Artdanthé: viejos y divertidos problemas

A diferencia de la primavera pospuesta en Francia, Artdanthé El festival reaviva la pasión de los amantes de la danza como de costumbre en Vanves, una ciudad suburbana al sur de París. Durante 27 años consecutivos, el Théâtre de Vanves ha dedicado este festival principalmente a jóvenes coreógrafos, tanto franceses como europeos. Este año, el público pudo disfrutar de 22 espectáculos de danza en tres semanas, y detecté tres temas recurrentes.

1. Establezca un tono humorístico

artistas luxemburgueses Simone Mousset y Señor Chevalier inauguró el festival en el salón de bodas del ayuntamiento con El Gran CaballeroEn lugar de preparar una copia de los votos y las flores, inventaron una gira mundial de homenaje a una compañía de danza ficticia, el Ballet Nacional Folclórico de Luxemburgo. El alcalde local participó en la iniciativa, explicando en su discurso inaugural que el salón nupcial solía ser el refugio de la compañía. ¿Se rieron? Más risas surgieron cuando Chevalier mostró la danza de la paloma del repertorio: simples movimientos de cabeza y brazos. Aun así, presentar una pieza de danza en una sala espaciosa y plana llena de asientos dificulta seguirla en su totalidad, a pesar de los esfuerzos de Chevalier por interactuar con el público, enseñando una danza colectiva de brazos extendidos.

A diferencia del absurdo conceptual de Mousset, el humor en RRRRRAHORA MISMO (Paola Stella Minni y Konstantinos Rizos) parece más accesible en cuanto aparecen los cuatro intérpretes masculinos con atuendos cortesanos negros de estilo barroco, combinados con calzoncillos y calcetines negros. Al proyectarse en la pared del fondo una anécdota sobre la fístula anal de Luis XIV, la ausencia de pantalones cobra sentido. Su ridiculez continúa con movimientos de payaso, cantos amateur y parodias. La actuación concluye con la proyección de un texto sobre nuestro futuro desastroso, que vincula esta divertida creación con el contexto actual.

El humor también puede ser discreto: Konstantinos Papanikolaou, Un manual de usuario Traza su proceso creativo para crear una pieza de danza contemporánea para el público. Sentado frente a su ordenador, reflexiona sobre esta «nueva» performance como si hubiera sido creada para Artdanthé, cuestionando las representaciones y sus circunstancias, por ejemplo, en los estereotipos. Además de la conferencia, Papanikolaou deja el escritorio para ilustrar algunos fragmentos de danza, en particular una danza griega. SirtakiTambién proyecta un breve video de ensayo. Una duración de 40 minutos parece demasiado corta para profundizar en la lógica detrás de un proceso creativo, y el disfrute de una estructura tan ingeniosa no es unánime, sobre todo para los novatos en danza contemporánea (presumiblemente adolescentes de una escuela de la ciudad) que susurraron durante todo el espectáculo. La definición de danza contemporánea siempre es discutible, incluso cuando se trata de un festival que busca revelar su diversidad.

2. Archivo de inspiración

El archivo de danza sigue siendo una fuente de inspiración para jóvenes coreógrafos contemporáneos. En Los herederos·xFrancés Marion Zurbach trae en vivo al escenario Thoinot ArbeauEl primer manual de baile de Orqueografía (1588). Al principio, Zurbach, sentado en la primera fila con el público, dirige a los bailarines para que se muevan con aire cortesano a lo largo de la línea central. Los bailarines muestran una marcha alternando pasos y paradas, sincronizada con ocasionales cambios de posición. La música y las voces (canto y trinos) se incorporan más tarde, a medida que la coreografía evoluciona hacia movimientos contemporáneos más libres e individuales. Cabe mencionar que el vestuario difumina el pasado y el presente, con una tela extraíble que se transforma de un chal a una falda. Los colores, que recuerdan a las aves, del vestuario y el maquillaje resuenan con los trinos. Unos días después, vemos un enfoque similar en Pol Jiménezes solo Lo FaunalEn esta ocasión, el coreógrafo español se centra en la danza folclórica española y el bolero. Aquí, el archivo de la danza se recupera principalmente a través de la música, la iluminación y el vestuario, y mucho menos a través de la coreografía.

El archivo es mucho más que formas de danza: en Historia(s) Décoloniale(s) #Folly, coreógrafo Betty Tchomanga Regresa a la historia entre Occidente y África. El espectáculo se presentó en una escuela de Vanves, con unos cincuenta espectadores sentados en un círculo de sillas estudiantiles. Rodeando el interior del público, Tchomanga relataba, una a una, historias coloniales, al ritmo de sus aplausos. Llevando a los muertos, Darío Dolatyari-Dolatdoust Crea vestuario basado en la cultura iraní, y las interacciones con su vestimenta (al vestirse y desvestirse) le permiten dialogar con su origen iraní. Durante el festival, algunos de sus trajes también se exhibieron en el teatro. Matteo Sedda se nutre de un archivo no relacionado con su origen italiano: la película de Derek Jarman Azul . En Fóllame a ciegasSedda recrea una danza circular de dos hombres, cazador y presa, perseguidor y deseado, de igual a igual, enemigo a enemigo, una metáfora erótica de "la posibilidad infinita que se vuelve tangible" (Jarman).

3. Expresar el sufrimiento

Usar el sufrimiento personal como inspiración suena natural en la expresión artística. En el texto de su programa, Malika Djardi, Martirio Se describe como un "solo-documental". ¿Qué puede hacer la danza con una madre con Alzheimer? En pantalla, episódicamente, el público podía ver a la madre de Djardi bailar principalmente con las manos, mientras que en el escenario Djardi reflejaba el movimiento y lo realzaba en el espacio. Entre proyecciones, Djardi insertaba un solo fragmentado pero bien ejecutado, especialmente la caminata de puntillas. Este enfoque —división o coexistencia— interrumpía la fluidez, dejando preguntas. ¿Cómo le enseñó a bailar a su madre? ¿Cómo se sintió su madre después de bailar? Sin los videos auténticos, su solo podría haber sido independiente, y la dirección artística poética e implícita de Djardi diluía la fuerza emocional del sufrimiento vivido.

El sufrimiento, a través del prisma del género, es un tema principal en la programación del festival. En Extremo de campana (jerga británica para 'idiota', también la punta del pene), coreógrafo Mathilde Invernon y bailarina Arianna Camilli Se visten con trajes masculinos e imitan a los hombres patriarcales, todavía omnipresentes en nuestra vida cotidiana. La dominación patriarcal también aparece en Harald Beharie, Chico locoSu título deriva de un insulto jamaicano para los hombres queer. Beharie va aún más allá, convirtiendo el frágil cuerpo desnudo en una declaración de fuerza. Mientras tanto, Andrea Givanovitches solo Sin título (Algunos gestos maricones) Revela cómo la puesta en escena de cuerpos queer desafía las normas sociales. El exilio se convierte en un destino cuando las personas LGBTQ+ no pueden ser aceptadas en sus sociedades: un enfoque en Nicola BarryLa nueva pieza de La demande d'asile, que retrata el enfrentamiento físico y verbal de un agente de inmigración y un solicitante en el exilio.

¿Qué pasa con los bailarines que sufren por la propia profesión de la danza? Un solo en el centro de atención, Italiano Vittorio Pagani Exhibe el cuerpo del bailarín durante la audición, la creación/ensayo y en el teatro. El cuerpo se objetiva, aún más cuando usa una máscara. El momento brillante de la pieza es cuando sumerge su cuerpo en un texto proyectado que lo describe. (Eso fue antes de la caja de ChatGPT) Figura de acción de juguete se volvió viral.)

Dos días después de la finalización del festival, tuvo lugar otra manifestación en Francia contra los recortes presupuestarios culturales. En este contexto, espero que Artdanthé siga ofreciendo un escenario a muchos más artistas jóvenes el próximo año. ¿Surgirán nuevos temas entonces? ¡A ver qué pasa! ●