Festival Transforme: Perturbador, pero que sea suave

El resultado de una alianza cuidadosamente calibrada entre la Fondation d'entreprise Hermès y cuatro instituciones culturales firmemente establecidas: Les Subsistances en Lyon, el Théâtre National de Bretagne, la Comédie de Clermont-Ferrand y el Théâtre de la Cité internationale en París. Festival Transforme Tiene una clara ambición: provocar el diálogo entre disciplinas, hibridar formas y ofrecer un escenario que responda a las problemáticas de nuestro tiempo. Siempre con una escenografía impecable y una narrativa convencional que sabe exactamente lo que hace.

En medio de esta programación multidisciplinar, opté por centrarme en tres obras performáticas que, sin declarar abiertamente su radicalismo, sitúan el cuerpo en el centro de su lenguaje. Estas no son las únicas obras dignas de atención, pero comparten algo singular: un compromiso con la presencia: inmediata, vivida, a veces abrasiva. No solo hablan de la corporeidad, sino que la ponen en práctica.

Porque Transforme, a pesar de su aire de laboratorio sensible, plantea una pregunta muy real: ¿qué se está transformando exactamente aquí? ¿Nuestra mirada? ¿Nuestras narrativas? ¿Nuestros marcos estéticos? ¿O simplemente nuestra tolerancia a las buenas intenciones bien producidas? Tras las palabras, las colaboraciones y las pulidas imágenes, queda por ver si estamos presenciando un cambio genuino o solo una puesta en escena cuidadosamente coreografiada.

Steven Cohen – Tocador

La performance comienza con una serie de cápsulas de video. Grotescas, cursis, a menudo literales. En un momento dado, encontramos a Cohen en un taller de taxidermia en Sudáfrica, subido a una plataforma, con los tacones aparentemente fusionados con pezuñas de elefante.
Se mueve en silencio, inexpresivo. Hay otros presentes —artesanos trabajando—, pero la cámara solo lo capta a él. Un cartel de «Solo blancos» persiste al fondo, un símbolo poco sutil, mientras que las únicas manos visibles pertenecen a trabajadores racializados, reducidos a presencias funcionales. El cuerpo está aquí, sí, pero eso es todo.

Estas cápsulas combinan música, fragmentos de entrevistas, canto y efectos visuales que recuerdan a un anuncio de Dior con un concepto desbordante. Es sofisticado; quizá demasiado sofisticado.

Luego nos llevan a un cementerio judío en Johannesburgo. Cohen lleva un disfraz con la infame inscripción nazi. Arbeit macht frei (el trabajo te hace libre), actuando sobre la tumba de su madre. La imagen es cruda, frontal. Más tarde, se le muestra en un campo de concentración en Francia: alambre de púas, crematorios, Cohen inmóvil como una reliquia disecada. Su traje se incendia y, entonces, se abre una puerta. El público es invitado al tocador.

O mejor dicho, una cámara mortuoria colonial camuflada en un gabinete de curiosidades: alfombras de pelo de animal, el cuello de una jirafa, un babuino encorvado en la desesperación existencial. Nada que ver con el feng shui.

Entra Cohen —vestido fluorescente, luz negra—, emergiendo como una mariposa fantasmal de una puerta oculta. Deambula de nuevo. Pausas. Gestos. Volvemos al ritmo de la cápsula, esta vez en el espacio real.

La figura permanece cerrada. Algunos dirían que misteriosa. Estaba bastante aburrida. El recurso dramatúrgico es evidente desde el primer fotograma y no evoluciona. El silencio, el rostro congelado, la repetición: todo esto encierra la pieza en un mecanismo autorreferencial. La estética se despliega, pero nunca se profundiza. La presencia es mimada, no vivida.

Entendemos que la obra aborda la identidad judía o la idea de que esta historia personal podría convertirse en un futuro colectivo en un mundo globalizado. Pero todo se filtra a través de un marco estilizado que prioriza el control sobre la ruptura emocional. Los símbolos se acumulan. El escenario está saturado. Y, sin embargo, el cuerpo —el que supuestamente soporta todo este peso— parece extrañamente vacío.

Lo que podría haber sido una travesía abrasadora termina siendo una exhibición meticulosamente iluminada. Un teatro de objetos donde lo humano se convierte en un simple elemento más.

Es, sin duda, refinado. Intelectual. Elegante. Burgués. Elitista. Pero también lo es el tocador: una habitación aislada donde uno se contempla a sí mismo, a salvo del mundo.

Theo Mercier – Sin piel

La función empieza antes de empezar. Bajo el techo de cristal de la École des Beaux-Arts, caminamos por un paisaje de latas aplastadas y escombros domésticos, tan cuidadosamente dispuestos que empiezan a brillar. Detritos pulidos hasta alcanzar la sublimidad.

Entre la basura: una estatua. Algo entre una ruina romana y una reliquia postapocalíptica. Cubierta de baratijas, con la cabeza conectada a lámparas y el rostro ennegrecido. Se mueve. Sus gestos oscilan entre el sigilo felino y la falla robótica. Recoge un ramo de flores metálicas —¿una reliquia o una ofrenda?— y luego desaparece. Se enciende una luz roja. Se invita al público a reubicarse, sorteando muros de escombros hasta una arena forrada de cartón. Dos figuras emergen. Enmascaradas, casi gemelas, gateando. Se descubren, o quizás recuerdan. Su abrazo es tierno e incómodo a la vez: un amor a medio camino entre la fusión y el incesto.

El escenario los traga. El solo mecánico se reanuda: observando, paseando, acechando. Sin piel Resiste la interpretación: deja que las imágenes floten.

La pareja regresa, atrapada en una cueva de papel, devorando páginas literales. Digiriendo lenguaje. La imagen es hermosa, o inquietante. O ambas cosas.

La escenografía (Mercier, Florent Jacob, François Boulet) nos envuelve sin sofocarnos. Nos movemos, pero nunca escapamos del todo. Todo es materia y metáfora, pero afortunadamente, nadie lo explica. La pieza no transmite significado; lo deja escapar.

Nada se resuelve, y nada insiste en existir. En este mundo que huele a metal caliente y a ciclos que terminan, la basura no es lo que tiramos, sino lo que perdura cuando todo lo demás se ha ido. Incluso el amor.

Marlène Saldana y Jonathan Drillet – Les Chats

Seamos claros: gatos Es un musical. Así que sí, hay canciones, coreografía y vestuario ajustado. Sí, hay maullidos. No, no lo es. Gatos - LeecorkBueno, no exactamente. Piensa. Gatos - Leecork con LSD y una agenda política.

Nos adentramos en un mundo exuberante y violentamente colorido, a medio camino entre un televisor infantil de los 90 y una instalación artística desmesurada. Les Chats también es eso: una tormenta de referencias —artísticas, pop, políticas, teóricas— que o bien sigues o bien te rindes.

Y así, los gatos. O mejor dicho, los humanos que actúan como gatos. Se rascan, se acicalan, se lamen las patas. Es curioso. A veces es simplemente extraño. El felino es solo un pretexto. Su misterio, su soledad, su salvajismo, reemplazados por bromas antropomórficas. Básicamente, estás viendo a un grupo de compañeros de piso con MDMA en una jaula de terciopelo.

Y te ríes. De verdad, al principio. Es absurdo, el ritmo aguanta. Entonces un gato canta. Voz operística, monólogo satírico. El tono cambia. Pronto todos hablan. Sobre el clima, la geopolítica, la IA, el colapso. Como un panel de expertos en una caja de arena.

Entonces llega el giro inesperado: todos viven en un palacio. Bien alimentados, mimados, protegidos por su dueña, «Maman». Que resulta ser Marine Le Pen. Sí, esa. La política francesa de extrema derecha famosa por su obsesión con los gatos. De repente, la serie pasa de una farsa surrealista a una distopía felina.

La idea es brillante. Y audaz, sobre todo para una producción financiada con fondos públicos. Convertir a Le Pen en una deidad doméstica en un musical postapocalíptico es audaz. El problema es que todo recibe el mismo tratamiento. Todos tienen un monólogo. Los temas se despliegan como en un bufé libre. Pruebas, olvidas.

Musicalmente, es… variado. Desde operetas hasta jingles eco-pop. Algunas voces aterrizan, otras tiemblan. Te encuentras rezando para que termine el estribillo. Nada pegadizo, pero bueno, lo intentaron.

Coreográficamente, nos encontramos en el territorio del jazz moderno de la vieja escuela, con guiños a Broadway. La técnica varía enormemente. Algunos giros se ejecutan con fe, más que con equilibrio. ¿Será una elección? Quién sabe.

Lo que funciona es la actuación. El elenco se entrega por completo. Se abren paso a través del absurdo y ofrecen actuaciones que oscilan entre la crítica y lo exagerado con admirable convicción.

Pero el programa intenta decirlo todo y termina hurgando en nada. Del feminismo a la poesía, del especismo a la migración, todo en un solo maullido. Los gatos se convierten en aquello de lo que se burlan: ruidosas máquinas de opinión sin nada que decir.
Y, sin embargo, uno no puede evitar admirar su audacia. Pone nombre a las cosas. Pone puntos sensibles. Eso ya es algo.

¿Qué queda de estos gatos? Un peluche político, algunos momentos desafinados y la imagen inquietante de un mundo donde incluso los animales se ponen de pie para hablar del apocalipsis. Mamá estaría orgullosa.

Al final de este viaje, una cosa está clara: Transforme sí se transforma, pero quizá no donde piensa. Lo que cambia no siempre es la experiencia artística en sí, sino el vocabulario, el envoltorio, la narrativa cuidadosamente elaborada en torno a formas híbridas y los llamados gestos comprometidos. Evocamos la disonancia en perfecta armonía. Celebramos la disrupción con un control total de la iluminación.

Esto no es un llamado a asumir más riesgos ni un anhelo de una esquiva sensación de autenticidad; sabemos con qué facilidad eso se convierte en otra trampa. Se trata de prestar atención a dónde ocurre realmente la transformación. No siempre en el escenario, sino en la maquinaria que la rodea: el lenguaje curatorial, los marcos institucionales, la estética del progreso. El aparato se vuelve más flexible en su forma —mezclando géneros, abrazando la hibridez—, pero sus intenciones subyacentes a menudo se mantienen firmes. Los criterios de legitimidad, las economías de visibilidad, las jerarquías de quién puede hablar y quién puede ser visto: persisten.

Quizás el objetivo no sea transformar el escenario, sino dejar que el escenario nos transforme. Y eso, seamos sinceros, no se puede programar en el comunicado de prensa. ●