Festival Antiestático 2026

'Somos la Generación D(ance)' fue el lema de la 19ª edición de Festival antiestático, Un festival internacional de danza y performance contemporánea que se celebra anualmente en Sofía durante la primavera. Iniciado en 2008 por tres amigos, los artistas Iva Sveshtarova, Willy Prager y Stephan Shtereff, con el objetivo de promover y desarrollar la danza contemporánea en la región de los Balcanes, con el paso de los años se ha convertido en un referente para los amantes de la danza contemporánea en la capital y en los Balcanes. Desde 2018, incluye una muestra bienal de obras de artistas locales, denominada Plataforma de Danza Búlgara. Cuando me mudé a Sofía ese año, participé en el festival como voluntario y lo he seguido desde entonces. Aquí les presento una selección de obras de la edición de este año.

El pasado en el presente

A pesar de ser un festival Gen D(ance), presente en videos de TikTok e imágenes de Instagram como la Generación Z, Antistatic no descuidó sus raíces fundacionales y dedicó su apertura a recrear una obra de 1997, Una historia interminable. Creadas La pieza, creada por Galina Borissova, una de las coreógrafas más importantes de la historia de la danza contemporánea búlgara, fue reconstruida como parte del proyecto de investigación y archivo. Mapa de bailey fue interpretada por Nelly Georgieva, Silvia Cherneva y Daniel Kearns.

Vestidos con elegantes atuendos de antaño, los bailarines trotan, juegan a las escondidas, fuman un cigarrillo o nos ofrecen dulces en una acogedora sala de estar de estilo retro, transportándonos a un pasado que no vivimos pero que añoramos. La amistad femenina parece surgir de los lúdicos dúos de mujeres, mientras que los de hombre y mujer sugieren una relación más conflictiva. En el dúo de tango, por ejemplo, el acordeón entre ellos y sus intrincados pasos parecen objetivar los obstáculos ineludibles que enfrenta una pareja, mientras que las bellas y sensuales poses que adoptan sugieren un camino hacia el compromiso y la confianza. Un manojo de llaves, botellas de vidrio y una barra de pan son utilizados brevemente por los intérpretes, sin ninguna relación evidente con sus acciones.

¿Acaso el público de los 90 percibía sus exhalaciones recurrentes o sus gestos de señalarse la pelvis como vanguardistas? ¿O les resultaba más inquietante la ambigüedad del tema? Quizás, como a mí, les cautivó principalmente el deseo de los bailarines de dejarse llevar, divertirse y compartir una velada con nosotros. 

Aún en la estela de la nostalgia, el solo de Ruth Childs fantasía Nos introduce en su mundo infantil utilizando música clásica —que escuchó extensamente con su familia durante su infancia— como si fueran "éxitos pop", como declaró en la charla posterior al espectáculo. Sobre un suelo blanco minimalista, vestida con camisetas y pelucas de colores lisos, Childs juega con famosas partituras clásicas, a veces simplemente bailando al ritmo de ellas, otras veces desmantelando y reensamblando activamente las frases musicales como si estuviera armando un rompecabezas. Por ejemplo, renuncia al movimiento para simplemente golpear el ritmo con los dedos en el suelo al compás de grandiosas sinfonías, o activa notas distorsionadas de la Cascanueces tirando de su camisa, exhalando o estornudando, convirtiéndose así en un instrumento ella misma.. Sus poses evocan imágenes de cangrejos, caballos o bajorrelieves egipcios, mientras que la repetición de ciertos gestos, como el giro rítmico de su cabeza, recuerda en parte las coreografías posmodernas de su tía, Lucinda Childs. Sin embargo, esta repetición deja espacio para la calidez y la ironía, haciendo que la obra de Ruth sea evocadora, accesible, divertida y bella.

Conjuntos de obras

Otro conjunto de obras se centró en el cuerpo, las dinámicas de poder y la crítica del capitalismo. Cuerpo de trabajo, del artista con discapacidad física Michael Turinsky, residente en Viena, se inspira en el político y periodista marxista Antonio Gramsci y en el poema que Pier Paolo Pasolini le dedicó, Las cenizas de Gramsci. 

Turinsky, vestido con un uniforme de obrero, monta un escenario transportando mesas cuadradas al centro de la sala en un carro de gran capacidad, antes de comenzar su concierto con la energía de una estrella del rock. Sus canciones están llenas de juegos de palabras («Estoy creando, me duele», «Estás solo, estás en casa») y abordan la discapacidad, la lógica de productividad del capitalismo y la necesidad de derechos sociales y solidaridad. Las personas con discapacidad, dice, suelen tener un ritmo más lento. Esto se aprecia en la actuación: le lleva tiempo (y esfuerzo físico) preparar el escenario, agradecer y aplaudir a todos sus colaboradores o taladrar un bloque de mármol. Aprendemos a bajar el ritmo, a aceptar la vulnerabilidad y a reconocer que esto no entra en conflicto con el cumplimiento del trabajo. A través del trabajo manual de Turinsky, realizado con esmero y una sonrisa, podemos encontrar ecos de la filosofía de Gramsci: la fábrica no es necesariamente un lugar de alienación, sino principalmente una escuela donde cultivar una conciencia colectiva contra el capitalismo. 

Cuando me empieza a doler la espalda tras media hora sentada en el suelo, pienso en las dificultades que pueden encontrar las personas con discapacidad al asistir a eventos. Pero al estar allí, también vivo una experiencia multisensorial: además de ver el humo, siento su frío en la piel y su olor; percibo las vibraciones del bajo no solo con los oídos, sino con todo el cuerpo. Reflexiono sobre el nivel de accesibilidad de los espectáculos y el poco espacio que se dedica a este tema en Bulgaria. 

Como italiano que estudió en Bolonia, donde Pasolini nació y también estudió, me conmovió profundamente la grabación de su lectura. Escenas de GramsciSe encuentra frente a la tumba de Gramsci en Roma y se dirige directamente a él y a su pensamiento. Fue como un soplo de esperanza: la certeza de que sus ideas sobre justicia social, educación y arte siguen vigentes, vivas a través de la extraordinaria interpretación de Turinsky y de nuestras propias piernas. 

En contraste, en Movimientos no autorizados De la mano del coreógrafo rumano Mihai Mihalcea, el trabajo en la fábrica se describe como un mecanismo científico cuyo único objetivo es la eficiencia. La actriz y cocreadora Mara Bugarin toma el micrófono y relata con entusiasmo la historia de un consultor de gestión estadounidense. frederick taylor y sus innovaciones, pero algunos fallos en sus movimientos revelan una contradicción interna. Señala su corazón mientras habla de su brazo, o hace preguntas inapropiadas que luego retracta, sugiriendo que el cuerpo obediente que mantenemos constantemente bajo control anhela la libertad de expresión, quiere realizar movimientos no autorizados. Con la ayuda de un proyector de vídeo, continúa su viaje hacia el control corporal a través de la historia de la biometría, el reconocimiento facial por IA y, en última instancia, los osos rumanos. Mientras tanto, cambia de vestuario, acento y lenguaje corporal, adaptándose, como el capitalismo, a diferentes contextos, o conformándose a las reglas no escritas que la sociedad nos exige. A pesar de las extraordinarias habilidades interpretativas de Bugarin, la cantidad de texto puede resultar abrumadora. No obstante, la actuación logra estimular la reflexión sobre cómo permanecer libres y resistir un mundo que continúa empujándonos hacia la estandarización y nuevas y sutiles formas de control.

Dos representaciones búlgaras también abordan estos temas. poesía confesional cruda, de Galina Borissova, es un concierto-performance interpretado por ella misma, los músicos de rock Martian Tabakov y Martin Penev de la banda KAKE, y las actrices Nevena Kaludova y Elena Dimitrova. La yuxtaposición puede ser difícil de manejar para un crítico: ¿qué debo elegir entre las muchas frases absurdas, las enérgicas canciones de rock y las situaciones divertidas que vi para dar una idea de esta obra? Decidí prudentemente comenzar desde el principio. Mientras esperamos en el vestíbulo, los intérpretes, vestidos de médicos, se acercan a algunos de nosotros para preguntar sobre nuestros problemas de salud, si tenemos seguro médico nacional y escriben nuestros nombres en sus registros. Una vez que entramos en la sala, nuestros diagnósticos poco convencionales se leen en voz alta: prejuicio social, pensamiento pesimista, rechazo de la realidad, falta de integridad moral… El búlgaro se traduce al inglés, pero como los médicos hablan a la vez, no podemos entenderlo todo y nos quedamos un poco perdidos, o mejor dicho, divertidamente confundidos por la traducción. Este boceto inicial, cuyo escenario recuerda realmente a un pequeño y desorganizado consultorio médico búlgaro, parece ilustrar el estado de ánimo de la actuación: no se preocupen si no lo entienden todo, ya hemos renunciado a comprender. De manera similar a los fallos de Bugarin en Movimientos no autorizadosLas acciones físicas a menudo subvierten irónicamente el texto hablado, como cuando las actrices empujan pesados ​​bloques con la espalda en una posición antinaturalmente paralela al suelo y dicen: «No nos gustan las posiciones incómodas». El mundo en que vivimos está, sin duda, lleno de contradicciones. Me pregunto si me estoy perdiendo algo al no poder recordar ni procesar todos los conceptos expresados ​​verbalmente, o al no poder conectar lógicamente todas las acciones en escena. Sin embargo, encuentro consuelo en la afirmación: «El posmodernismo es responsable de todo». Esta avalancha de contenido disperso y desconcertante a veces resulta aburrida, pero la mayor parte del tiempo, el compromiso absoluto de los intérpretes con el absurdo —en rutinas médicas, música, danza o traducción— mantiene la representación a la vez atractiva y coherente. 

Cuerpos de poderLa obra, de Iva Sveshtarova y Willy Prager, quienes comparten escenario con Daniel Denev, Violeta Vitanova y Vasilia Drebova, disecciona la dinámica del poder aplicándola directamente al público. Como gobernantes déspotas, Sveshtarova y Prager se sientan principalmente a la derecha del escenario y dirigen las acciones de los demás escribiendo en portátiles instrucciones en tiempo real que se proyectan en las paredes. En la sección inicial, Vitanova y Denev persuaden a dos espectadores para que suban al escenario y participen en una danza bastante estática, pero extática, cuyo movimiento principal es el suave balanceo de hojas doradas y abanicos. La coreografía, sencilla pero impactante, adquiere un giro cómico cuando el deleite extremo de Vitanova se asemeja a un orgasmo. Que nos digan qué hacer, cómo comportarnos y qué nos debe gustar puede ser más tentador de lo que solemos pensar: nos libera de las cargas de la elección, la responsabilidad y el pensamiento crítico. En esta representación, el texto, a veces difícil de seguir, cumple la importante función de presentar el poder como un cáncer que se expande gradualmente, como una misión que deben cumplir los elegidos, como un juego de control. Pero, una vez más, es a través del cuerpo que sentimos la naturaleza manipuladora del poder: se invita a los espectadores al escenario con ofertas tentadoras, donde la humillación se vende como un juego deseable, las fiestas de striptease como un privilegio y la explotación como una recompensa. Si bien no podemos evitar reírnos en la escena final, la representación no concluye con ningún consejo o mensaje positivo: depende de nosotros estar vigilantes y no sucumbir a los insidiosos engaños del poder. 

Tiempo triple

Continuando con la selección de la Plataforma de Danza Búlgara, Si Afrodita fuera un monstruo y Felices juntos – Infelices juntos Ambas obras presentan un trío femenino en escena. En la primera, la coreógrafa Iva Sveshtarova, junto con Vasilia Drebova y Ana Petkova, vestidas con trajes cortos rosas y dorados, encarnan figuras mitológicas griegas y criaturas grotescas, desafiando los estereotipos de la feminidad y el simbolismo tradicional de los personajes clásicos. La belleza de estas Afroditas modernas, con sonrisas asimétricas pintadas en sus rostros, recuerda más a una pintura de Picasso que a una estatua griega de proporciones perfectas. Sus caderas ondulantes, su mirada juguetona y sus gemidos profundos, casi violentos, dejan claro que no son objetos de deseo gráciles y pasivos. Son diosas del amor que disfrutan divirtiéndose, ansían el placer y lo obtienen sin violar a otros humanos. Se metamorfosean fluidamente en criaturas no humanas al inclinarse hacia adelante, sostener sus cabezas boca abajo entre sus piernas y escupir bolas, o al dibujar ojos en las nalgas de Sveshtarova, transformándola en una sensual Medusa. La escenografía desempeña un papel especial: a lo largo de la representación, una espesa capa de pintura gotea del cuadro que cuelga del techo, y nuestras ideas preconcebidas sobre Medusa y Afrodita se disuelven con ella. 

Felices juntos – Infelices juntos Es un ejemplo singular de una obra de danza contemporánea narrativa, y tiene el mérito de reunir en escena a profesionales de la danza de diferentes edades y procedencias: Teodora Popova, autora de esta obra, y Mila Iskrenova son coreógrafas de danza contemporánea consagradas, mientras que Yasmina Rade es una joven bailarina de ballet. Narrado por la voz de Svezhen Mladenov, este cuento de hadas moderno narra la historia de tres amigas que se reúnen una tarde para preparar brownies de chocolate. A pesar de sus diferencias de carácter, las tres mujeres disfrutan pasando tiempo juntas cocinando, bailando, vistiéndose con ropa del sexo opuesto y, sobre todo, intentando descifrar si son felices juntas o no. El ambiente acogedor de la cocina, realzado por el aroma a chocolate que inunda la habitación, y las acciones y temas cotidianos que abordan las tres mujeres, nos invitan a reflexionar sobre el valor de las pequeñas cosas y la importancia de la amistad, con algunos clichés, pero sin adornos de cuento de hadas. Terminamos preguntándonos: ¿acaso nosotras también sentimos una especie de melancolía al sacar un pastel del horno, porque un proceso exitoso ha llegado a su fin? ¿Tiene una vida artística más sentido que una vida no artística? ¿Qué nos hace felices o infelices juntos? ●