Mientras el mundo se desmorona a nuestro alrededor, sumido en la brutalidad y la guerra, se siente como un enorme privilegio, casi culpable, poder seguir formando parte de un ambiente artístico anual que inunda la ciudad: el Kunstenfestivaldesarts (KFDA), o simplemente "el arte" para los entendidos. Este festival internacional de teatro, danza y performance contemporáneos de vanguardia, que celebra su 30.ª edición este año, continúa atrayendo a un público numeroso y exigente. Los auditorios de los teatros estatales, los espacios menos conocidos, los espacios efímeros y al aire libre por toda la ciudad se llenan por completo durante las tres semanas que dura el festival. Las entradas se agotan en cuestión de días, y el intercambio, las gestiones y el trueque de última hora para conseguir entradas para los espectáculos imprescindibles son una práctica habitual antes del festival. Las charlas nocturnas con amigos, avivadas por el vino y las opiniones contundentes sobre los espectáculos recién vistos, y los cafés de bienvenida con compañeros de trabajo antes de las funciones matinales, forman parte del ritual.
Desde su creación en 1994, el Kunst ha buscado constantemente ofrecer una ventana al mundo que nos rodea, exponiendo y explorando sus complejidades a través de su programa de espectáculos y talleres y conferencias asociados. La edición de este año, la penúltima en ser programada y dirigida íntegramente por el dúo de directores Daniel Blanga Gubbay y Dries Douibi, no fue la excepción. Para mí, sin embargo, esta loable característica se transmitió en el programa de danza no tanto a través de los intérpretes o sus discursos, sino a través de kilómetros de seda que caían en cascada, cordilleras hechas de tul, edificios despojados como telón de fondo y paisajes sonoros que evocaban el crepitar del fuego, el murmullo del agua, los deslizamientos de tierra y las vibraciones ambientales de las profundidades marinas. Un espectáculo donde la jerarquía entre lo humano y lo no humano parecía desdibujarse deliberadamente, y donde la coreografía fue escrita tanto por el entorno como por los cuerpos de los bailarines. Las representaciones confesionales, basadas en relatos, la política de la identidad y el individualismo parecen estar abriendo paso a obras que investigan las relaciones en la naturaleza, crean comunidades y desentrañan la estructura misma y el funcionamiento de nuestras sociedades al sumergir al público en experiencias sensoriales.
La actuación inaugural del festival ejemplificó su sofisticación artística característica, combinada con una perspicacia sociopolítica, mientras que el entorno añadió una elocuencia intencionada. La plaza de la Bolsa de Bruselas es donde chocan lo mejor y lo peor de la capital. Más que una plaza pública, es una calzada caótica donde los peatones que pasean tranquilamente evitan por poco ser atropellados por patinetes eléctricos y bicicletas de reparto de Deliveroo que circulan a toda velocidad. La histórica bolsa del siglo XIX se ha convertido en un museo de la cerveza para turistas, y la agresiva remodelación urbanística ha provocado que abunden las fachadas deslucidas: las estructuras vacías de los edificios se alzan como en una zona de guerra. Pero también es un centro urbano que, contra todo pronóstico, sigue resistiendo la gentrificación. Los alquileres son más bajos que en las zonas periféricas más exclusivas, y prosperan diversas comunidades migrantes.
Es aquí, frente a una congregación de amantes del arte , cautivados a pesar del calor sofocante, donde se desplegó la obra Friends of Forsythe , una colaboración entre William Forsythe y el renombrado bailarín y coreógrafo urbano Rauf 'Rubberlegz' Yasit , afincado en Los Ángeles . El escenario urbano, con sus gritos, alaridos y sirenas, reflejaba a la perfección la esencia de la obra. Friends of Forsythe reúne a intérpretes de diferentes disciplinas de danza y fusiona sus técnicas en un lenguaje corporal que conecta a bailarines de todos los ámbitos. Al combinar distintos estilos —urbano, ballet, contemporáneo, folk—, también evoca sus legados. Con la claridad cristalina característica de Forsythe, sobre una impoluta pista de baile blanca, seis bailarines —cinco hombres y una mujer—, vestidos de sobrio negro, se deslizan con fluidez desde el entrelazamiento de movimientos hasta las ondas corporales, desde los saltos hasta las piruetas. El grupo derrocha técnica y energía: las interminables extensiones de piernas de Julia Weiss estallan como destellos estelares entre la densidad más compacta y pesada de los hombres; dúos y tríos se forman como por instinto natural. Toda noción de ostentación está ausente, y la fluidez con la que se fusionan los estilos de movimiento nos permite apreciar el conjunto. La serena complicidad de las interacciones de los bailarines, el duro paisaje urbano circundante, el calor sofocante y los transeúntes que ocasionalmente se detienen a observar, intrigados por un instante por la concentración del público de arte : todas estas perspectivas diferentes e interconectadas se unen para crear una representación abstracta pero profundamente vívida: la genialidad constante del trabajo de Forsythe.
La performance Mossy Eye Moor de Louise Vanneste , residente en Bruselas, también evoca un paisaje caleidoscópico, pero habitado por seres ficticios y no humanos. Fascinada por los fenómenos geológicos, la obra de Vanneste se inspira e impregna de nociones de metamorfosis mineral y molecular, y de cómo los movimientos minúsculos pero sigilosos de la naturaleza nos afectan a nosotros y a nuestro mundo. Estas ideas sirvieron de base para las improvisaciones y exploraciones con las que se desarrolló la coreografía. Las diferentes y a veces opuestas energías y tipos corporales de los bailarines demuestran cómo la investigación de un elemento puede generar cualidades muy distintas. El fuego, por ejemplo, es interior y latente en el caso de las contorsiones pélvicas de Eli Mathieu Bustos, o etéreo y vibrante en los gestos de las manos de Alice Giuliani. El tiempo parece perderse mientras los unísonos se forman y se deshacen como limaduras de hierro, atraídos y repelidos por una fuerza interna. La experiencia resulta extrañamente relajante, una sensación potenciada por la banda sonora de Cédric Dambrain, cuyas partes podrían describirse como capaces de provocar una respuesta ASMR en el oyente. «Los musgos», explica Vanneste tras el espectáculo, son los protagonistas ficticios de la obra, y «pueden ser un cuerpo, un objeto, un sonido… Los musgos nos hablan de lo visible, de lo invisible, del caos, del orden de las cosas; encarnan encuentros, superposiciones, transformaciones».
También afincada en Bélgica, Miet Warlop es coreógrafa, artista visual y autoproclamada todoterreno; su obra a menudo parte de objetos. En INHALE DELIRIUM EXHALE, montones y montones —o más precisamente seis kilómetros— de seda caen desde el escenario, se enroscan alrededor de los seis intérpretes o los envuelven como nubes. Sin un significado específico, la ansiedad y la sensación de agobio parecen resonar a lo largo de la obra. La tensión y la suspensión también se construyen por la aprensión de que los bailarines apenas pueden seguir el ritmo de la maquinaria que deben manipular para mantener la seda fluyendo o evitar que los inunde. En algunos momentos, los rollos caen pesadamente al suelo, rozando a un bailarín por un pelo. Pero las metáforas dentro de la obra no son ni explícitas ni estáticas. En un momento dado, los bailarines abren sus anoraks negros y los vuelven a cerrar para envolver en cada uno cortinas de seda multicolor: ¿crucifixión? ¿Banderas nacionales? ¿Te encantan los "autoabrazos"? La emoción de la obra reside en la convergencia de cuerpos, materiales y máquinas, y en los enormes lienzos que estas corrientes de seda en movimiento crean para que nuestra imaginación los llene.
Otra obra que jugaba con la percepción, permitiéndonos «ver» con los oídos, fue « 50 km de atmósfera para dar un azul profundo» de Ann Veronica Janssens . Janssens, una reconocida artista visual belga que ha colaborado frecuentemente con Anne Teresa De Keersmaeker, es conocida por sus instalaciones de niebla de colores por las que el público puede pasear. Encargada por el Kunst para crear una performance para un público sentado, Janssens optó por utilizar únicamente palabras y sonido. Una actriz, Léone Françoise Janssens (hija y colaboradora artística de Ann Veronica Janssens), lee las especificaciones técnicas, los manuales de instalación y las placas de presentación que Janssens ha escrito para sus exposiciones durante las últimas cuatro décadas, incluyendo descripciones de los vapores termocrómicos prácticamente ingrávidos que utiliza para sus lienzos que cambian de color. Estas instrucciones y descripciones objetivas y neutrales de los efectos deseados se ven interrumpidas ocasionalmente por fragmentos de poesía o comentarios de otras voces. De hecho, el título está tomado de un extenso poema cósmico del periodista científico, autor y músico Alexander Wajnberg, titulado «8 minutos 19 segundos» (el tiempo que tarda la luz en viajar desde la superficie del sol hasta nuestros ojos). Es casi al final de la obra, de una hora de duración, cuando nos encontramos sumidos en un peculiar estado de semihipnosis, que un rayo de luz proveniente del fondo del escenario nos recorre lentamente: un embudo de brillo que acentúa la oscuridad circundante. Al acercarse, resulta cegador pero a la vez tranquilizadoramente claro, señalando el final de una experiencia auditiva a través de la cual, al menos yo, tuve la impresión de haber percibido lo intangible. Quizás, en pocas palabras, la experiencia fue como sumergirse en un libro donde el sonido de las palabras en la mente puede evocar imágenes más resonantes e imborrables que cualquier imagen visual.
El festival concluyó con el estreno mundial de Borda , de la coreógrafa brasileña Lia Rodrigues . Comenzando con el apagón más largo y silencioso que jamás haya experimentado en un teatro, se siente como despertar lentamente, pero descubrir que el sueño apenas comienza. Gradualmente, las formas se vuelven discernibles en el crepúsculo: montañas cubiertas de blanco que bien podrían ser los pechos jadeantes de una novia gigante. Cambios graduales y revelaciones imperceptibles transforman el paisaje ante nuestros ojos, permitiendo una vez más que nuestra imaginación diseñe nuestra propia historia, tal como lo hacemos en los sueños. Rostros, partes de extremidades, torsos, cabezas y manos también emergen del montículo para disolverse nuevamente en la masa orgánica y viviente.
Borda es la última sección de una trilogía, continuación de Fúria de 2018 y Encantado de 2021. En portugués, borda se refiere al bordado, la decoración, pero también a una frontera, la periferia, algo que separa. Figurativamente, la palabra también significa imaginación, la capacidad de cruzar fronteras, de trascender. La obra también se inspira en la experiencia de Rodrigues al colaborar en el Desfile Zinneke de Bruselas 2024 ( zinneke es jerga bruselense para perro callejero o mestizo), una iniciativa cultural de toda la ciudad donde, durante los últimos 25 años, unos 2500 participantes inventan y fabrican sus propias carrozas y disfraces utilizando materiales reciclados, encontrados o preutilizados. La pieza de Rodrigues también comenzó con una revisión de los disfraces de sus 35 años anteriores de actuaciones, y su combinación en diferentes órdenes y formas. «La creación de esta carroza para el desfile», explicó en una entrevista, «me permitió ver de una manera nueva cómo el trabajo artístico puede entrelazarse con estas realidades tan diferentes, donde cada participante aporta a la obra su propia forma única de ser y existir en el mundo».
Borda estará de gira extensa, así que no daremos demasiados detalles; baste decir que los bailarines también bailan, y la obra se deshace de la cualidad onírica de su comienzo para convertirse en el espectáculo más alegre y lleno de esperanza que he presenciado en mucho tiempo.
En las obras que me conmovieron, la textura, los textiles, los hilos, las telas, las pieles, los trajes y las cubiertas parecen estar vivos y cargados de significado. Las cualidades tangibles y perdurables de los diversos materiales dan testimonio del esfuerzo humano, el pensamiento, la diligencia y el trabajo colectivo (a menudo femenino), reestableciendo una conexión entre pasado y presente, belleza y utilidad. Me gustaría imaginar que su uso, junto con los mundos físicos y naturales, ajenos a los caprichos del egocentrismo humano que se evocaron en otras obras, representan nuevas respuestas artísticas: saludables, abstractas pero accesibles, que indican un acercamiento al creciente caos que ha creado el derecho supremo y el interés propio de nuestras sociedades.
08–30.05.2025 Bruselas, Bélgica