Montpellier Danse siempre ha estado en constante evolución. Sin embargo, la 45.ª edición de este festival francés, fundado en 1981 por Dominique Bagouet, fue particularmente turbulenta. En primer lugar, supuso una doble despedida: no solo fue la última programada por Jean-Paul Montanari antes de retirarse de su cargo tras 42 años al frente, sino que también fue la primera que Montanari no llegó a ver, ya que falleció el 25 de abril de 2025, apenas unas semanas antes de la inauguración. Esta triste noticia, que afectó profundamente a la comunidad de la danza francesa, otorgó un significado más profundo al traspaso de Montanari. En segundo lugar, el festival se fusionó con el Centro Coreográfico Nacional (CCN) de Montpellier, ambos ubicados en el Ágora-Cité International de la danse. En junio, la nueva estructura, experimental y ambiciosa, presentó su junta directiva de cuatro codirectores : Jann Gallois, Dominique Hervieu, Pierre Martinez y Hofesh Shechter. En tercer lugar, otros artistas que estaban programados no pudieron asistir: debido al cierre del espacio aéreo alrededor de Israel, la Compañía de Danza Batsheva tuvo que cancelar (a última hora) su participación en la inauguración del festival, que duraba dos semanas. A pesar de estos obstáculos, el festival siguió adelante, y yo disfruté con gran interés de su primera semana, repleta de obras ricas y multifacéticas de artistas tanto habituales como emergentes.
Éric Minh Cuong Castaing, Forma(s) de vida
En el Hangar Théâtre, Éric Minh Cuong Castaing moldea el movimiento a través de la emoción de maneras inesperadas. Con su Forme(s) de vie [ Formas de vida ], estrenada en 2021, el coreógrafo afincado en Marsella reúne a dos intérpretes con discapacidad y tres bailarines sin discapacidad de su compañía Shonen. La primera pareja se presenta con un vídeo que muestra al exboxeador Kamel Messelleka luchando al aire libre, apoyado por el bailarín Aloun Marchal, quien lo abraza por detrás. Cuando la imagen se congela, el dúo toma el protagonismo en el escenario para experimentar una metamorfosis en vivo. Al principio, una silueta frágil, delicada e incluso asustada, el exatleta redescubre con alegría la amplitud y la libertad de movimiento con el apoyo de Marchal. Más que un doble o un sustituto, Marchal encarna una especie de aura viviente alrededor de Messelleka. Pero la coreografía pronto invierte los papeles. Con una sonrisa radiante, el boxeador toma la delantera con audacia, saltando entre el público (y disculpándose en tono de broma) mientras Marchal se une a la bailarina Nans Pierson para sostenerlo como si fueran soportes humanos. Progresivamente, la silueta, antes tensa y encogida, se expande y el contraste se vuelve aún más impactante a medida que el boxeador deja escapar jadeos y gruñidos mientras lanza puñetazos a diestra y siniestra en el espacio.
De la mano de la bailarina Yumiko Funaya, Elise Argaud lleva la paradoja un paso más allá. Como exbailarina con párkinson, su cuerpo rígido se mueve a cámara lenta. Al levantar o señalar con la mano al vacío, no busca la épica, pero sí provoca asombro. Pero aún más que sus gestos, la intensidad de su presencia emana de su mirada. Así, un pequeño paso para Funaya puede ser un gran salto para Argaud, pero es cuando la primera descifra las miradas y los escalofríos de la segunda cuando la pareja resulta más conmovedora.
Experimentando una forma de realidad aumentada, Messelleka y Argaud reactivan su memoria corporal a pasos agigantados. Los cortometrajes proyectados entre sus duetos en vivo amplían y profundizan el vínculo con el público. Ver la alegría interior de una mujer en cuidados paliativos tras la fisioterapia alcanza un clímax de empatía cinestésica. La pieza de Éric Minh Cuong Castaing crea una experiencia interpersonal sensible donde los cuerpos se encuentran en sus vulnerabilidades, y la vida se mueve, y se mueve, de múltiples formas.
Akram Khan y Manal AlDowayan, Thikra, Noche del Recuerdo
En la Opéra Comédie, Thikra («memoria» en árabe), de Akram Khan , transporta el festival a un mundo completamente nuevo. En la oscuridad, una mujer vestida de blanco aparece recostada en la parte delantera del escenario, mientras una luz roja que emana del fondo revela a un grupo de bailarinas de pie frente a una cueva. Sobre este escenario de aspecto algo artificial, obra de Manal AlDowayan, otra misteriosa silueta con túnica burdeos se quita un casco de larga barba antes de bajar y dar la vuelta a una tablilla de piedra tallada. Dos bailarinas, ambas vestidas de negro, se unen al grupo, aunque una de ellas parece ser el alter ego de la mujer de blanco.
Encargada por Wadi AlFann, Valle de las Artes, AlUla, la pieza se inspira claramente en la antigüedad. Sin embargo, sigue siendo un misterio si se refiere a una ceremonia religiosa o a un ritual marcial, ya que la narración es tan oscura como la atmósfera. El constante martilleo de los tambores y la percusión pronto se vuelve abrumador. Las secuencias de danza coral de la obra brillan con vívidas impresiones. Alineados de frente, con las piernas abiertas y las rodillas flexionadas, los catorce intérpretes dan pasos firmes, como uno solo o en canon, mientras giran muñecas, codos y brazos con gestos rápidos y precisos. Pero, curiosamente, la elegante y vigorosa coreografía parece estar obsesionada con el cabello de los bailarines. En una obra llena de simbolismo, ¿podrían los repetidos giros, torsiones y estiramientos del cabello reflejar una extraña fascinación por la mirada masculina? Es difícil decirlo, ya que la obra en sí misma nos resulta inaccesible. Si bien Khan parece haber diseñado una coreografía acorde con su estilo, la dramaturgia no logra transmitir una narrativa clara que conecte realmente con ella. A pesar de las cautivadoras instantáneas de danza, la pieza sigue siendo un enigma.
Camille Boitel y Sève Bernard, “ ”
Los artistas circenses Camille Boitel y Sève Bernard también regresan a las raíces de su trabajo conjunto, comenzando con una pieza titulada L'immédiat , que se estrenó en 2009. Solo que ahora, hacen las cosas de manera diferente. De hecho, el simple hecho de titular la pieza entre comillas ya lo dice todo: “ ” se construye paradójicamente sobre el concepto de deconstrucción. Después de que Boitel irrumpe en una sala de estar inestable derribando su única puerta, su primer movimiento lleva a destrozar todo el decorado en un caos meticulosamente coreografiado. Bernard se une a él para añadir más derrumbe a la escena que parece regirse por la ley de Murphy. Como en un efecto dominó, el taburete, las cajas, las mesas, las cómodas, los focos y finalmente el telón del escenario caen. Aunque el resultado es bastante obvio desde el principio, la pareja logra mantener el elemento sorpresa en esta ingeniosa espiral circense.
El equipo que llega para limpiar todo el desorden en tiempo récord muestra la magnitud de este caos impresionantemente organizado, y esta rotación también convierte la obra en una serie de eventos desafortunados. El Théâtre de l'Agora se convierte en un escenario perfecto para ir y venir entre escaleras, escenario y pasillos ocultos, lo que da lugar a encuentros inesperados y muchas sorpresas. En su camino, los artistas se topan con secuencias atrapantes, jugando al escondite en un ballet de pancartas oscuras, o corriendo tras una botella de agua en posición de caracol (tumbados boca arriba mientras se impulsan hacia adelante con los hombros). Sin embargo, estas chispas de creatividad se diluyen en un montón de gags recurrentes que tienden a dar vueltas en círculo. Al final, la torre de sillas apiladas al azar, palos de madera y hierro, cajas, escaleras, andamios y un carrito de la compra no pudo salvar el día. A pesar de su fachada extrañamente bonita, los cimientos de la obra no eran lo suficientemente fuertes como para sostenerse.
Armin Hokmi, Del corazón – Un estudio
Tras causar una gran impresión con Shiraz el año pasado, Armin Hokmi regresa a Montpellier Danse con un estudio titulado Of the Heart . Ambientada en el patio del Ágora, esta pieza de veinte minutos aún está en proceso, pero sin duda define el sello coreográfico de Hokmi. Junto con Katherina Jitlatda Horup Solvang, quien interpreta el solo, el coreógrafo afincado en Berlín diseña patrones multidireccionales, geométricos e impredecibles de gestos minimalistas en estrecha relación con el paisaje sonoro. La obra final contará con once intérpretes, pero por ahora el formato de solo permite centrarse en la estructura de la escritura de danza y su incorporación.
Alternando entre pasos, la coreografía enfatiza las articulaciones de las manos, las caderas, las rodillas, el cuello, los codos y los hombros, explorando su potencial de flexibilidad en un amplio rango de intensidad. Solvang mantiene los brazos en triángulo uniendo las puntas de los dedos sobre el pecho o la cintura. Pasando de la dirección frontal a la diagonal o lateral, las secuencias de pasos encuentran un ingenioso equilibrio entre repetición y variación, logrando un efecto hipnótico. Completamente absorta, con la mirada fija en la distancia, Solvang se mueve en un espacio limitado sin parecer nunca acorralada. A medida que las capas de motivos rítmicos persas se vuelven más complejas, sus movimientos geométricos se vuelven más flexibles, tanto en diseño como en estilo. Aquí, su sensual movimiento de cadera se endereza en lo que parece una tercera o quinta posición de ballet. Allí, su pisada marcial recuerda la orgullosa postura de una bailaora flamenca. El proceso nos atrapa con cada paso hasta que se detiene en una posición firme, como si esperara con ansias su siguiente movimiento en la próxima obra completa.
Pierre Pontvianne, La Liesse
El coreógrafo francés Pierre Pontvianne parece tener predilección por las paradojas, ya que La Liesse ( Jubilación ) dista mucho de llenar el Théâtre de la Vignette de alegría. Bajo una serie de cegadores focos rojos, cinco intérpretes con sueltos trajes azules y negros se unen en motivos circulares que armonizan con el ritmo contundente del paisaje sonoro. Cobrando impulso, entrelazan sus brazos para formar cadenas de cuerpos que giran y se separan en parejas, siguiendo su propio camino como radicales libres. La tensión crece entre los cuerpos que se funden en un suave abrazo y una atmósfera opresiva y melancólica en ascenso.
Desde el contraluz hasta la sobreexposición, la dinámica perpetua de unión y disolución se transforma en un flujo nítido de movimiento que se extiende, se retrae, se expande y se repliega. Pero, basándose en el concepto de cadenas de reacción, los motivos de la danza no logran tejer una red consistente. A medida que los brazos y las piernas se mueven en oleadas, cada paso se sucede al otro de forma predecible y la atmósfera relajante pronto se vuelve insulsa. El acto de desaparición, en el que una hilera de espejos oscilantes y distorsionadores se multiplica y oculta alternativamente el reflejo de los bailarines, resulta atractivo al principio, pero la ilusión termina siendo redundante. Con frecuencia, una chispa de genialidad resulta ser un destello en medio de largos pasajes, lo que se suma a la experiencia de un tedio educado. La decepción es aún más frustrante porque Pontvianne demuestra una gran habilidad para crear coros de movimiento.
La edición de este año de Montpellier Danse no podía sino rendir homenaje a la piedra angular de sus cuarenta y cinco años de historia. Casualmente, mi último día en el festival culminó con una ceremonia en memoria de Jean-Paul Montanari en el Ágora. Para los artistas Fabrice Ramalingom, Mathilde Monnier, Salia Sanou y Babx, bailar fue una forma evidente de rendir homenaje a un amigo y mentor. Pero el momento más emotivo fue el discurso del alcalde de Montpellier, Mickaël Delafosse. No solo destacó el importante papel de Montanari como artista en la escena de la danza contemporánea francesa de los años 1980, sino que también nos recordó que, gracias a él, más de seiscientos coreógrafos han visto su trabajo en Montpellier Danse. En honor a sus logros como artista y director en Montpellier, el patio del Ágora ha pasado a llamarse Cour Montanari.
Por último, pero no menos importante, esta 45.ª edición reflejó su compromiso de llevar las crisis a escena reuniendo a artistas de todo el mundo para derribar fronteras artísticas, especialmente cuando los conflictos políticos y militares refuerzan las barreras geográficas y culturales. También demostró lo desafiante que fue este compromiso: a pesar de que Batsheva canceló sus actuaciones, el programa logró incluir obras del coreógrafo israelí residente en el Reino Unido, y ahora director, Hofesh Shechter, y del bailarín y coreógrafo iraní Armin Hokmi. Escuchar esta declaración al final de mi viaje de cuatro días al festival finalmente me hizo considerar la experiencia desde la doble perspectiva de presenciar tanto una voluntad artística como un manifiesto.
Si bien Montanari forjó un rico legado personal a lo largo de su vida, también sentó cuidadosamente las bases para su sucesor al frente del festival. La ceremonia fue, además, una ocasión para pasar el testigo a Jann Gallois, Dominique Hervieu, Pierre Martinez y Hofesh Schechter. Discretos pero entusiastas, los nuevos cuatro directores permanecieron en un segundo plano. Espero con interés descubrir su primera propuesta en Montpellier Danse el próximo año. ●
Montpellier, Francia