Danza de Montpellier Siempre ha estado en constante movimiento. Sin embargo, la 45.ª edición de este festival francés, fundado en 1981 por Dominique Bagouet, fue particularmente turbulenta. Primero, tuvo una doble despedida: no solo fue la última programada por Jean-Paul Montanari Antes de dejar su puesto de liderazgo tras 42 años, Montanari también se vio obligado a abandonarlo, ya que falleció el 25 de abril de 2025, pocas semanas antes de la inauguración. Esta triste noticia, que afectó profundamente a la comunidad de la danza francesa, dio un significado más profundo a la entrega de Montanari. En segundo lugar, el festival se fusionó con el Centro Coreográfico Nacional (CCN) de Montpellier, ambos con sede en el Ágora-Cité International de la danse. Este junio, la nueva y ambiciosa estructura, experimental y completamente nueva, reveló su... junta de cuatro codirectores, formado por Jann Gallois, Dominique Hervieu, Pierre Martinez y Hofesh Shechter. En tercer lugar, otros que estaban programados no pudieron asistir debido al cierre del espacio aéreo alrededor de Israel. La Compañía de Danza Batsheva tuvo que retirarse (A última hora) de inaugurar el programa de dos semanas del festival. El festival siguió adelante a pesar de tales obstáculos, y me sumergí con gran interés en su semana inaugural, con obras ricas y polifacéticas de artistas tanto habituales como noveles.
Éric Minh Cuong Castaing, Forma(s) de vida
En el Teatro Hangar, Éric Minh Cuong Castaing moldea el movimiento a través de la emoción de maneras inesperadas. Con su Forma(s) de vida [Formas de vida], estrenada en 2021, el coreógrafo marsellés reúne a dos intérpretes con discapacidad y tres bailarines sin discapacidad de su compañía Shonen. La primera pareja se presenta con un vídeo que muestra al exboxeador Kamel Messelleka luchando por abrirse paso al aire libre, apoyado por el bailarín Aloun Marchal, que lo abraza por detrás. Cuando la imagen se congela, el dúo toma el control del escenario para experimentar una metamorfosis en directo. Inicialmente, una silueta frágil, incluso asustada, el exatleta redescubre con alegría la amplitud y la libertad de movimiento con el apoyo de Marchal. Más que un doble o un sustituto, Marchal encarna una especie de aura viva alrededor de Messelleka. Pero la coreografía pronto invierte los papeles. Todo sonrisas, el boxeador toma la iniciativa con valentía, saltando entre el público (disculpándose juguetonamente por el camino) mientras Marchal se toma de la mano de la bailarina Nans Pierson para sostenerlo como si fueran patas de apoyo humanas. Progresivamente, la silueta estrecha y encogida se expande y el contraste se hace aún más sorprendente a medida que el boxeador deja escapar jadeos y gruñidos mientras golpea a la izquierda y a la derecha en el espacio.
De la mano de la bailarina Yumiko Funaya, Elise Argaud lleva la paradoja un paso más allá. Como exbailarina con párkinson, su cuerpo rígido se mueve a cámara lenta. Al levantar o señalar con la mano al vacío, no busca la épica, pero sí provoca asombro. Pero aún más que sus gestos, la intensidad de su presencia emana de su mirada. Así, un pequeño paso para Funaya puede ser un gran salto para Argaud, pero es cuando la primera descifra las miradas y los escalofríos de la segunda cuando la pareja resulta más conmovedora.
Experimentando una forma de realidad aumentada, Messelleka y Argaud reactivan su memoria corporal a pasos agigantados. Los cortometrajes proyectados entre sus duetos en vivo amplían y profundizan el vínculo con el público. Ver la alegría interior de una mujer en cuidados paliativos tras la fisioterapia alcanza un clímax de empatía cinestésica. La pieza de Éric Minh Cuong Castaing crea una experiencia interpersonal sensible donde los cuerpos se encuentran en sus vulnerabilidades, y la vida se mueve, y se mueve, de múltiples formas.
Akram Khan y Manal AlDowayan, Thikra, Noche del Recuerdo
En la Ópera Comédie, Akram Khan, Tikra ('memoria' en árabe) lleva el festival a un mundo completamente nuevo. En la oscuridad, una mujer aparece tumbada con un vestido blanco al fondo del escenario, mientras una luz roja que emerge del fondo revela a un grupo de bailarinas de pie frente a una cueva. Sobre este desafortunado escenario de cartón, montado por Manal AlDowayan, otra misteriosa silueta con túnica borgoña se quita un casco de larga barba antes de bajar a dar la vuelta a una placa de piedra tallada. Un par de bailarinas, ambas vestidas de negro, se unen a la hermandad, aunque una de ellas parece ser el alter ego de la mujer de blanco.
Encargada por Wadi AlFann, Valle de las Artes, AlUla, la pieza se inspira claramente en la antigüedad. Sin embargo, sigue siendo un misterio si se refiere a una ceremonia religiosa o a un ritual marcial, ya que la narración es tan oscura como la atmósfera. El constante martilleo de los tambores y la percusión pronto se vuelve abrumador. Las secuencias de danza coral de la obra brillan con vívidas impresiones. Alineados de frente, con las piernas abiertas y las rodillas flexionadas, los catorce intérpretes dan pasos firmes, como uno solo o en canon, mientras giran muñecas, codos y brazos con gestos rápidos y precisos. Pero, curiosamente, la elegante y vigorosa coreografía parece estar obsesionada con el cabello de los bailarines. En una obra llena de simbolismo, ¿podrían los repetidos giros, torsiones y estiramientos del cabello reflejar una extraña fascinación por la mirada masculina? Es difícil decirlo, ya que la obra en sí misma nos resulta inaccesible. Si bien Khan parece haber diseñado una coreografía acorde con su estilo, la dramaturgia no logra transmitir una narrativa clara que conecte realmente con ella. A pesar de las cautivadoras instantáneas de danza, la pieza sigue siendo un enigma.
Camille Boitel y Sève Bernard, “ ”
Artistas de circo Camille Boitel y Sève Bernard También vuelven a las raíces de su trabajo conjunto, comenzando con una pieza titulada El inmediato, que se estrenó en 2009. Solo que ahora, hacen las cosas de forma diferente. De hecho, nombrar una pieza entre comillas ya dice mucho: “ ” Paradójicamente, se basa en el concepto de deconstrucción. Tras la irrupción de Boitel en una sala de estar inestable derribando la única puerta, su primer movimiento resulta en destrozar todo el decorado, convirtiéndolo en un desastre meticulosamente coreografiado. Bernard se une a él para añadir más desmoronamiento a la escena, que parece regida por la Ley de Murphy. Como en un efecto dominó, el taburete, las cajas, las mesas, los aparadores, los focos y, finalmente, el telón del escenario son derribados. Aunque el resultado es bastante obvio desde el principio, la pareja logra mantener el elemento sorpresa en esta ingeniosa espiral de payasadas.
El equipo que llega para limpiar todo el desorden en tiempo récord muestra la magnitud de este caos impresionantemente organizado, y esta rotación también convierte la obra en una serie de eventos desafortunados. El Théâtre de l'Agora se convierte en un escenario perfecto para ir y venir entre escaleras, escenario y pasillos ocultos, lo que da lugar a encuentros inesperados y muchas sorpresas. En su camino, los artistas se topan con secuencias atrapantes, jugando al escondite en un ballet de pancartas oscuras, o corriendo tras una botella de agua en posición de caracol (tumbados boca arriba mientras se impulsan hacia adelante con los hombros). Sin embargo, estas chispas de creatividad se diluyen en un montón de gags recurrentes que tienden a dar vueltas en círculo. Al final, la torre de sillas apiladas al azar, palos de madera y hierro, cajas, escaleras, andamios y un carrito de la compra no pudo salvar el día. A pesar de su fachada extrañamente bonita, los cimientos de la obra no eran lo suficientemente fuertes como para sostenerse.
Armin Hokmi, Del corazón – Un estudio
Después de causar una fuerte impresión con Shiraz el año pasado, Armin Hokmi regresa a Montpellier Danse con un estudio Del corazónAmbientada en el patio del Ágora, esta pieza de veinte minutos aún está en desarrollo, pero sin duda define la firma coreográfica de Hokmi. Junto con Katherina Jitlatda Horup Solvang, quien interpreta el solo, la coreógrafa berlinesa diseña patrones multidireccionales, geométricos e impredecibles de gestos minimalistas en estrecha relación con el paisaje sonoro. Se prevé que la pieza final incluya a once intérpretes, pero por ahora el formato solista permite centrarse en la estructura de la escritura de danza y su incorporación.
Alternando entre pasos, la coreografía enfatiza las articulaciones de las manos, las caderas, las rodillas, el cuello, los codos y los hombros, explorando su potencial de flexibilidad en un amplio rango de intensidad. Solvang mantiene los brazos en triángulo uniendo las puntas de los dedos sobre el pecho o la cintura. Pasando de la dirección frontal a la diagonal o lateral, las secuencias de pasos encuentran un ingenioso equilibrio entre repetición y variación, logrando un efecto hipnótico. Completamente absorta, con la mirada fija en la distancia, Solvang se mueve en un espacio limitado sin parecer nunca acorralada. A medida que las capas de motivos rítmicos persas se vuelven más complejas, sus movimientos geométricos se vuelven más flexibles, tanto en diseño como en estilo. Aquí, su sensual movimiento de cadera se endereza en lo que parece una tercera o quinta posición de ballet. Allí, su pisada marcial recuerda la orgullosa postura de una bailaora flamenca. El proceso nos atrapa con cada paso hasta que se detiene en una posición firme, como si esperara con ansias su siguiente movimiento en la próxima obra completa.
Pierre Pontvianne, La Liesse
El coreógrafo francés Pierre Pontvianne parece estar interesado en las paradojas como La Liesse[Jubilacion] está lejos de llenar de alegría el Théâtre de la Vignette. Bajo una serie de cegadores focos rojos, cinco artistas con atuendos holgados de azul y negro se unen formando motivos envolventes que armonizan con el ensordecedor paisaje sonoro. Cobrando impulso, sus brazos se entrelazan para formar cadenas de cuerpos que se separan en pares, siguiendo su propio camino como radicales libres. La tensión crece entre los cuerpos que se abrazan suavemente y una atmósfera opresiva y melancólica que se acrecienta.
Desde el contraluz hasta la sobreexposición, la dinámica perpetua de unión y disolución se transforma en un flujo nítido de movimiento que se extiende, se retrae, se expande y se repliega. Pero, basándose en el concepto de cadenas de reacción, los motivos de la danza no logran tejer una red consistente. A medida que los brazos y las piernas se mueven en oleadas, cada paso se sucede al otro de forma predecible y la atmósfera relajante pronto se vuelve insulsa. El acto de desaparición, en el que una hilera de espejos oscilantes y distorsionadores se multiplica y oculta alternativamente el reflejo de los bailarines, resulta atractivo al principio, pero la ilusión termina siendo redundante. Con frecuencia, una chispa de genialidad resulta ser un destello en medio de largos pasajes, lo que se suma a la experiencia de un tedio educado. La decepción es aún más frustrante porque Pontvianne demuestra una gran habilidad para crear coros de movimiento.
La edición de este año de Montpellier Danse no podía sino rendir homenaje a la piedra angular de sus cuarenta y cinco años de historia. Casualmente, mi último día en el festival culminó con una ceremonia en memoria de Jean-Paul Montanari en el Ágora. Para los artistas Fabrice Ramalingom, Mathilde Monnier, Salia Sanou y Babx, bailar fue una forma evidente de rendir homenaje a un amigo y mentor. Pero el momento más emotivo fue el discurso del alcalde de Montpellier, Mickaël Delafosse. No solo destacó el importante papel de Montanari como artista en la escena de la danza contemporánea francesa de los años 1980, sino que también nos recordó que, gracias a él, más de seiscientos coreógrafos han visto su trabajo en Montpellier Danse. En honor a sus logros como artista y director en Montpellier, el patio del Ágora ha pasado a llamarse Cour Montanari.
Por último, pero no menos importante, esta 45.ª edición reflejó su compromiso de llevar las crisis a escena reuniendo a artistas de todo el mundo para derribar fronteras artísticas, especialmente cuando los conflictos políticos y militares refuerzan las barreras geográficas y culturales. También demostró lo desafiante que fue este compromiso: a pesar de que Batsheva canceló sus actuaciones, el programa logró incluir obras del coreógrafo israelí residente en el Reino Unido, y ahora director, Hofesh Shechter, y del bailarín y coreógrafo iraní Armin Hokmi. Escuchar esta declaración al final de mi viaje de cuatro días al festival finalmente me hizo considerar la experiencia desde la doble perspectiva de presenciar tanto una voluntad artística como un manifiesto.
Si bien Montanari forjó un rico legado individual durante su vida, también sentó las bases para su reemplazo al frente del festival. La ceremonia también sirvió para pasar el testigo a Jann Gallois, Dominique Hervieu, Pierre Martinez y Hofesh Schechter. Silencioso pero entusiasta, el nuevo cuarteto de directores permaneció en un segundo plano. Espero con ansias descubrir su debut en Montpellier Danse el año que viene. ●
Montpellier, Francia