Tanztage 2026: Edición de cumpleaños

Este año, El tanztage de Berlín alcanzó un doble hito: celebró su 35º aniversario en medio de la 30ª temporada de su base de operaciones, SophiensaeleDurante más de tres décadas, el festival ha servido como un referente vital para la escena de danza independiente de la ciudad: una plataforma de lanzamiento para generaciones de coreógrafos berlineses y una fuente de fricción y asombro para su público.

A menudo considerado como un hermano más valiente y rebelde del festival Tanz im August, más refinado y versátil, Tanztage se ha visto recientemente obligado a lidiar con la dura realidad de los severos recortes presupuestarios. Para su séptima edición, el comisario Mateusz Szymanówka optó por la resiliencia en lugar del repliegue. Mantuvo el volumen habitual de nuevas producciones del festival, pero el cambio estético fue innegable: decorados despejados, equipos artísticos más compactos y ensayos cortos, de dos semanas, para las nuevas producciones. «Hacer más con menos», reza el viejo adagio neoliberal, y, apropiadamente, los medios de producción (in)materiales se convirtieron en el tema central de la temporada. ¿Qué se necesita para crear arte cuando se te acaba la energía? ¿Para bailar cuando se te acaba el dinero? ¿Para celebrar cuando se te acaba la mente? ¿O para ensayar cuando se te acaba el alquiler?EB

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Jee Chan, Ratu

En javanés, Ratu Denota autoridad absoluta: un título despojado de su "Reina" occidental de género y restaurado a sus raíces epicéneas. Esto sirve como catalizador para que Jee Chan y Naniek K. escenifiquen una doble manifestación de poder y memoria que se siente a la vez solemne y urgentemente de moda. Estructurada como cinco cuadros de pasarela sobre una pasarela triangular, la pieza colisiona máscaras ceremoniales, látigos y arcos con siluetas de alta costura, respaldadas por un trío en vivo que fusiona Gamelan con electrónica contundente. Naniek K., una bailarina de la corte de 81 años convertida en veterana de la pasarela, es el centro magnético. Oscilando entre la precisión clínica de una aprendiz de palacio y el chasquido agudo y rítmico de una modelo de Berlín Occidental, exuda una autoridad silenciosa y formidable: con los brazos en jarras, domina el espacio con la simple inclinación de su barbilla. A su lado, Chan se mueve a pasos largos y sin aliento en un contraste inquieto con el aplomo majestuoso de Naniek. Juntos, fusionan sus historias en un archivo viviente de movimiento, mezclando nostalgia con alegría.

Entre estas procesiones, la pareja se retira a un rincón acogedor e iluminado para ayudarse mutuamente con los cambios de vestuario. Si bien esta muestra de cariño mutuo deja al descubierto la estructura del espectáculo, estos tiernos intervalos persisten, enfriando momentáneamente el ritmo. Finalmente, Ratu Se desliza por sus historias como una piedra sobre el agua. Aunque la sobreabundancia de recursos multimedia (poesía, canto, imágenes de archivo y proyección de vídeo) a veces dispersa el enfoque, parece nacer de una generosa ambición por contar una historia demasiado vasta para el escenario. Y la pieza se siente como un fragmento fugaz de una conversación más amplia, quizás inasible, que termina justo cuando el público se entrega por completo.EB

Alvin Collantes, bibingka

No se puede negar que Alvin Collantes es un artista encantador. Es imposible no sentir la alegría contagiosa al presentar a su álter ego drag, Bibingka, moviendo el pecho, las caderas y una larga coleta mientras hace playback impecable al ritmo de una serie de vibrantes temas pop. 

Con el tiempo, las capas de Bibingka se despojan para revelar lo que se esconde tras su extravagante personalidad. En los descansos entre canciones, ofrecen monólogos confesionales sobre todo, desde el desamor hasta crecer como persona queer en Filipinas y sus experiencias como inmigrante en Canadá. Es especialmente conmovedor cuando Collantes hace playback de una canción de amor en tagalo, la primera que interpretaron como drag queen en su lengua materna. El mensaje que transmiten sobre cómo «no importa lo lejos que hayas estado, siempre puedes regresar a un lugar que llamaste hogar» sin duda resuena en muchos espectadores.

Sin embargo, a pesar de los destellos de identificación, bibingka Sigue arraigado en gran medida en la experiencia idiosincrásica de Collantes. Es una pieza que funciona mejor interpretada en casa (su relato de haber sido invitados a actuar en la noche rave queer berlinesa Lunchbox Candy provocó vítores cómplices de un sector del público) y, por momentos, resulta excesivamente autorreferencial. El solo final, aunque impresionante, prioriza la indulgencia introspectiva en las infinitas posibilidades de las extremidades lánguidas de Collantes por encima de mantener la conexión establecida con el público.

Sin embargo, los momentos de placer colectivo Collantes sí Generar no es algo que olvide fácilmente. Bibingka, animando al público a bailar al ritmo de una versión alemana de una canción filipina de los 90, mientras la sala estallaba en twerking sincronizado, fue sin duda uno de los momentos más destacados de mi Tanztage. —EM

Dominique McDougal y Carro Sharkey, Did4Luv 

Un foco naranja ilumina lentamente una silueta indistinguible. 'What I Did for Love' del famoso musical A Chorus Line Resuena conmovedoramente por el auditorio. La figura proyecta una sombra triste sobre el escenario. ¿Es un humano? Demasiado alto. ¿El Monstruo Comegalletas? Demasiado rojo. Es un artista disfrazado de Elmo.

Con la mirada vacía y la boca abierta, Elmo presenta una expresión cómica, pero sus movimientos cuentan una historia diferente. Alzando las manos en señal de rendición y encogidos tras una columna de metal, con una banda sonora cada vez más distorsionada, se preguntan: ¿quién o qué ha lastimado a este querido personaje? La danza, y el ecosistema que la rodea, parece ser la respuesta, mientras demuestran volteretas, breakdance, drag runs con ritmo jazzero y giros de cadera al estilo Fosse en un intento desesperado por entretener, cada movimiento como un recuerdo fragmentado de un concierto agotador. Sus esfuerzos culminan en una postura angustiada con los brazos abiertos, una súplica de un aplauso que nunca llega. 

Finalmente, el traje se quita para revelar a Carro Sharkey, quien continúa demostrando las eclécticas habilidades que ha adquirido para sobrevivir en la industria de la danza: desde impresionantes trucos de magia hasta acrobacias en pole dance. Hay momentos en los que se dirige directamente al público, cuando Sharkey inicia una pelea (¿preparada?) con un miembro del público que empuña un iPhone. Sin embargo, en general, Did4Luv Utiliza la misma forma de arte que critica para crear una exploración oportuna y tragicómica de lo que los artistas soportan por amor a su oficio. «Si hoy tuvieras que dejar de bailar, ¿cómo te sentirías?», repite una voz en off mientras Elmo/Sharkey se mueve, salta y tropieza por el escenario. Si este espectáculo sirve de inspiración, la respuesta podría ser el alivio. —EM

producciones de abajo hacia arriba e Isabela Fernandes Santana, O Que Resta do Fogo

Producciones de abajo hacia arriba, con sede en Berlín, funciona como un experimento curatorial de creación horizontal, invitando a una nueva coreógrafa para cada nueva obra. En esta ocasión, la invitada es Isabela Fernandes Santana, y el tema central es la quema de carbón, una premisa que, en su ejecución, ofrece un ejemplo clásico de vocabulario de movimiento de alto octanaje aplicado a una historia de escasa ambición. Tres bailarines despliegan implacablemente un manual de gestos interpretativos: amontonan, tiran y jalan pilas invisibles de leña, sacos de carbón y montones de cenizas. Soplan, silban, hacen muecas y se contorsionan; se arrastran, cargan y arrastran por el escenario con la firme determinación de los trabajadores. No hay respiro ni siquiera cuando el movimiento se vuelve más abstracto y menos frenético. Cuando se les deja solos, prácticamente nunca se muestran inquietos, sacudiéndose, retorciéndose, inclinándose y arrastrándose por una densa maraña de coreografía. Sin embargo, las referencias vagas al trabajo manual difícilmente pueden sostener un arco narrativo, y mucho menos construir un espacio emocional. Y la obra pierde su agarre y su enfoque casi tan pronto como los establece. 

Si bien las habilidades de los bailarines son incuestionables, su intención no lo es, y no pude evitar la persistente sensación de que los movimientos incesantes no se adhieren a los cuerpos que los interpretan. Es como si la coreografía de Santana solo rozara la piel de los bailarines en lugar de emanar de su esencia. Esta extraña brecha entre el esfuerzo y la esencia se siente irreflexiva y desconectada, y en última instancia crea una distancia que ni siquiera la última mitad del espectáculo, más tranquila y reflexiva, logra salvar.EB

PELUSIA, Buda Psicótico

Actuaciones participativas como Buda Psicótico Puede inducir al escepticismo. Yo mismo me resisto a levantarme de mi asiento junto a la caja de cerveza cuando, tras repartir pipas de girasol y calabaza y narrar una lista de recuerdos futuros («Recuerdo cuando escuche tus opiniones políticas y me decepcionen…»), el artista Mateo Argerich invita al público a deambular y recitar nuestros propios recuerdos imaginarios. Sin embargo, es sorprendentemente liberador. El murmullo de otros murmurando para sí mismos me tranquiliza al saber que no soy el centro de atención, y juguetear con mi pipa como si fuera un rosario es una distracción meditativa para despejar las ansiedades persistentes.

Tareas como esta se intercalan con secciones de movimientos solistas de Argerich. Palmas suplicantes, saltos folclóricos y zapateados desafiantes se realizan de forma libre e improvisada, como si emergieran de lo más profundo. De esta forma, Argerich se consolida como una presencia serena pero segura, creando un espacio seguro para que el público participe en actividades cada vez más intensas. No faltan personas que corren a gritar, rapear y gemir lo que les incomoda ante los micrófonos cuando se les invita, sus voces se superponen en un paisaje sonoro cacofónico. Y cuando Argerich dirige al público en un coro de rondas, la mayoría de los participantes se apegan fielmente a los mantras melódicos prescritos por su grupo, incluso cuando se les deja a su suerte.

En una época en la que apenas nos miramos a los ojos, es notable que Argerich logre conectar tan intensamente a un grupo de desconocidos en tan solo 60 minutos, una hazaña mucho más poderosa que su largo discurso de clausura sobre compartir, colectividad y revolución. Sin prescribir exactamente por qué deberíamos alzar la voz, Buda Psicótico nos proporciona las herramientas para hacerlo cuando lo elijamos. —EM

Dominique Tegho, la intimidad de la colisión

El último trabajo de Dominique Tegho se ha convertido en una clara piedra angular del Tanztage de este año. Junto a Anthony Nakhlé, Tegho disecciona la mirada orientalista occidental sobre las danzas folclóricas de Oriente Medio y despoja a las... dabke y baladasFormas de danza frecuentemente desplazadas por la exotización decorativa. La vibrante estructura del espectáculo respira a través de bucles de flujo y reflujo, con el apoyo de la voz y la poesía de Tegho. El baladi de Nakhlé es una clase magistral de gravedad interna; su torso ondula con una gracia imponente, mientras que complejos aislamientos de cadera y barridos de brazos sumergen al público en un trance rítmico. Justo cuando uno se deja llevar por esta fluidez, el éxtasis se ve fracturado por la energía staccato del dabke, que emerge como una marea distante hasta que finalmente crece y satura el espacio. Los bailarines ahora se mueven con los codos bloqueados, dibujando amplios patrones en forma de ocho, pisando fuerte, rebotando y brincando con una precisión matemática que nunca eclipsa su alegría. 

La actuación da un giro audaz cuando una "Danza de los Siete Velos" generada por IA, el cliché erotizado por excelencia, aparece en la pared. Se neutraliza con el vídeo superpuesto de la drag queen berlinesa Hassandra comiendo fruta con total indiferencia, un gesto que desestabiliza la mirada masculina con total indiferencia. Cuando Hassandra también sube al escenario, lo que comienza como un ejercicio visceral de ululación (una técnica vocal que a menudo malinterpreta el oído occidental, que confunde con demasiada facilidad la intensidad con el dolor y el trauma) evoluciona rápidamente hacia la energía cruda de un concierto de rock. Tegho termina incendiando lo "folclórico" en una desenfrenada reivindicación de la identidad: una crítica inquietante y alegre, expresada con autoridad y estilo.EB

Colleen Ndemeh Fitzgerald, Quiero venganza, abuela 

Colleen Ndemeh Fitzgerald evidentemente quiere enviar un mensaje claro a la audiencia predominantemente blanca de Quiero venganza, abuelaSin embargo, en lugar de dirigirse directamente a nosotros, lo expresa a través de una conversación imaginaria con uno de sus antepasados ​​kpelle (el grupo étnico más numeroso de Liberia). "¿Recuerdas cuando [las compañías mineras alemanas] esclavizaron a los africanos en su propia tierra, abuela?", pregunta, con una cadencia rítmica y apasionada. Se golpea el pecho con las manos y extrae tierra de un montículo central, separando los dedos y dejando que los gránulos se deslicen como arena en un reloj de arena. "¿Te imaginaste envolviendo tus dedos arrugados alrededor del cuello del hombre blanco cuando viste lo que le hizo a la montaña?", continúa, simulando una estrangulación con una fuerza desconcertante.

Aunque Fitzgerald insinúa que con gusto estrangularía a los miembros del público vinculados con la historia colonial alemana en Liberia, el efecto de su actuación es menos miedo que comprensión y reflexión. Al enmarcar hábilmente su discurso como una efusión privada en lugar de una reprimenda directa, es más probable que los espectadores comprendan por qué no "quiere ser la persona más importante", especialmente después de ver imágenes de archivo de la extracción intensiva de mineral de hierro por parte de la Compañía Minera Bong en la década de 1960, de la lujosa vida blanca en Liberia y de artefactos africanos que ahora se exhiben en museos de Berlín.

Más tarde, Fitzgerald modera su ira, nos invita a todos a subir al escenario y realiza una danza kpelle con ondulaciones de torso, brazos ondulantes y encogimientos de hombros al ritmo de un tamborileo rápido. Su mandíbula se contrae y sus cejas se alzan, ¿quizás una expresión de frustración contenida? Para concluir, explica con neutralidad que la forma más directa de expiación por los crímenes que ha detallado es pagar reparaciones, pidiendo a quienes más se han beneficiado del colonialismo que recojan dinero de sus bolsas y lo entierren en el montículo de tierra. Es una hermosa sugerencia: el gesto simbólico de devolver valor a la tierra, un reconocimiento de que no solo las personas, sino también la naturaleza, sufren bajo la colonización.

Sigue un breve e incómodo silencio y quietud. ¿Acaso el público, que hasta ahora ha asentido, pondrá en práctica sus palabras? Tras segundos que parecen horas, la mayoría lo hacemos. La disposición a expiar es testimonio del viaje lleno de matices que Fitzgerald nos ha llevado a recorrer.EM

Pamela Moraga, Gig

De Pamela Moraga Gig Predica a los convencidos. Se oyen murmullos y risitas tristes de reconocimiento entre el público mientras detalla las dificultades de trabajar como artista de danza independiente en Berlín, dirigiéndose directamente a nosotros en un tono cada vez más desesperado sobre los intensos procesos de solicitud, los recortes de financiación y los numerosos trabajos secundarios que mantiene para financiar su carrera artística. «Solo quería bailar», se lamenta Moraga, protestando contra una voz computarizada que le ordena dictar su biografía y declaración artística en 1500 caracteres o menos. Sorprende, entonces, que a pesar de tener el escenario para hacerlo, no aproveche la oportunidad de «simplemente bailar» en Tanztage, priorizando en cambio el texto expositivo sobre el lenguaje matizado del movimiento. 

Hay algunas secciones centradas en la danza, aunque carecen de una exploración física profunda. Moraga ejecuta ejercicios de ballet clásico y lanza puñetazos a la Rocky tema, como preparándose para una batalla contra la burocracia artística alemana. Finalmente, cede ante una voz en off que la insta a explotar el sabor de su herencia chilena fusionando el reguetón con la danza contemporánea. Esta crítica a la exotización y la mercantilización de la identidad es posiblemente la parte más convincente de GigSin embargo, mientras el público grita, aplaude y filma su solo final de movimientos de cadera exagerados, caricias sensuales y mordiscos de lengua, se siente como una dolorosa confirmación de los miedos de Moraga. Está interpretando el estereotipo que le han dicho que la gente quiere, y lo están disfrutando. —EM

Elena Francalanci, Lento Violento

Escribir sobre danza ofrece el dulce y peligroso privilegio de ser completamente subjetivo. En el Tanztage de este año, ha habido espectáculos más divertidos, más agudos y con un ritmo más preciso o una trama más ambiciosa. Pero Elena Francalanci... Lento Violento Fue el único que pasó por alto mi cerebro analítico por completo y me envió un escalofrío por toda la columna.

Junto a Eva Dziarnowska, y con la banda sonora minimalista y sentimental de Andrea Bambini, Francalanci explora la confusa fricción del deseo. Juntos, dibujan los ciclos privados y públicos de una pareja: los celos, la admiración desigual, el anhelo a distancia, los momentos eufóricos en solitario y los giros amorosos a sangre fría. Todo está ahí: los muchos abrazos, los besos robados y la energía nebulosa de una noche de fiesta. Pero ¿por qué esta obra cinematográfica en espiral impactó tanto?

¿Fue la rareza de ver? suavizar ¿Y otra pareja baila de vuelta en un escenario contemporáneo? ¿Fue el magnetismo peligrosamente atractivo de los artistas: la picardía brillante de Francalanci chocando con el coqueteo reservado y enroscado de Dziarnowska? ¿Fue el repentino auge de "I'm Not In Love" de 10cc? ¿Fue esa impactante imagen de la pareja brincando sobre una rampa de madera (¿quizás la cima de un tejado?) proyectando sombras gigantescas, al estilo de Fellini, contra las paredes del teatro? ¿Fue el último y prolongado baile lento con un melancólico pulso de EDM, mientras la pareja se deslizaba bajo los focos y compartía delicados besos en los hombros antes de desaparecer bajo la silueta de neón de una iglesia? Quizás fue la forma en que la calculada narrativa del espectáculo colisionó con la calidez pura que exudaban los dos bailarines. Lo que es seguro es que Lento Violento Se sintió como un abrazo cálido y torpe: uno de esos momentos mágicos donde la danza logra decir exactamente lo que las palabras no pueden.EB

Pooyesh Frozandeh, Salvando flores

Hay una honestidad inusual y misteriosa en el breve solo de Pooyesh Frozandeh para Kiana Rezvani, donde cada gesto silencioso parece arrancado de un territorio privado y personal: una partitura que les sienta como una segunda piel. Bajo una escultura ondulante de papel blanco, una estructura que recuerda a un techo derrumbado o a una nube pulverizada, Rezvani comienza confesando su ceguera: «Miré hacia arriba. Perdí la vista». Y lo que sigue se siente menos como una danza o un poema que como una excavación meticulosa de fragmentos y fragmentos de la memoria. 

La presencia escénica de Rezvani es imponente pero a la vez porosa. No se limitan a ocupar el espacio; lo exploran, lo exploran y lo interrogan. «Pero la casa es infinita», dicen, mientras sus dedos trazan y acarician sin cesar los contornos fantasmales de una casa descrita en el poema, moldeando el vacío hasta que el aire mismo adquiere el peso de su dolor. Hay una melancolía vibrante destilada en los cautelosos y precisos movimientos de los brazos de la bailarina, así como en sus inquietos y entrecortados pasos y sacudidas: esta búsqueda parece condenada al fracaso, pero sigue siendo desesperadamente urgente. La propia arquitectura se une al espectáculo. Las luces giran hacia arriba, recorriendo el techo agrietado y el balcón desvencijado de la Sophiensaele, hasta que fisuras coloridas comienzan a sangrar por las paredes y el cielo de papel, como una mente que se resquebraja bajo la presión de su propia historia. La conclusión es una misericordia fría y dramática. Mientras Rezvani se arrastra por el espacio, la escultura de papel blanco cae sobre ellos como un sudario, como si sellara su confusión. El paisaje de la memoria se cierra, dejando un silencio largo y pesado que es plenamente merecido.EB