Cada otoño, de septiembre a noviembre, el Festival Romaeuropa Se apodera de la ciudad con su amplia red de espacios y su energía en constante cambio. En su 40.ª edición, el festival se percibe menos como un programa cuidadosamente seleccionado y más como un organismo vivo: abierto, flexible y con capacidad de respuesta al mundo que lo rodea. Las performances no se presentan para demostrar un tema único; se presentan como encuentros, a veces fluidos, a veces desordenados, que muestran cómo los artistas de hoy lidian con la urgencia, el agotamiento, la esperanza y el riesgo creativo.
Este espíritu es especialmente vívido en Ultra REFLa plataforma del festival para formas híbridas. Aquí, la danza se fusiona con el teatro, el texto con el sonido, el ritual con la tecnología. Los géneros se entrelazan de forma productiva, creando chispas en lugar de fronteras.
En este paisaje dos SpringbackLlegaron Greta Bourke y Dmitrijus Andrušanecas con la misión de descubrir nuevas obras y compartir nuevas impresiones. A lo largo de las performances que vimos, surgieron varias preguntas comunes: ¿Cómo un cuerpo soporta o resiste las historias que se le imponen? ¿Qué sucede con la identidad cuando es moldeada por algoritmos, comunidades, deseos o historia? ¿Cómo gestionan los artistas la visibilidad y la vulnerabilidad en un mundo que exige espectáculo y desconfía de él? ¿Y qué tipo de conexiones —íntimas, colectivas, ecológicas— aún se sienten posibles en tiempos inestables?
Romaeuropa no ofrece respuestas. En cambio, deja que cada obra hable y da al público la oportunidad de seguir su propio camino. Su fuerza reside en esta apertura: una creencia en la variedad artística que permite que surjan resonancias inesperadas simplemente colocando las obras una junto a la otra. — DA
Actuaciones
Qudus Onikeku, Terrapolis
Teatro Argentina, 14.10.2025
El impacto inicial de Terrapolis por el coreógrafo nigeriano Qudus Onikeku Es impresionante. Imagine a 16 intérpretes —11 bailarines y cinco músicos— y a un narrador descomunal que sube al escenario con un vestuario extravagante y un instrumento de chasquido, llamándonos la atención y guiándonos a través de los temas de la obra.
La fase inicial, que simboliza la armonía entre los seres humanos y la naturaleza, es alegre. Los movimientos de los bailarines son a la vez alegres y reverentes, emitiendo gritos y aullidos de alegría; largas trenzas ondeando, manos alzadas en señal de alabanza, piernas zapateando al unísono, un círculo de baile unido en celebración.
Sin embargo, bajo esta energía vibrante se esconde una creciente oscuridad. «La armonía es como una vasija de barro», nos dice el narrador, «hermosa pero frágil». La actuación se transforma en una meditación sobre la explotación de la naturaleza. Los gritos de alegría se transforman en ira, las danzas se fracturan y el aire se llena de rabia. El escenario se convierte en un espacio de protesta y duelo, mientras los bailarines blanden y pisotean tótems para protestar por las consecuencias de la extracción de recursos y la avaricia.
Los trajes color tierra, confeccionados con materiales primarios y con drapeados holgados, armonizan a la perfección con los temas de la obra. El ritmo de la música marca el paso: una mezcla de tambores, guitarras y voces que une al conjunto en una sola entidad cohesionada.
Hacia el final, el narrador pregunta: "¿Hemos olvidado la armonía?". Ojalá nos hubieran permitido llegar a esa reflexión. Hay demasiados sermones en este espectáculo, que tiene un amplio potencial para transmitir su mensaje a través del movimiento.
El momento más radiante llega al final del espectáculo, cuando el elenco regresa al escenario y comienza a celebrar su actuación juntos. Su alegría espontánea revela lo que... Terrapolis ha estado intentando transmitir todo el tiempo: el poder de la conexión, el ritmo y el espíritu colectivo para sanar un mundo en problemas. — GB
Luisa Lecavalier, Danzas vagabundas
Teatro Vascello, 16.10.2025
Ícono de la danza canadiense Louise Le Cavalier continúa probando los límites del cuerpo y la imaginación con Danzas vagabundas, un solo de 60 minutos que es tanto un viaje a través del movimiento como un acto de resistencia.
El auditorio está solo a la mitad, pero se palpa la expectación. Entrando con una larga túnica negra con capucha, Lecavalier se quita las zapatillas de deporte frente al escenario y entra en un cuadrado de luz como un boxeador entrando al ring. Detrás de ella hay un fondo blanco pixelado que parpadea y se mueve como un organismo vivo.
La energía característica de Lecavalier se hace evidente de inmediato: su lenguaje figurativo en la danza es espasmódico pero fluido, controlado pero explosivo; es un pájaro, una mariposa, una tijera. Sus pies descalzos se deslizan de un lado a otro por la pista, mientras que los ángulos agudos y los gestos nerviosos de sus manos y brazos se fusionan, de alguna manera, en un todo elegante.
El ritmo implacable de la música la impulsa. La coreografía se vuelve más provocativa cuando se quita la capa para revelar una chaqueta bomber: es una marioneta movida por hilos invisibles, una raver perdida en trance, una mujer que lucha con su propia vitalidad. No podemos apartar la mirada de ella.
Hacia el final, la fatiga se hace notar. Lecavalier hace una pausa, respirando audiblemente: un momento excepcional y humano en una intérprete conocida por su físico sobrehumano. Aun así, sigue adelante, impulsada por un ritmo interior y el brillante pulso de su guitarra de acero.
Danzas vagabundas No es una obra para el público, sino un autorretrato crudo e hipnótico. Tras décadas de innovación, Lecavalier sigue planteándose preguntas y encontrando respuestas entre la danza y el vacío. — GB
Francesca Santamaría, SOLO BUENAS VIBRAS (el gran esfuerzo)
Mattatoio, 17.10.2025
El estreno nacional de Francesca Santamaría, SOLO BUENAS VIBRAS (el gran esfuerzo), el segundo capítulo de una trilogía, es un intento de preservar la individualidad dentro del flujo hiperactivo de información que define la vida contemporánea.
Rodeada de brillantes luces de escenario, la intérprete (la propia Santamaría) aparece como un avatar idealizado, brillando con un traje blanco, con caderas y brazos exagerados y un maquillaje deliberadamente artificial que recuerda a El aspecto de 'piel de cristal' de Pat McGrath.
El DJ, Juan Claudio Averoff Rico, alias Ramingo, actúa simultáneamente como estímulo y algoritmo, moldeando las reacciones de Santamaría. La música cambia abruptamente, de composiciones clásicas a clásicos de la cultura pop, de "Gangnam Style" a "Unstoppable" de Sia, lo que obliga a una adaptación constante. Cada tema activa un nuevo vocabulario de movimiento, mientras Santamaría interpreta innumerables tendencias, memes y fragmentos de la historia de la danza en rápida sucesión. La secuencia de la camiseta de Ramingo («feat. me as the algorithm», «un algoritmo con una mirada dominante») revela su papel controlador.
A medida que el ritmo de la música se acelera, la fachada brillante de Santamaría comienza a resquebrajarse, revelando una fatiga y resistencia audibles. Su colapso al final incita al DJ a "recargarla", convirtiendo el momento en una metáfora de la lógica consumista; su decisión de cantar es una breve afirmación de autonomía. Si bien la calidad del movimiento de Santamaría es precisa, su actuación a veces carece de convicción, desviando la atención hacia la figura más definida de Ramingo.
Presentado dentro de la plataforma Ultra REF, SOLO BUENAS VIBRAS (el gran esfuerzo) recuerda otras exploraciones contemporáneas de la cultura visual y la sobrecarga digital, como Parque de remolques Por Moritz Ostruschnjak, sin embargo, Santamaria se centra en la tensión entre la capacidad de respuesta mecánica y la vulnerabilidad humana. El cuerpo que construye, en constante respuesta a estímulos cambiantes, se convierte en una metáfora de la identidad inestable moldeada por las presiones tecnológicas, lo que plantea una pregunta final: ¿puede una persona seguir siendo ella misma en un mundo gobernado por algoritmos? — DA
Vittorio Pagani, SUPERESTELLA
Mattatoio, 18.10.2025
Cinco, seis, siete, ocho.
¿Qué elegirías si te preguntaran: la opción A, una Adidas sudadera con capucha, o la opción B, Adidas ¿Pantalones deportivos? Esta votación lúdica abre SUPERESTELLA por el bailarín y coreógrafo italiano Vittorio PaganiEl público vota por los pantalones: una decisión que determina su atuendo.
El escenario alberga cuatro pilas ordenadas de ropa, botellas de agua y accesorios. Las luces se apagan, suena una melodía y, desde la oscuridad, escuchamos a Pietro Angelini hablando de Federico Fellini. 8½"¿Podrías elegir una sola cosa, solo una, y ser fiel a ella?" En la pantalla proyectada, aparece una mano recibiendo una moneda, como si pagara por el espectáculo que está a punto de comenzar. Una multitud grabada ruge al ver destellos de un cuerpo desnudo en la pantalla. Se levanta, da unos pasos, corre, desaparece y, momentos después, emerge de entre bastidores al escenario.
Cinco, seis, siete, ocho.
A lo largo de la función, aparecen textos de Pagani y citas de Fellini. Aquí declara: «Quiero diseñar este espectáculo para que su sed se sacie, su hambre se sacie y sus aplausos se enciendan». Sus movimientos son precisos, sus poses evocan tanto la cultura pop como la iconografía renacentista. Su coreografía desarrolla motivos recurrentes que cambian de significado a medida que se desarrolla cada capítulo; por ejemplo, un gesto que evoca una estatua romana casi perfecta. «¿Les gustaría que fuera más brillante, más provocador, más poético, más innovador?», pregunta. «¿O preferirían que fuera un espacio meditativo para una conversación pacífica, donde el silencio habla más que las palabras?».
Progresa a través de secciones —Superdance, Superdark, Supervoice, Supernova—, vistiéndose y desvistiéndose para revelar identidades temporales. El lenguaje del movimiento, arraigado en la técnica del ballet, oscila entre la precisión y la vulnerabilidad. Los marcadores temporales proyectados —desde «5 minutos después» hasta «hace 4.54 millones de años»— explotan la sensación de un marco temporal, y Pagani dibuja el infinito con los pies, como si flotara en el cosmos. Un breve eco de Fellini. 8½ refuerza esta sensación de perpetuo reinicio.
En el clímax, Pagani se desviste lentamente, girando como una partícula a la deriva, y se deshace de los cuatro montones de ropa, despojándose de cada identidad acumulada. Al ponerse los pantalones mostrados al principio, vuelve a la pregunta inicial: ¿son sus decisiones autónomas o condicionadas por los sistemas que lo rodean? SUPERESTELLA surge como una meta-performance reflexiva en la que la creación, el cuerpo y el tiempo aparecen como estructuras inestables, continuamente reescritas mientras el artista busca un lugar de identidad dentro de un universo en constante cambio.
Cinco, seis, siete, ocho.
— DA
Matteo Sedda, Fóllame a ciegas
Mattatoio, 19.10.2025
Dos hombres, con pantalones cortos, camisetas y zapatillas negras, se encuentran en el centro del escenario, con la mirada fija al entrar en el teatro. Empiezan a moverse lentamente, trazando trayectorias circulares deliberadas, con la mirada fija en todo momento. El ritmo aumenta gradualmente a medida que la música se vuelve más fuerte y rápida, el círculo se expande y el tema de la persecución y la retirada se despliega, dejando sin resolver la cuestión de quién lidera y quién sigue. Esta es una pieza esencial para la puesta en escena circular.
El círculo de movimiento se expande, se cruza y se contrae a medida que los bailarines representan las complejidades de su relación: se silban y se escupen unos a otros; giran una y otra vez con sus brazos alrededor de los hombros del otro; sonríen y coquetean; colocan sus manos sobre las mejillas del otro con ternura; juegan a juegos de estrangulamiento y sacan la lengua en una artimaña de insinuación sexual.
Justo cuando nos acostumbramos a este ritmo, la música se ralentiza, el bajo se intensifica, las luces se atenúan y los bailarines se abrazan, sin dejar de moverse en círculo. Este es el momento más conmovedor de la pieza, que expone la vulnerabilidad de la intimidad y la necesidad ineludible de conexión física. Al final, giran juntos cada vez más rápido hasta convertirse en una imagen borrosa, un símbolo visual de unión.
Fóllame a ciegas Es una historia de intimidad humana condensada en gestos precisos, acentuada por diversos grados de proximidad física. Inspirada en la película autobiográfica, conmovedoramente honesta, de Derek Jarman. Azul , Matteo Sedda Dice que su objetivo es crear una experiencia hipnótica y lo consigue. Los recorridos deliberados y en órbita, y el contacto visual constante, crean una tensión que confiere a la pieza un impacto físico y psicológico sostenido. — GB
Para más información sobre Romaeuropa 2025, consulte también nuestro Reseña de NON+ULTRAS de Moritz Ostruchnjak