Si los bailes son peculiares, es posible que estés bailando contra viento y marea. Esto podría resumir, con bastante precisión, mis sentimientos hacia el festival Onassis Dance Days, que este año celebra su duodécima edición. El festival ODD es un evento muy esperado dentro de la comunidad de danza ateniense, ya que se ha convertido en un escaparate transnacional donde los artistas de danza locales presentan su trabajo y se familiarizan con comisarios y presentadores artísticos de otras partes de Europa. El programa, que presenta principalmente coreógrafos emergentes, se destaca por la presencia de uno consolidado (este año, Damien Jalet). Los espectáculos se presentan como una "toma" del edificio Stegi-Onassis, combinando diferentes formatos de espectador y con una temática comisariada que dialoga la danza y la coreografía con las artes visuales.
ecdisis, por y con Miguel Teófano, un bailarín conocido principalmente por su participación desnuda en las piezas de danza-teatro de Dimitris Papaioannou, se apega literalmente a lo que el título denota: una performance en solitario sobre desprenderse de una capa exterior —es decir, desvestirse y vestirse— que ruega por adentrarse en profundidades más idiosincrásicas y psicológicas, pero que permanece torpemente dentro del borde superficial de su atmósfera turbia. Un hombre con traje negro camina tímidamente alrededor de una celda/casa diáfana, a veces inquieto para dar la impresión de angustia emocional; sería el tipo de vecino que ocasionalmente espiarías desde tu ventana, creando múltiples escenarios sobre su vida. Puedes verlo subirse a dos cajas para cambiar una bombilla, retorcerse desnudo bajo un peplum de plástico, pero nada sorprendente aún aparte de su físico de kouros. En un continuo escondite, reaparece vestido con globos en la mano, baila con el aspecto de una de esas figuras de las fotos hiperrealistas de Robert Longo de su serie "Hombres en las Ciudades", para luego desaparecer de nuevo con un tubo flexible y la apariencia del Alien. Las acciones, aunque dirigidas a lo desconocido, están claramente conectadas, y su cuerpo transmite más tono muscular que un tono inquietante. Si observas desde la distancia, pronto te das cuenta de que, en definitiva, no hay ningún misterio oculto, solo humo y un torso sudoroso.
Caballo yo, por Sofía Mavragani y artista visual Janis Rafa, es más como un concierto coreografiado, que trata sobre el especismo y la jerarquía evolutiva humano-animal, que resulta en la cruel dominación de los animales; caballos en este caso. Los notables trajes y accesorios de las intérpretes insinúan un aspecto bastante pervertido en el coro femenino, entre ellas una cantante de ópera, desde corsé hasta chaleco, látigos y colas de caballo; es inevitable pensar en juegos de poder y fetiches sexuales. Luego viene el lenguaje corporal para disolver cualquier duda de que hayan sido las nalgas y las habilidades de montar lo que buscaba la coreógrafa, aunque subirse a la espalda de uno no la convierte en un caballo. Se escuchan letras que glorifican traseros, voces que imitan vientos somáticos y música que persigue el ritmo de caballos al galope. Pero ninguna de estas elecciones problematiza la estructura de poder humano-animal; Todo lo contrario, las relaciones siguen siendo tan persistentemente humanas que uno se pregunta si el dominio ejercido sobre los cuerpos de los bailarines por las decisiones del coreógrafo gira en torno a otra jerarquía, esta vez con referencia al ámbito de la danza. Entrar con seguridad en la zona del BDSM, si acciones como azotar o llevar riendas denotan ese género, no solo requiere confianza, sino también el tipo de sentimiento liberador que le permitiría a uno, como espectador, percibir el placer y reelaborar los conceptos de sumisión y dominio. Aquí, a pesar de las hábiles bailarinas (Maria Vourou, Konstantina Barkouli, Pagona Boulbasakou), el espectáculo roza la torpeza de un jinete primerizo; no es el tipo de doma que se esperaría de la equitación profesional.
Chara Kotsali, Es el final de la fase de diversión. Podría, sin complejos, llamarse un manifiesto de ruido, en la misma trayectoria que su trabajo anterior, creando el tipo de náusea vertiginosa tan típica de nuestros tiempos devastadores. Aquí, junto con las electrizantes intérpretes Sofia Pouchtou y Christina Skoutela, no solo llena el escenario con un inventario de pasos de baile y movimientos de videoclip (uno pronto reconoce referencias de Bob Fosse a Trisha Brown y Beyoncé que se convierten en una mezcla de automatismos corporales), sino que crea una actuación auditiva densa, con acordes de guitarra agudos y percusiones que alteran los latidos del corazón. La coreografía de Kostali se siente como una cápsula lanzada en el tiempo, desde un pasado complicado directamente a un vasto futuro inimaginable. Un carrusel de sentimientos, hechos, imágenes, desfilan en el escenario, a veces marchando hacia su ridícula gloria, a veces derrotados pero resistiendo, haciendo que los intérpretes parezcan marionetas en este títere del absurdo. Animadoras de un optimismo amenazante, destrozando un pastel de cumpleaños, cubriéndose de pintura corporal, como charlatanes en un realismo hipernásico, se adentran en una coreografía que se convierte en una sinécdoque para perseguir nuestras propias historias. Si la historia se repite como una farsa, esta actuación interpreta con valentía la cautivadora potencia farsesca de la historia, deteniendo nuestro propio presente oscuro por un instante para respirar, aunque los bailarines se queden sin aliento, tal vez determinando sus propios límites humanos o, como recita Kotsali con fiereza: «Incapaz de aterrizar, incapaz de despegar. Así que rezo por un choque en mi madriguera cibernética».
Casi falla by Fotini Stamatelopoulou Es una pieza auditiva inmersiva y visualmente cautivadora, cargada de simbolismo místico. Al entrar en este santuario personal, se perciben las consecuencias de una lucha: la intérprete está sentada pacíficamente, repitiendo mantras en voz baja, sosteniendo en sus manos ofrendas que más tarde se convertirán en el umbral de su viaje espiritual. La armadura, que cubre solo su pecho, emite sonidos resonantes cada vez que su torso es flagelado con fuerza por sus brazos. Sin embargo, esta fuerza autoinfligida no busca un castigo; pronto, la armadura torácica será desmantelada, permitiendo a la intérprete explorar la disonancia sensorial de estos instrumentos similares a gamelán y ser transportada en una danza de purificación ceremonial. La presencia masculina de la intérprete (Despina Sanida Crezia) coquetea con la fragilidad y la robustez; posee una energía serena y serena que se despliega gradualmente, como una ola ondulante que rompe majestuosamente en la orilla. Su canto, desde los sombríos bajos hasta los agudos granulares, resuena con la atmósfera conflictiva de la actuación; esta lucha se libra con una dedicación conmovedora, brindándonos inmersiones en profundidades tenebrosas —mientras arrugan y estiran la cara para revelar expresiones de bufón medieval— y un emocionante regreso a la superficie con sus aullidos profundos, mientras los inquietantes sintetizadores acentúan aún más esta montaña rusa emocional. Si esta actuación se siente como una invitación a un refugio privado, pronto te das cuenta de que los patrones empleados resuenan con algo personal, recordándonos que la idea de plenitud nunca se alcanza del todo; por el contrario, si hay un camino hacia la recuperación, este debe implicar empatía, abrazando a veces los sentimientos desagradables y dejando ir la ira con exuberancia poética.
Damien Jalet, Planeta[vagabundo] Es un espectáculo puro a gran escala. Como es habitual en su obra, los materiales y sus cualidades corporales crean una fusión única; esta vez, la fluidez y la suspensión antigravitatoria pasan desapercibidas, con la contribución de artistas multidisciplinares. Kohei NawaLa escena inicial del espectáculo es hipnótica: una sustancia brillante cae desde arriba, creando un haz de luz que revela un tetrápodo que se mueve ágilmente por el escenario y luego se transforma en un organismo más grande. Hay un gran énfasis en el movimiento del torso, creando una sensación ilusoria de curvatura planetaria en el escenario, especialmente cuando los bailarines se sumergen en pequeños estanques, con los pies hundidos en arenas movedizas blancas y movedizas. Podrías pensar que son algas marinas arrastradas lateralmente por corrientes invisibles, creando trayectorias visualmente impactantes, placenteras de ver cómo los cuerpos se arquean y caen hacia atrás, en espiral, erguidos para luego plegarse hacia adelante, con los brazos balanceándose como instrumentos de navegación, dentro y fuera de sincronía, apareciendo como un efecto dominó.
Sin embargo, en el momento en que los bailarines salen de los estanques, comienzan a caminar sonámbulos en patrones cruzados, como en medio de una tormenta intergaláctica, una sensación aún más acentuada por el perturbador ambiente sonoro de sirena de Tim Hecker. El aspecto sobrenatural se vuelve repentinamente de baja resolución, como un fragmento de un estudio de locomoción de Étienne-Jules Marey. Se ven secuencias que se desarrollan con solemnidad hierática, pero también podría preguntarse: ¿qué pasó con la curvatura juguetona? Esta sección central, parece creativamente desequilibrada en comparación con la escena anterior, un pasaje incómodo hacia la tercera, donde el motivo principal es una sustancia blanca gomosa que gotea sobre los cuerpos de los bailarines, reminiscente del juego de cera o, para ponerlo en un contexto planetario, estalagmitas creadas sobre bailarines inmóviles como esculturas. Aunque la obra en general es visualmente impactante, compositivamente parece que la danza está al servicio de la visualidad y no al revés; o al menos que la promesa de su fusión sigue sin cumplirse. Es interesante notar que 'alienígena' no sólo podría implicar lo extraterrestre sino también, aquí, los medios dispares de expresión artística: danza y artes visuales en la misma órbita, el viaje parece prometedor pero el aterrizaje se queda corto. ●
03–04.04.2025, Atenas, Grecia