lamento en varios idiomas. Cada uno escribió una frase de su propio dolor en un trozo de papel, que luego otra persona leyó en voz alta y quemó en la hoguera.
La fisicalidad de este ritual colectivo era tan mínima que, cuando se producía algún movimiento, resonaba aún más fuerte. En ese día gris, este formato simple pero poderoso permitió algo tan inusual como una conexión profunda con desconocidos.
Para mí, Samkome fue un ejercicio compartido de empatía, un momento donde mi pérdida personal se entrelazó con la universal. Allí, de pie en un gran círculo, escuchándonos unos a otros, se hizo evidente que cada persona tenía una profunda relación con el duelo, y este sencillo ritual sirvió como un poderoso recordatorio de nuestra condición humana compartida. Al mirar a mi alrededor, pude ver la lluvia mezclada con lágrimas corriendo por las mejillas de desconocidos. Un sentimiento de solidaridad creció mientras permanecíamos juntos bajo la lluvia, viendo cómo el fuego se alimentaba con nuestras palabras.
Más tarde, cuando mis manos heladas se aferraron a los guantes de lana empapados de mi vecino, pude percibir un sentimiento de unidad y una fuerte sensación de esperanza que permanece conmigo: un faro en estos tiempos oscuros de polarización y desesperación.
Habib es mucho más que una coreógrafa. En la esfera pública noruega, ha participado en debates sobre la libertad artística y el racismo en el ámbito de las artes escénicas independientes, además de ser una de las impulsoras de Jewish Voices for a Just Peace, una red de judíos y personas de origen judío en Noruega que apoyan una Palestina libre. En su entrevista para CODA, afirma: «En una época marcada por conflictos globales, guerras y atrocidades, Samkome es una invitación a unirnos ante las emociones de pérdida, desesperación, ira y dolor. Es fundamental participar en un trabajo político con objetivos concretos, pero también solidarizarnos con los demás seres humanos».
Diversos movimientos y partituras de bailarinas
El nombre Dissimilis proviene del latín y significa "diferente". Es una organización que trabaja para mejorar la calidad de vida de las personas con discapacidades del desarrollo y limitaciones funcionales, ofreciendo actividades culturales que brindan experiencias positivas, dominio y reconocimiento. X-ray es una casa de cultura juvenil autogestionada, inclusiva y solidaria en el centro de Oslo. Artistas de Dissimilis y X-ray trabajaron con "partituras" (instrucciones de movimiento) junto con bailarines del Proyecto Janina Rajakangas para la obra Dancer . A pesar de haber trabajado juntos solo por unos días, este colectivo temporal mostró un evocador intercambio de movimiento que trasciende el lenguaje durante una presentación íntima de su trabajo en progreso en la escuela Voldsløkka.
El público estaba sentado en círculo cuando entraron los bailarines, vestidos con ropa de diario y cada uno con su propia cualidad de movimiento, cada uno con un compromiso concentrado y una alegría contagiosa por el movimiento. El resultado fue una hermosa negociación entre lo individual y lo colectivo, donde ejercicios aparentemente sencillos de liderazgo y seguimiento establecieron profundos paralelismos con la sociedad y la democracia a medida que se desarrollaba cada nueva ola de movimientos.
La música de Rajakangas para Dancer se basa en su experiencia personal con la neurodiversidad. En una entrevista reciente, comentó: « Dancer aborda las jerarquías, la formación de grupos, la exclusión, la polifonía y la experiencia de ser bailarina. Surgió de la necesidad de poder realizar un trabajo más diverso e inclusivo como coreógrafa. Vivo, y viví durante mi infancia, en una familia neurodiversa. Estas experiencias me han hecho reflexionar sobre el concepto de ser bailarina en un entorno laboral neurodiverso. Creo que la danza como profesión es también una forma de vida y una alternativa; no se define por diagnósticos, academias ni instituciones».
Demonios peculiares que brindan un nuevo sentido de identidad
Si entré a CODA pensando que un corte de pelo no es más que una actualización superficial de la apariencia, salí con una impresión muy distinta. En Cosmetic Demons – A Choreographic Salon , el coreógrafo Sindri Runudde comenzó guiando al público a través de un ejercicio de movimientos de cabeza, diseñado para activar los pequeños vellos del interior de la oreja, con el fin de estimular la percepción espacial, el equilibrio y la concentración.
Para la ocasión, el pequeño escenario de la Ópera se transformó en un salón de belleza, al que se invitó a subir al escenario a tres miembros del público previamente seleccionados e iniciados. Después de que cada uno de ellos compartiera una anécdota personal sobre su cabello, se les presentó a un dúo formado por un peluquero profesional y su propio demonio cosmético. Sí, has leído bien: demonio.
A primera vista, los tres brillantes bailarines, con el pelo peinado hacia atrás y vestidos con cómodos vaqueros y camisetas negras, podrían pasar por pasantes de una elegante peluquería. Pero en cuanto nos dimos cuenta de que sus ojos eran completamente negros, y desde el momento en que (con su consentimiento) arrancaron un solo pelo de su miembro designado del público, supimos que estos demonios iban en serio. Su lenguaje corporal colectivo comenzó con poses de gárgola en el suelo y líquido negro goteando de sus bocas abiertas, pero pronto se transformó en unísonos carnales. En un momento, uno de los peluqueros se unió, añadiendo a la composición un solo desgarbado y maravilloso. Un momento destacado fue 'lap dance on distance', una canción íntima cantada por un demonio a cuatro patas, con sus ojos cubiertos por lentes negros mirándote fijamente al alma (si tienes una), seguida de una asombrosa sincronización de labios.
En este extraño y maravilloso universo, el desprendimiento de los mechones de cabello de los espectadores se convirtió en un ritual complejo que involucraba varias deformaciones en el tiempo, monos con lentejuelas y estética de club nocturno, y parecía adquirir símbolos de un avance temporal, un abandono del antiguo yo.
Las luces de tira sobre los taburetes del salón me hicieron pensar en visitas al hospital y en la vida nocturna. Cuando los delantales negros se cambiaron por unos rosas, al son de la canción "Everybody's free (To feel Good)", se escuchó un suspiro de alivio en la sala cuando los tres miembros de la audiencia, con sus cabellos recién cortados, fueron guiados de regreso a sus asientos por sus demonios. Ni un cabello fue dañado en este encantador collage de recuerdos y sueños.
Saltando de alegría con Silvia Gribaudi
Grand Jeté , de Silvia Gribaudi , en la que la coreógrafa actuó junto con la compañía de danza contemporánea MM , mostró una investigación humorística de la rutina diaria del entrenamiento de ballet, una explosión de energía desbordante y poder juvenil.
«¡Empuja, empuja, empuja! ¡Amor, amor, amor!» El enérgico grupo de diez jóvenes bailarines proclamaba a viva voz su pasión por la danza mientras demostraban con entusiasmo los ejercicios meticulosamente estructurados de una clase de ballet. Gribaudi actuaba como enlace con el público, un animado traductor que comentaba con entusiasmo los esfuerzos de los bailarines, participando ocasionalmente en los ejercicios, pero sobre todo explicando cómo todos estos esfuerzos están diseñados para, en última instancia, lograr el grand jeté , uno de los saltos más impresionantes y aparentemente desafiantes de la gravedad del ballet, donde las piernas se extienden en una apertura de piernas en el aire, para luego aterrizar de nuevo con gracia, idealmente sin hacer ruido.
El mundo del ballet puede ser un ámbito profundamente problemático, pero el mensaje de Grand Jeté muestra otra cara de la moneda. Si bien se presenta principalmente como una alegre celebración de la capacidad humana para el movimiento impresionante, también ofrece inclusión, porque, como explicó Gribaudi más tarde en la charla con el público, el "salto" también es metafórico: "Los jóvenes son aquellos que pueden hacer que toda la humanidad dé un salto".
En esta obra, no había duda de que la vigorosa pasión de los jóvenes bailarines fue elevada a nuevas alturas por Gribaudi, cuya vibrante presencia en el escenario, como intérprete mayor pero no menos apasionado, hizo reír a carcajadas al público repetidamente y saltar en sus asientos.
71 CUERPOS
A través de seis presentaciones durante tres días en el Museo MUNCH, el curador invitado Daniel Mariblanca y su compañía de danza inclusiva transgénero 71BODIES presentaron Made in Self, un concepto curado que consta de tres solos independientes y un dúo, una colaboración entre Mariblanca y cuatro intérpretes que trabajan en el ámbito de la danza contemporánea y la performance extrema: Oliver Sale, Jean-Baptiste Baele, Barry de Bruin y Maria Perkances.
En la sala de ensayo de MUNCH, Mariblanca interpretó un dúo sensible pero sumamente poderoso con Jean-Baptiste Baele (director artístico de la Compañía de Danza Nabinam ), en el que se manifestó una transformación corporal; un acto de equilibrio entre sujeción, fusión y metamorfosis. La tierna sensualidad y el elevado nivel de confianza e intimidad fueron elementos clave en su interacción, mientras que su danza se convirtió simultáneamente en una manifestación de extraordinaria fuerza y resistencia, al tiempo que se elevaban y cargaban incansablemente el uno al otro, aparentemente a través de obstáculos invisibles. Su desnudez absoluta y sus movimientos lentos y esculturales resultaron evidentes y naturales, en contraste con el público, vestido con ropa cálida de otoño y sentado en una quietud notable en la oscuridad de la sala.
El solo al que asistí, una actuación extrema de 50 minutos de Maria Perkances, provocó que varios espectadores apartaran la mirada y otros se marcharan. Quienes nos quedamos vivimos una experiencia intensa y fuera de lo común. De hecho, fue una actuación como ninguna otra que haya visto.
Como se describe en el programa, Perkances utiliza su cuerpo de una manera transgresora, intentando no sólo exorcizar su propio sufrimiento –causado por su fractura de médula espinal y la distorsión del talón izquierdo– sino ir más allá de los límites de su resistencia. En actos de autoinflicción de dolor, Perkances mostró un estoicismo increíble. Logré contar 13 veces en las que se clavó con fuerza agujas en la piel de la cara y el pecho, pero probablemente fueron más. El público estaba sentado detrás de él, captando los detalles frontales de sus acciones a través de un espejo.
El hecho de que estuviéramos sentados en una caja negra casi logró transformar la sangre que corría por su rostro decidido en maquillaje, ya que literalmente le cosieron lazos de seda en rosa, azul y rojo a modo de corsé. Pero esta actuación rompió las expectativas de lo institucional. Las cuatro paredes del museo MUNCH no ofrecían ninguna ilusión. Todos lo sabíamos: esto es en vivo, esto es la realidad.
La banda sonora jugó un papel importante, en la que la respiración lenta y los gritos apagados crearon una respuesta enfática e inmersiva en mí: por momentos, la conciencia de mi propio ritmo cardíaco acelerado se volvió casi insoportable. Perkances afirma que solo a través de la catarsis de la actuación y el ritual es posible escapar de los obstáculos impuestos por la sociedad y la tiranía del género. Sin duda, expuso una forma poderosa de hacerlo.
Una impresión general de CODA que perdura es que todas estas diversas expresiones de movimiento ponen el poder del ser humano en el centro y estimulan los sentidos de una manera que solo la actuación en vivo puede lograr, un contraste con nuestro mundo digital cada vez más saturado de IA. Es una dirección que sin duda continuará la nueva directora de CODA, Birgit Berndt, quien afirma: «Actualmente nos encontramos en tiempos oscuros en el mundo, y creo que es importante encontrar alegría y fuerza en el cuerpo. No se trata de darle la espalda a la oscuridad, sino de acceder al poder para ocupar un espacio en la sociedad con todo tipo de cuerpos y con una postura política clara».
Todas las traducciones de citas de entrevistas en este artículo son del autor.