Mientras el mundo se desmorona a nuestro alrededor, sucumbiendo a la brutalidad y la guerra, se siente como un enorme privilegio, casi culpable, el poder seguir formando parte de un ambiente artístico anual en toda la ciudad: el Kunstenfestivaldesarts (KFDA), o el arte Para los entendidos. El festival internacional de teatro, danza y performance contemporáneos de vanguardia de Bruselas, que este año celebra su 30.ª edición, sigue atrayendo a un público numeroso y exigente. Auditorios de teatros estatales, espacios menos conocidos, salas temporales y espacios al aire libre por toda la ciudad se llenan a rebosar durante las tres semanas del festival. Las entradas se agotan en cuestión de días, y regatear, negociar y negociar a última hora para conseguir entradas para las funciones imprescindibles es una práctica habitual antes del festival. Las charlas nocturnas con amigos, animadas por el vino y las opiniones contundentes sobre los espectáculos recién vistos, y los cafés previos a las funciones con compañeros de visita, forman parte del ritual.
Desde sus inicios en 1994. el arte La compañía ha mantenido una constante búsqueda por ofrecer una ventana al mundo, exponiendo y explorando sus complejidades a través de su programa de espectáculos y talleres y conferencias asociadas; y la edición de este año, la penúltima programada y dirigida íntegramente por el dúo actual, Daniel Blanga Gubbay y Dries Douibi, no fue la excepción. Sin embargo, para mí, esta loable característica se transmitió en el programa de danza no tanto a través de los intérpretes o su discurso, sino mediante kilómetros de seda que se extendían en cascada, cordilleras de tul, edificios destripados como telón de fondo y paisajes sonoros que evocaban el crepitar del fuego, el murmullo del agua, los derrumbes rocosos y las vibraciones ambientales de las profundidades marinas. Una representación donde la jerarquía entre lo humano y lo no humano parecía deliberadamente difusa, y donde la coreografía estaba escrita tanto por el entorno como por los cuerpos de los bailarines. Las representaciones confesionales y narrativas, la política de la identidad y el individualismo parecen estar abriendo espacio a obras que investigan las relaciones en la naturaleza, crean comunidades y desentrañan la estructura y el funcionamiento de nuestras sociedades sumergiendo al público en experiencias sensoriales.
La actuación inaugural del festival ejemplificó su sofisticación artística característica, combinada con una perspicacia sociopolítica, mientras que el entorno añadió una elocuencia intencionada. La plaza de la Bolsa de Bruselas es donde chocan lo mejor y lo peor de la capital. Más que una plaza pública, es una calzada caótica donde los peatones que pasean tranquilamente evitan por poco ser atropellados por patinetes eléctricos y bicicletas de reparto de Deliveroo que circulan a toda velocidad. La histórica bolsa del siglo XIX se ha convertido en un museo de la cerveza para turistas, y la agresiva remodelación urbanística ha provocado que abunden las fachadas deslucidas: las estructuras vacías de los edificios se alzan como en una zona de guerra. Pero también es un centro urbano que, contra todo pronóstico, sigue resistiendo la gentrificación. Los alquileres son más bajos que en las zonas periféricas más exclusivas, y prosperan diversas comunidades migrantes.
Está aquí, frente a un kunst La congregación, cautivada a pesar del calor sofocante, quedó maravillada con la actuación. Amigos de Forsythe – una colaboración entre William Forsythe y el renombrado bailarín y coreógrafo urbano radicado en Los Ángeles Rauf 'Rubberlegz' Yasit – se desarrolló. El escenario urbano, con sus gritos, alaridos y sirenas, no podría reflejar con mayor nitidez la esencia de la obra. Amigos de Forsythe Reúne a artistas de diferentes disciplinas de danza y fusiona sus técnicas en un lenguaje corporal que conecta a bailarines de todos los ámbitos. Combinando distintos estilos —urbano, ballet, contemporáneo, folclórico—, también evoca sus legados. Con la claridad cristalina de Forsythe, sobre una impoluta pista de baile blanca, seis bailarines, cinco hombres y una mujer, vestidos de sobrio negro, se deslizan con fluidez desde el deslizamiento hasta las ondas corporales, desde los saltos hasta las piruetas. El grupo despliega una gran variedad de técnicas y energía: las interminables extensiones de piernas de Julia Weiss estallan como explosiones estelares entre la densidad más compacta y pesada de los hombres; dúos y tríos se forman casi por instinto. Se elimina toda noción de espectacularidad, y la fluidez con la que se fusionan los estilos de movimiento nos permite apreciar el conjunto como un todo. La serena complicidad de las interacciones entre los bailarines, el paisaje urbano austero que los rodea, el calor sofocante y los transeúntes que ocasionalmente se detienen a observar, intrigados por un instante por la concentración de la obra. kunst Para el público, todas estas perspectivas diferentes e interconectadas se fusionaron para convertirse en una actuación abstracta pero profundamente viva: el genio continuo de la obra de Forsythe.
Con sede en Bruselas Luisa Vannesterendimiento de Páramo de Ojo Musgoso También evoca un paisaje caleidoscópico, pero habitado por seres ficticios y no humanos. Fascinada por los fenómenos geológicos, la obra de Vanneste se inspira en la metamorfosis mineral y molecular, y en cómo los sutiles movimientos de la naturaleza nos afectan a nosotros y a nuestro mundo. Estas ideas guiaron las improvisaciones y exploraciones con las que se desarrolló la coreografía. Las energías y tipos de cuerpo diferentes, a veces opuestas, de los bailarines demuestran cómo la investigación de un solo elemento puede generar cualidades muy distintas. El fuego, por ejemplo, es interior y latente en los movimientos pélvicos de Eli Mathieu Bustos, o volátil y parpadeante en los gestos de manos de Alice Giuliani. El tiempo parece desvanecerse mientras los movimientos se forman y se disuelven como limaduras de hierro, atraídos y repelidos por una fuerza interna. La experiencia resulta extrañamente relajante, una sensación potenciada por la banda sonora de Cédric Dambrain, cuyas partes podrían describirse como evocadoras de ASMR en el oyente. «Los musgos», explica Vanneste tras la función, «son los protagonistas ficticios de la representación, y pueden ser un cuerpo, un objeto, un sonido… Los musgos nos hablan de lo visible, de lo invisible, del caos, del orden de las cosas; encarnan encuentros, superposiciones, transformaciones».
También con sede en Bélgica, Mi Warlop Es coreógrafa, artista visual y, como ella misma se define, una persona polifacética; su obra a menudo encuentra su punto de partida en los objetos. INHALACIÓN DELIRIO EXHALACIÓN Kilómetros y kilómetros de seda caen desde los telones, se enroscan alrededor de los seis intérpretes o los envuelven como nubes. Sin un significado específico, la ansiedad y la sensación de agobio parecen impregnar toda la obra. La tensión y la incertidumbre se intensifican con la aprensión de que los bailarines apenas pueden seguir el ritmo de la maquinaria que deben manipular para mantener la seda en movimiento o evitar que los inunde. En algunos momentos, los rollos caen pesadamente al suelo, rozando a un bailarín. Pero las metáforas de la obra no son ni explícitas ni estáticas. En un momento dado, los bailarines abren sus anoraks negros y los vuelven a cerrar para envolverse en cortinas de seda multicolor: ¿crucifixión? ¿Banderas nacionales? ¿Abrazos cariñosos? La emoción de la obra reside en la convergencia de cuerpos, materiales y máquinas, y en los enormes lienzos que estas inundaciones de seda en movimiento crean para que nuestra imaginación los llene.
Otra obra que jugaba con la percepción, permitiéndonos "ver" con los oídos, fue Ann veronica janssens' 50 km de atmósfera para dar un azul profundoJanssens, una reconocida artista visual belga que ha colaborado frecuentemente con Anne Teresa De Keersmaeker, es conocida principalmente por sus instalaciones de niebla de colores por las que el público puede pasear. Encargada por el arte Para crear una performance para un público sentado, Janssens optó por usar solo palabras y sonido. La actriz Léone Françoise Janssens (hija y colaboradora artística de Ann Veronica Janssens) lee las especificaciones técnicas, los manuales de instalación y las placas de presentación que Janssens ha escrito para sus exposiciones durante las últimas cuatro décadas, incluyendo descripciones de los vapores termocrómicos prácticamente ingrávidos que utiliza para sus lienzos que cambian de color. Estas instrucciones y descripciones de los efectos deseados, presentadas de forma objetiva y neutral, se ven interrumpidas ocasionalmente por fragmentos de poesía o comentarios de otras voces. De hecho, el título está tomado de un extenso poema cósmico del periodista científico, autor y músico Alexander Wajnberg, titulado «8 minutos 19 segundos» (el tiempo que tarda la luz en viajar desde la superficie del sol hasta nuestros ojos). Es solo hacia el final de la obra, que dura una hora, cuando ya nos encontramos sumidos en un peculiar estado de semihipnosis, que un haz de luz desde el fondo del escenario nos recorre lentamente: un embudo de brillo que acentúa la oscuridad circundante. Al acercarse, es cegador pero a la vez tranquilizador, señalando el fin de una experiencia auditiva a través de la cual, al menos yo, tuve la impresión de haber percibido lo intangible. En otras palabras, la experiencia fue como sumergirse en un libro donde el sonido de las palabras en la mente puede evocar imágenes más resonantes e imborrables que cualquier imagen.
El festival concluyó con el estreno mundial de Borda por coreógrafo brasileño Lía RodríguezComenzando con el apagón más largo y silencioso que jamás haya experimentado en un teatro, la sensación es la de despertar lentamente y descubrir que el sueño apenas comienza. Gradualmente, las formas se hacen distinguibles en el crepúsculo: montañas salpicadas de blanco que bien podrían ser los pechos palpitantes de una novia gigante. Cambios graduales y revelaciones imperceptibles transforman el paisaje ante nuestros ojos, permitiendo una vez más que nuestra imaginación cree nuestra propia historia, tal como lo hacemos en los sueños. Rostros, partes de extremidades, torsos, cabezas y manos emergen del montículo para luego disolverse nuevamente en la masa orgánica viviente.
Borda es la última parte de una trilogía, una continuación de Furia de 2018 y Encantado a partir de 2021. En portugués, borde Se refiere al bordado, a la decoración, pero también a un borde, a la periferia, a algo que separa. Figurativamente, la palabra también significa imaginación, la capacidad de cruzar fronteras, de trascender. La obra también está influenciada por la experiencia de Rodrigues de colaborar en el Desfile Zinneke de Bruselas 2024 (zinneke (siendo «perro callejero» una jerga bruselense para perro mestizo o callejero), una iniciativa cultural de toda la ciudad donde, durante los últimos 25 años, unos 2500 participantes cada año inventan y fabrican sus propias carrozas y disfraces utilizando materiales reciclados, encontrados o reutilizados. La obra de Rodrigues también comenzó con una revisión de los disfraces de sus 35 años anteriores de actuaciones, reordenándolos y combinándolos de diferentes maneras. «Crear esta carroza para el desfile», explicó en una entrevista, «me permitió ver de una forma nueva cómo el trabajo artístico puede entrelazarse con estas realidades tan diferentes, donde cada participante aporta a la obra su propia manera única de ser y existir en el mundo».
Borda Estará de gira extensamente, así que no hay muchos spoilers aquí; basta con decir que los bailarines también bailan, y la obra se desprende de la cualidad onírica de su comienzo para convertirse en el espectáculo más alegre y lleno de esperanza que he presenciado en mucho tiempo.
Texturas, textiles, hilos, telas, pieles, vestimentas y revestimientos parecen, en las obras que me conmovieron, estar llenos de vida y significado. Las cualidades tangibles y perdurables de los diversos materiales dan testimonio del esfuerzo humano, el pensamiento, la diligencia y el trabajo colectivo (a menudo femenino), restableciendo una conexión entre pasado y presente, belleza y utilidad. Me gusta imaginar que su uso, junto con los mundos físicos y naturales, ajenos a los caprichos del egocentrismo humano evocados en otras obras, representan nuevas respuestas artísticas: saludables, abstractas pero accesibles, que indican un primer paso para alejarnos del creciente caos que ha generado nuestro afán de privilegio y nuestro interés propio (como sociedades). ●
08–30.05.2025 Bruselas, Bélgica