de oslo Festival CODAL ha estado comprometido desde hace mucho tiempo con la accesibilidad y la inclusión, tanto dentro como fuera del escenario. Bajo la nueva dirección Birgit BerndtEstos términos se están expandiendo: la accesibilidad ahora incluye perspectivas culturales y de clase, y nuevas colaboraciones resaltan prácticas de danza indígenas y sociales, a la vez que activan espacios inesperados en Oslo y más allá. Se invita al público a participar de diversas maneras: a veces sentado, a veces en movimiento, a veces inmerso en una oscuridad sensorial total o comentando las actuaciones en pequeños grupos.
Varias obras me llamaron la atención por cómo convertían la materia en metáfora. Ya sea a través de arena, piedra o hormigón institucional, cada una revelaba el cuerpo humano en relación con lo monumental: una interacción entre persistencia y fragilidad. La poesía y crudeza de Ingri Fiksdal... Vuelo de arena, interpretada entre vastas dunas de arena en el sitio industrial de Bjønndalen Bruk, y la introspectiva obra de Mia Habib. Cueva psicodélica, que se desarrollan en la oscuridad de una cueva imaginaria dentro de Dansens Hus, ambas tocan lo existencial. De Dana Michel MIKEMientras tanto, ofrecí una dosis muy necesaria de crítica institucional en el monumental Museo Astrup Fearnley. Entre la distopía al aire libre y los ecos de la historia, cada uno, a su manera, abrió un espacio para la reflexión sobre nuestra responsabilidad humana compartida. Más que un espectador presenciando creaciones, me sentí inmerso y abrumado, en el mejor sentido de la palabra.
Vuelo de arena – paisajes distópicos y la escala de la humanidad
Aunque Nittedal está a menos de media hora en autobús de la Ópera de Oslo, con sus mármoles, entrar en la zona era como adentrarse en un mundo diferente. Los intensos rayos de sol se reflejaban en los andamios metálicos, cegando mis ojos por un instante, mientras los imponentes montículos de arena creaban la sensación de estar en otro planeta, o en el gigantesco plató de una película de ciencia ficción.
El concepto, la coreografía y la idea escenográfica son desarrollados por el coreógrafo. Ingri Fiksdal y director de teatro Jonas Corell Petersen, co-creado por bailarines Sudesh Adhana y el Pernille Holden, y tuvo su estreno mundial en Toronto, Canadá, en junio de 2025. Hoy, sin embargo, es el estreno noruego de la obra, en el sitio industrial de Bjønndalen Bruk, con un conjunto de ocho bailarines.
La primera persona que entró en la obra, vestida con el uniforme naranja de obrero, podría fácilmente haber sido confundida con un obrero de la construcción, de no ser por su lento y decidido paso hacia el montículo de arena más cercano. A medida que comienza a ascender, lentamente, uno a uno, el elenco aparece, como de la nada, hasta que ocho figuras pueblan el horizonte, algunas cerca, otras lejos, muy lejos, creando una profundidad visual impresionantemente inusual. Esta simple ampliación de la perspectiva abre la posibilidad de reflexiones sobre la escala, no solo en tamaño, sino también en tiempo. A medida que avanza la danza, la arena misma se convierte en un lienzo sobre el que se pinta; las acciones de gatear, trepar y deslizarse dejan rastros, que solo serán cubiertos por la siguiente interacción.
Lasse MarhaugLa puntuación de, con Gaute TønderLas secciones corales crean un vasto paisaje sonoro cinematográfico, aunque los altavoces reducen su potencial; un sistema de sonido más potente, acompañado de canto en vivo, permitiría que la música se integrara con el entorno. Si bien los fallos acústicos contribuyen al trasfondo distópico, la distancia entre el sonido y el cuerpo a veces hace que el paisaje parezca observado en lugar de habitado. A medida que la música se oscurece y se fractura, el sonido electrónico complementa las gafas de sol de los bailarines, mientras que los acentos fluorescentes de sus trajes destellan contra las sombras del andamio, intensificando la sensación de temporalidad. Las leyes físicas de la gravedad y el equilibrio parecen momentáneamente alteradas; me encuentro reflexionando que estas imponentes dunas están, después de todo, compuestas de innumerables granos de arena invisibles.
Los bailarines se abrazan, a veces apoyándose, a veces derribándose. A través de la abstracción, la obra invita a reflexionar sobre la existencia y la impermanencia, sobre las delgadas fronteras entre el significado y el vacío, el trabajo y la alegría. Son tanto trabajadores como bailarines, moviéndose con precisión pendular, conectando al peatón con lo sobrenatural mientras forcejean, alternativamente entre sí y con la propia duna. Cuando las sirenas se alzan lentamente desde los altavoces, los cuerpos ya se han enterrado en la arena, solo para despertar con una calma propia del tai chi. Más tarde, el crujido, similar al de una ametralladora, es seguido por una inesperada montaña de abrazos.
Las escenas en las que los bailarines se lanzan desde el borde de la duna son espectaculares, y me descubro deseando correr hasta allí y unirme a su locura. Me conmueve. Los intérpretes revelan que el cuerpo humano es a la vez concreto y mortal, frágil pero implacable. Recuerdo que cuando nuestras vidas terminan, la arena permanece, y la tristeza de ese pensamiento parece justificada.
Una obra que aborda el cambio climático siempre corre el riesgo de caer en la instrucción moral, pero Vuelo de arena Evita esa trampa mediante su hábil abstracción y una coreografía finamente compuesta, llevada a cabo por un elenco extraordinario. El tema se entrelaza con la obra, en lugar de manifestarse desde ella. La obra es una auténtica exploración en la que la lucha humana no se oculta, sino que se expone; su gravedad nunca se sacrifica, incluso cuando la alegría entra en la danza.
Cueva psicodélica – la topografía de la historia escrita en nuestros cuerpos
If Vuelo de arena mira hacia el futuro cercano, Cueva psicodélica es un viaje introspectivo a través de la historia. Dentro de Dansens Hus, Mia Habib y su elenco de cocreadoras, compuesto exclusivamente por mujeres, está presente en el vestíbulo, indicándonos que dejemos todas nuestras pertenencias atrás, equipándonos con una piedra a cada una (y una linterna para emergencias) antes de dejarnos entrar a la habitación.
Como de los primeros en entrar, me aseguro de echar un vistazo rápido. Las sillas del público están orientadas en direcciones diferentes, y siento que mis instintos me dominan, pues la conciencia de adentrarme en 90 minutos de oscuridad me lleva a elegir una silla que dé a dos puertas: la de entrada y la de salida. Por si acaso me sobresalto o, en mi caso, probablemente, tengo que huir.
La luz se atenúa, pasando de tenue a completamente negra, e intento respirar profundamente, inhalando por la nariz y exhalando por la boca. Me recuerdo que es como una meditación de 90 minutos, nada del otro mundo. Pero, maldita sea, me lleva un tiempo relajarme. A medida que mis ojos se familiarizan con la ausencia de información, mis sentidos se agudizan. El sonido de varias criaturas respirando me rodea. Los cinco bailarines se han transformado en formas de vida indistintas: primero aparecen de las paredes invisibles, luego evolucionan en una manada de lobos. Siento que mi cerebro empieza a abrazar la fantasía, mientras dejo que la realidad de la habitación se funda con la cueva imaginaria. Los animales se convierten en humanos, el dolor de la evolución continúa, la realidad de las atrocidades siempre presente.
En esta cueva imaginaria, Habib nos invita a adentrarnos en nuestra historia, a rastrear nuestra propia historia humana. En la bolsa que dejé en la habitación contigua hay una copia de Yuval Noah Harari. SapiensDescribe cómo, en el panorama general, nuestra historia humana es increíblemente insignificante. Desde que empezamos a poblar la Tierra hace unos 2.5 millones de años, nos hemos hecho cosas impensables, hemos explotado la Tierra y creado una crisis climática. La época en la que vivimos parece ser la culminación de malas decisiones y políticas autoritarias, mientras vemos la evolución de la IA mientras perdemos rápidamente el control de nuestra propia humanidad. Mientras tanto, en la cueva, lucho contra la tensión muscular cada vez que siento que algo, o alguien, se mueve en el suelo.
Por fin he perdido la noción del tiempo. Dejo que mi mente divague, que el tiempo y el espacio se fundan en un collage indistinguible de presente, pasado y futuro. Este mundo está lleno de dolor, pero también de placer; de brutalidad, pero también de esperanza.
Hacia el final, empiezan a aparecer luces rojas, dispersas por la sala. Más tarde me entero de que los bailarines llevaban linternas en la boca, pero lo que veo son máscaras flotando en la oscuridad; rostros de animales y personas que han poblado la tierra, brillando hacia mí, ofreciéndome destellos de rituales imaginarios de tiempos pasados.
Llevo conmigo el recuerdo de Mia Habib. Samkome desde CODA del año pasadoDe pie en el frío glacial, con mi mano desnuda agarrando el guante de lana de mi vecino afuera de la Kulturkirken Jakob. Las dos obras se sienten relacionadas en su sentido de co-creatividad. Como espectador, no solo te sumerges; al estar presente, te conviertes en parte de la obra por sí solo. Habib ofrece un paralelismo con el mundo real, al agudizar nuestros sentidos: comprender que, al estar en el mundo, no eres un espectador, sino parte de un todo infinito.
Este año, cuando la mano del extraño fue reemplazada por una piedra apretada fuertemente, que ofrecía al mismo tiempo consuelo y tristeza, abracé la sensación de sostener y ser sostenido.
MIKE – jugando con el poder institucional y el arte como trabajo
En su impactante obra MIKE, coreógrafo Dana Michel conduce al público en un viaje de tres horas a través de su mundo, donde los objetos cotidianos adquieren nuevas identidades y la lógica misma de la galería de arte (aquí, el enorme y lujoso Museo Astrup Fearnley en el puerto de Oslo) se pone patas arriba.
Con humor e inteligencia, construye un ecosistema de gestos, herramientas y pausas en el que el significado muta continuamente. En un momento dado, me encuentro siguiendo a Michel por un largo pasillo, profundamente consciente de mi propia vergüenza y la de los demás cuando simplemente toma una herramienta y regresa por donde vino. La obra cuestiona no solo el trabajo, sino también la propia condición de espectador: ¿cuáles son nuestros roles aquí? Cuando arrastra perchero tras perchero por una estrecha escalera, siempre a punto de tropezar con los calcetines, queda claro: ella es quien hace el trabajo, y por absurdo que se vuelva, ella sigue teniendo el control. Como pregunta Michel en la reflexión que inspiró MIKE“Si no podemos ser nosotros mismos en el trabajo, donde pasamos la mayor parte de nuestras vidas, ¿qué tipo de vidas estamos viviendo?”
Terreno curatorial y desarrollo de audiencias
El primer programa de Birgit Berndt para el Festival CODA ofrece espacio tanto para la resonancia como para las propias obras. La programación es densa, pero nunca resulta saturada. Demuestra que la accesibilidad puede significar empoderar al público, permitiendo que el arte se filtre a lugares donde no sabía que pertenecía y que los lugares y espacios reescriban el significado del arte.
Si bien mi reseña se centra en obras que exploran la escala, la materialidad y lo existencial, el programa de Berndt también amplía el campo mediante la fuerte presencia de la danza indígena y social, desde el pulso comunitario del hip-hop hasta nuevos diálogos con Sápmi y más allá. Este entramado curatorial más amplio profundiza la idea de la danza como un territorio compartido, con una resonancia mucho más allá de la semana del festival.
Más que un simple festival de danza, CODA se convierte en un espacio de reflexión e intercambio entre artistas y público, jóvenes y mayores, locales y globales. Las nuevas iniciativas del festival, como el Club del Público, facilitado por ana kozonina, se hacen eco de la responsabilidad de la facilitación en sí misma: crear espacio para la conversación, construir conocimiento y curiosidad en lugar de simplemente consumir arte. ●
9–19.10.25, Oslo, Noruega