Durante cinco días de octubre, Salónica se convirtió en un punto de encuentro de historias, cuerpos y voces de todo el mundo: Festival Fringe de Tesalónica, ahora en su tercer año, se ha convertido en un espacio de creatividad, expresión y diálogo cultural, apoyando la escena artística local de Tesalónica y conectándola a una red internacional en expansión de festivales y teatros independientes.
El programa de este año se desarrolló en ocho espacios poco convencionales —bares, estudios de danza e incluso un apartamento—, presentando diecinueve espectáculos: desde teatro, danza y performances físicas hasta música, comedia y espectáculos familiares. Artistas de nueve países trajeron sus historias, humor y preguntas al escenario, ofreciendo obras en griego, inglés y sin texto.
Un público reducido pero comprometido llevó el lema del festival en sus bolsas por la ciudad: «Por favor, manténganse raros». Al ver algunas de las actuaciones de la categoría de Danza y Teatro Físico, se evidenció la fuerte presencia de voces femeninas audaces, que exploran la identidad, la memoria y la resiliencia a través de enfoques artísticos frescos, a veces cautivadores.
GLORIA. Una obra fácil y divertida. – La Quebrá (España)
GLORIA. Una obra fácil y divertida. Se desarrolla como una exploración irónica y visualmente impactante de la ambición: un ciclo de aspiración y fracaso, de intentos, fracasos y posar para un último aplauso. Tres jóvenes bailarinas con pantalones cortos de estilo pin-up, pelucas rubias y lápiz labial rojo brillante sonríen obsesivamente mientras siguen las instrucciones habladas de una coreografía dictada, casi ordenada, una mezcla de patadas de cabaret, danza jazz y movimientos fluidos que se sincronizan con el texto de audio. Su risa pronto se convierte en delirio, y las bailarinas, sorprendentemente técnicas, se deshacen en muñecas rotas: hermosas, desquiciadas y humanas.
Combinando danza y teatro físico, La Quebra Convierte la búsqueda del éxito en algo divertido y un poco desgarrador a la vez. Los artistas oscilan entre la confianza y la fragilidad, buscando la validación con una intensidad que poco a poco los traiciona. Sus repetidas reverencias, exageradas y teatrales, revelan las jerarquías y los absurdos de la industria de las artes escénicas. Es a la vez lúdico y dolorosamente revelador: a medio camino entre la comedia y la confesión. GLORIA pregunta qué es un «cuerpo de baile» y cómo la industria lo moldea, lo comercializa y lo distorsiona.
Ser suficiente – Evropi Kessidou (Grecia)
En una nota similar, Europa Kessidou, Ser suficiente Es, como ella misma afirma, un solo autobiográfico sobre las dificultades de una joven bailarina. La actuación comienza antes de su inicio oficial: Kessidou ya está en el escenario, en un estudio de danza, estirándose en chándal y camiseta gris mientras el público entra: un vistazo a lo cotidiano antes de que comience la actuación. Lo que se desarrolla es en parte una performance-conferencia y en parte un autointerrogatorio. Nos habla directamente mientras se trenza el pelo, reflexionando sobre lo que significa ser suficiente: como bailarina, creadora, persona. El tono informal se agudiza gradualmente con urgencia, cuestionando la idea misma de la actuación como construcción, como trabajo y como alternativa a la terapia.
Cuando una voz estéril de IA comienza a dar órdenes, ella obedece, demostrando altas habilidades técnicas, ejecutando tareas, repitiendo frases, reflejando la naturaleza exhaustiva del proceso de audición, el absurdo burocrático y las expectativas institucionales. Con desenfado, Kessidou transmite una anatomía de la profesión: desde los retratos solicitados y las fotos de cuerpo entero hasta los videos de improvisación de cuatro minutos y las inevitables cartas de rechazo. Entre las caídas y las persecuciones torcidas de su propia trenza, la ironía se encuentra con el agotamiento. Sin embargo, aquí no hay autocompasión, solo una resiliencia empoderada. La imagen final de vagar en un océano perdura como confesión y desafío. Kessidou convierte el agotamiento de la intérprete en su propia forma de resistencia, haciendo Ser suficiente Una reflexión cruda y tierna sobre la supervivencia artística.
Donde incluso las flores pueden crecer – Caroline Blomqvist y Nadja Bounenni (Dinamarca)
Donde incluso las flores pueden crecer by Carolina Blomqvist & Nadja Bounenni Es una exploración artística del bienestar y la salud mental a través del movimiento, la luz, el sonido y la intimidad espacial. La performance invita a transformaciones colectivas sutiles, en momentos de calma donde la frontera entre el bailarín y el público se disuelve suavemente. El dúo de intérpretes se mueve en un espacio inusualmente pequeño, muy cerca del público sentado a su alrededor en círculo, creando un ambiente muy íntimo desde el principio. La suave tela amarilla de sus pantalones resuena por la sala, cubriendo aquí y allá como destellos de luz solar. Con los ojos cerrados, parecen surgir directamente del suelo, sus gestos curvos florecen en bailes al unísono y elevaciones en pareja. Bailan uno alrededor del otro en una forma que recuerda a los dúos de capoeira: parte juego, parte defensa, un intercambio de energía que se siente a la vez tierno y volátil.
Ambientada en un bar concurrido, entre charlas y tintineo de copas, la performance pasa casi desapercibida para los transeúntes. Reivindicando la fragilidad de lo cotidiano, intenta transmitir la serena resiliencia de la conexión y el delicado equilibrio entre la soledad y la unión, evocando la imagen de delicadas flores que crecen en el hormigón.
Vidas binarias: adónde nos lleva el destino – Dis Èquilibre (Italia)
Ambientada en una estación de tren abstracta donde dos almas perdidas esperan un tren que nunca llega, Dis Èquilibre, Vidas binarias: adónde nos lleva el destino Se desarrolla como un ensueño teñido de sepia, con tonos cálidos y terrosos y un romance clásico. Mediante delicados equilibrios, acrobacias y pantomima, los intérpretes narran una historia muda y tierna de anhelo, coincidencia y conexión.
Su mundo era en parte teatro físico, en parte caricatura: él, tímido pero fuerte, ella, apasionada y anhelante; una pareja dispareja que se provocaba mutuamente a través de la incomprensión y el juego. A medida que se desarrolla la historia, elevaciones de piernas, splits en el aire y acrobacias puntúan momentos de asombro. Llueve, se pasan las páginas del calendario, y el paso del tiempo se convierte en su propia coreografía. Guiados por una música expresiva y cinematográfica, cada cambio de humor se siente como un corte en un viejo rollo de película. Bobalicón, desenfadado y con un toque sentimental. Vidas binarias cautivó a su audiencia y propagó risas.
Hablando a través de hilos – Matilde Peneirol y Pilar Lopes (Portugal)
Hablando a través de hilos Es una performance inmersiva dirigida a un público joven que combina danza contemporánea y taller pedagógico, invitando a los niños a crear, tocar y explorar. La performance tuvo lugar en un tranquilo local tipo cafetería de barrio, con mesas redondas y sillas de madera frente a un pequeño escenario. Apenas había espectadores, solo algunos voluntarios del festival y un par de niños, lo que hizo que la experiencia fuera muy íntima.
Peneirol y Lopes están sentados en sillas en el escenario cuando entramos. Vestidos con vaqueros anchos y zapatos negros de encaje, transmiten una torpeza payasa. Un hilo rojo se teje suelto sobre ellos, enroscándose en el espacio como una telaraña. Su breve actuación es un dúo juguetón de trabajo de suelo y gestos que oscila entre el aburrimiento y la curiosidad, y los momentos más cautivadores llegan cuando empiezan a deconstruir la red roja con su baile.
Tras la actuación, se ofreció un sencillo taller donde niños y adultos pudieron dibujar lo que habían visto y reconstruir su telaraña con hilos de colores. Dos hermanitos lideraron el proceso: gateando, estirándose, tropezando y resolviendo problemas. El espacio se convirtió en una maraña de movimiento e imaginación, una suave coreografía de juego. Como pequeñas arañas, tejieron su propio mundo desde cero: frágil, vibrante y lleno de maravillas.
Para Peneirol y Lopes, esta era la primera vez que presentaban esta obra, así que el público más reducido les brindó un espacio seguro para experimentar con su idea, que esperan desarrollar aún más, como me comentaron más tarde ese mismo día mientras veían otra pieza. El Fringe de Salónica se sintió realmente como ese tipo de espacio: un lugar para experimentar, para que se escucharan las voces, donde artistas y público podían mostrarse tal como son: honestos, curiosos y, a veces, un poco peculiares. ●
8–12.10.2025 Tesalónica, Grecia