Si los bailes son peculiares, es posible que estés bailando contra viento y marea. Esto podría resumir, con bastante precisión, mis sentimientos hacia el festival Onassis Dance Days, que este año celebra su duodécima edición. El festival ODD es un evento muy esperado dentro de la comunidad de danza ateniense, ya que se ha convertido en un escaparate transnacional donde los artistas de danza locales presentan su trabajo y se familiarizan con comisarios y presentadores artísticos de otras partes de Europa. El programa, que presenta principalmente coreógrafos emergentes, se destaca por la presencia de uno consolidado (este año, Damien Jalet). Los espectáculos se presentan como una "toma" del edificio Stegi-Onassis, combinando diferentes formatos de espectador y con una temática comisariada que dialoga la danza y la coreografía con las artes visuales.
Ecdysis , de y con Michael Theophanous , un bailarín conocido principalmente por su participación sin ropa en las piezas de danza-teatro de Dimitris Papaioannou, se apega literalmente a lo que el título denota: una actuación en solitario sobre despojarse de una capa exterior —es decir, desvestirse y vestirse— que clama por ir a profundidades más idiosincrásicas y psicológicas, pero permanece incómodamente dentro del borde superficial de su atmósfera turbia. Un hombre con traje negro camina tímidamente por una celda/casa diáfana, a veces inquieto para dar la impresión de angustia emocional; sería el tipo de vecino al que espiarías ocasionalmente desde tu ventana, imaginando múltiples escenarios sobre su vida. Puedes verlo trepar a dos cajas para cambiar una bombilla, retorcerse desnudo bajo un peplum de plástico, pero nada llamativo todavía aparte de su físico de kuros. En un juego de escondite constante, reaparece vestido con globos en la mano, baila como uno de esos personajes de las fotos hiperrealistas de Robert Longo de su serie "Hombres en las ciudades", solo para desaparecer de nuevo con un tubo flexible y con aspecto de alienígena. Las acciones, aunque apuntan a lo desconocido, están claramente conectadas, y su cuerpo transmite más musculatura que una atmósfera inquietante. Si lo observas desde la distancia, pronto te das cuenta de que, en definitiva, no hay ningún misterio, solo humo y un torso sudoroso.
Horse Me , de Sofia Mavragani y el artista visual Janis Rafa , es más bien un concierto coreografiado que aborda el especismo y la jerarquía evolutiva humano-animal, que resulta en la cruel dominación de los animales; caballos en este caso. Los notables vestuarios y accesorios de las intérpretes insinúan un aspecto bastante perverso del coro exclusivamente femenino —entre ellas una cantante de ópera— desde corsés hasta chalecos, látigos y coletas; es inevitable pensar en juegos de poder y fetiches sexuales. Luego viene el lenguaje corporal para disipar cualquier duda de que lo que buscaba el coreógrafo eran las nalgas y las habilidades ecuestres, aunque subirse a la espalda de alguien no la convierte en un caballo. Se oyen letras que glorifican los traseros, voces que imitan vientos somáticos y música que persigue el ritmo de caballos al galope. Pero ninguna de estas elecciones problematiza la estructura de poder humano-animal; Todo lo contrario, las relaciones siguen estando tan persistentemente centradas en lo humano que uno se pregunta si el dominio que el coreógrafo ejerce sobre los cuerpos de las bailarinas no está girando en torno a otra jerarquía, esta vez en relación con el ámbito de la danza. Para adentrarse con seguridad en la zona del BDSM, si acciones como azotar o llevar riendas denotan ese género, no solo se requiere confianza, sino también una sensación de liberación que permita al espectador percibir placer y replantearse los conceptos de sumisión y dominación. Aquí, a pesar de la destreza de las bailarinas (Maria Vourou, Konstantina Barkouli, Pagona Boulbasakou), el espectáculo roza la torpeza de principiantes; no es el tipo de doma clásica que se esperaría de la equitación profesional.
La obra de Chara Kotsali , It's the end of the pleasure phase, podría considerarse sin complejos un manifiesto del ruido, en la misma línea que su trabajo anterior, creando esa náusea vertiginosa tan característica de nuestros tiempos devastadores. Aquí, junto a las electrizantes intérpretes Sofia Pouchtou y Christina Skoutela, no solo llena el escenario con un repertorio de pasos de baile y movimientos de videoclips (pronto se reconocen referencias desde Bob Fosse hasta Trisha Brown y Beyoncé, que se convierten en una mezcla de automatismos corporales), sino que crea una actuación sonora densa, con acordes de guitarra agudos y percusión que trastornan los latidos del corazón. La coreografía de Kotsali se siente como una cápsula lanzada al espacio, desde un pasado complejo directamente a un futuro vasto e inimaginable. Un carrusel de sentimientos, hechos e imágenes desfila en el escenario, a veces marchando hacia su ridícula gloria, a veces derrotados pero firmes, haciendo que los intérpretes parezcan supermarionetas en este espectáculo de absurdos. Animadoras de un optimismo amenazador, aplastando un pastel de cumpleaños, cubiertas de pintura corporal, como charlatanes en un realismo hiper-vacío, se sumergen en una coreografía que se convierte en una sinécdoque de la búsqueda de nuestras propias historias. Si la historia se repite como una farsa, entonces esta actuación interpreta con valentía la desarmada potencia farsesca de la historia, deteniendo nuestro oscuro presente por un instante para respirar, aunque las bailarinas queden sin aliento, tal vez determinando los límites humanos o, como recita Kotsali con vehemencia: «Incapaz de aterrizar, incapaz de despegar. Así que rezo por un choque en mi madriguera de conejo cibernética».
Near Misses, de Fotini Stamatelopoulou, es una experiencia auditiva envolvente y visualmente impactante, cargada de simbolismo místico. Al entrar en este santuario personal, se percibe la huella de una lucha: la intérprete, sentada en paz, repite mantras en voz baja, sosteniendo en sus manos ofrendas que marcarán el inicio de su viaje de introspección. El instrumento-armadura, que cubre únicamente su pecho, emite sonidos resonantes cuando su torso es azotado con fuerza por sus brazos. Sin embargo, esta fuerza autoinfligida no busca el castigo; pronto, la armadura torácica se desmantelará, permitiendo a la intérprete explorar la disonancia sensorial de este instrumento similar al gamelán y sumergirse en una danza de purificación ceremonial. La presencia andrógina de la intérprete (Despina Sanida Crezia) coquetea con la fragilidad y la robustez, posee una energía serena y compuesta que se despliega gradualmente, como una onda ondulante que rompe grandiosamente en la orilla. Su canto, desde los sombríos graves hasta los agudos granulados, resuena con la atmósfera conflictiva de la actuación; esta lucha se libra con una entrega conmovedora, ofreciéndonos inmersiones libres en profundidades tenebrosas —mientras arrugan y estiran sus rostros para revelar expresiones de bufón medieval— y un ascenso estimulante a la superficie con sus aullidos profundos, los inquietantes sintetizadores acentúan aún más esta montaña rusa emocional. Si esta actuación se siente como una invitación a un refugio privado, pronto te das cuenta de que los patrones empleados resuenan con algo personal, recordándonos que la idea de plenitud nunca se alcanza del todo; Por el contrario, si existe un camino hacia la recuperación, este debe implicar empatía, aceptar sentimientos a veces desagradables y dejar ir la ira con exuberancia poética.
Planet[wanderer] de Damien Jalet es un espectáculo puro y a gran escala. Como es habitual en su obra, los materiales y sus cualidades intrínsecas crean una fusión única; en esta ocasión, la fluidez y la suspensión antigravitatoria son su principal objetivo, con la colaboración del artista multidisciplinar Kohei Nawa . La escena inicial es fascinante: una sustancia brillante cae desde arriba, creando un haz de luz que revela un tetrápodo que se mueve con agilidad en el escenario y que posteriormente se transforma en un organismo de mayor tamaño. Se hace especial hincapié en el movimiento del torso, creando una ilusión de curvatura planetaria en el escenario, sobre todo cuando los bailarines se sumergen en pequeños estanques, con los pies hundidos en arenas movedizas blancas. Podrías pensar que son algas marinas arrastradas lateralmente por corrientes invisibles, creando trayectorias visualmente impactantes, un placer de observar cómo los cuerpos se arquean y caen hacia atrás, girando en espiral para luego plegarse hacia adelante, con los brazos balanceándose como instrumentos de navegación, desincronizados y descoordinados, apareciendo los sólidos a partir de efectos dominó.
Sin embargo, en el momento en que los bailarines salen de los estanques, comienzan a caminar sonámbulos en patrones cruzados, como si estuvieran en medio de una tormenta intergaláctica, una sensación que se acentúa aún más por la inquietante atmósfera sonora de Tim Hecker, similar a una sirena. El aspecto etéreo se vuelve repentinamente de baja resolución, como un fragmento de un estudio de locomoción de Étienne-Jules Marey. Se ven secuencias que se despliegan con solemnidad hierática, pero uno podría preguntarse: ¿qué pasó con la curvilínea juguetona? Esta sección central parece creativamente desequilibrada en comparación con la escena anterior, un paso incómodo hacia la tercera, donde el motivo principal es una sustancia blanca gomosa que gotea sobre los cuerpos de los bailarines, que recuerda a juegos de cera o, para ponerlo en un contexto planetario, a estalagmitas creadas sobre bailarines inmóviles como esculturas. Si bien la obra en su conjunto es visualmente impactante, compositivamente parece que la danza está al servicio de la visualidad en lugar de al revés; o al menos que la promesa de su fusión permanece incumplida. Es interesante observar que «alien» no solo podría implicar lo extraterrestre, sino también, en este caso, los distintos medios de expresión artística: danza y artes visuales en la misma órbita, un viaje prometedor pero un aterrizaje decepcionante. ●
03–04.04.2025, Atenas, Grecia