ARC para la Danza El festival celebra su 17.ª edición, consolidándose indiscutiblemente como una institución cultural ateniense. Su programa, que se extiende a lo largo de dos semanas, abarca espectáculos de diversa índole e interés, desde representaciones al aire libre en el marco de «Arc Hood» hasta presentaciones en estudio y «Prime Movers», una sección dedicada a la experimentación coreográfica de artistas de la danza emergentes. ARC siempre ha mantenido un enfoque itinerante en la ciudad, ocupando distintos teatros y centrándose en barrios que suelen estar poco representados en el panorama de la danza urbana. «Arc» es, al fin y al cabo, una palabra que evoca trayectorias, puentes y la fusión de diversos medios, estilos y gustos. A continuación, una selección personal, aunque no exhaustiva, de obras que ilustran a ARC como un marco curatorial festivo y armonioso para la danza, a pesar de su título temático: «Rupturas».
No puedo decir si el rostro aún podría ser visto como un espejo de nuestras almas, pero para el dúo Los ídolos (Lise Messina y Chandra Grangean), el rostro es indudablemente un lienzo con el que jugar, para explorar la inagotable variedad de expresiones faciales, para intentar una especie de "excavación" dérmica con el fin de revelar la plasticidad de su superficie. Los dos intérpretes permanecen inmóviles en el centro del escenario. Sus torsos ligeramente inclinados y sus rostros mirando hacia afuera; visten jeans, pelucas rubias y lápiz labial rojo brillante. Se parecen un poco a los personajes imaginarios y fuera de la red de Cindy Sherman, su mirada dispersa y casi monstruosa, acentuada por el ruido blanco. Todo en Revestir de nuevo Se trata de gestos sutiles y texturas faciales, y no tanto de una expresividad exagerada: las pelucas se convierten en cachorros, los labios carnosos son devorados, una nariz es exfoliada hasta el punto de preguntarse cuánto queda debajo, y todo esto mientras desfilan rostros poco familiares. En este carrusel de personajes, las expresiones faciales se moldean en segundos, las prótesis aparecen y desaparecen, máscaras indígenas, gárgolas y rostros medievales desfilan ante tus ojos.
Apagado, apagado por y con Despina Sanida-Krezia tiene un aire subterráneo y callejero. Un corredor de luz atraviesa la oscuridad y un personaje de anime con rasgos felinos baja las escaleras. Lleva un casco, un bate de cricket metálico, una keffiyeh, su aspecto peculiar cargado de ambigüedad: la ternura y la sensualidad felina se transforman en la ferocidad de un b-boy una vez que se quita el tocado, el pecho se expande y los brazos gesticulan desenfrenadamente al ritmo de la música. "Todos los ojos en mí", le oímos decir, la frase evoca inequívocamente los gritos antibélicos por los territorios palestinos ocupados, y como en la vida real, perdido en el flujo constante de imágenes violentas y noticias desalentadoras, Sanida-Krezia ahora lucha físicamente con una sobreabundancia de referencias y estilos. Atrapado entre la falsedad y la realidad, corre con los brazos señalando la victoria como un anotador, usa el bate como una guitarra mostrando un poco de cansancio grunge, hace que cada acción física sea una mezcla de emociones conflictivas; Caen y se levantan, no necesariamente como un fénix, sino más bien como un puño furioso alzado al cielo. Tan nauseabundas como resultan las referencias intermitentes en el mundo virtual cuando nos perdemos en la navegación por noticias negativas, parecen tener un efecto similar en el escenario, dejando al final una sensación de vacío. La actuación registra esta inquietante y juguetona facilidad para intercambiar estados de ánimo, pero «off» puede interpretarse, en última instancia, como algo más evasivo, careciendo de la cualidad sostenida y cautivadora de «mantenerse firme».
Armado by Ginevra Panzetti y Enrico Ticconi para la Compañía de Danza Contemporánea Estudio Croata, explora el aspecto bifronte de la disciplina coreográfica: desde la agencia individual y la autoexpresión hasta la danza como ornamento de masas y supresión encarnada. Como el reflejo de las palabras, arme (armas) y alarmaEn esta pieza, los patrones de movimiento mutan o se transforman de manera inquietante en híbridos inesperados, creando una red de connotaciones históricamente persistentes. Una mujer entra al escenario con una linterna. Pronto le seguirán otras, creando gradualmente un meandro de trayectorias entre los miembros de este peculiar sexteto, convirtiendo este juego de luces y sombras en una secuencia de patrullaje. Diferentes ritmos se capturan en esta manipulación manual de la luz, con potentes haces que dirigen nuestra mirada hacia superficies, ángulos ocultos y, ocasionalmente, rostros angustiados. La ritmicidad aquí no solo busca solidificar la coherencia del grupo, sino también intensificar su presencia amenazante hacia el público: la vestimenta y los tipos de cuerpo connotan uniformidad en lugar de singularidad. Las expresiones faciales son estrictamente limitadas, las miradas escudriñan el espacio con tenacidad mordaz, y el dominio del grupo se afirma mediante la coordinación y la rigidez. Pero a veces, su marcha bélica se interrumpe, como si esta falange de cuerpos humanos fuera penetrada por la vulnerabilidad, exponiendo el esfuerzo de mantener unido el espacio. ¿Cuándo se disfraza la defensa de poder, imponiendo la violencia bajo la amenaza de un posible ataque? A veces, las linternas se dirigen hacia adentro para revelar una piedad instantánea, un destello de solidaridad femenina antes de que su llamado al deber, conciso y contundente, las devuelva a la acción.
El entramado del espacio, a medida que la pieza evoluciona y muta, se entrelaza con otras referencias: una multitud que vitorea, una danza folclórica, un sonido palpitante y ensordecedor como en un concierto de metal, claqué, patadas al estilo jazz, pero también las feroces patadas de los agresores; las imágenes aparecen y desaparecen bajo la luz teñida de sangre de una estrella moribunda. Impulsados por la urgencia de seguir el ritmo seductor, los bailarines escapan momentáneamente a una toma desenfrenada, pero el mal se filtra de nuevo, confirmando su banalidad. ArmadoCon su estilo pop que se derrite, donde las referencias se entrecruzan y se superponen, crea una vertiginosa mise en abyme y, en última instancia, parece arrojar más luz sobre nuestra afasia colectiva: dar vueltas sobre un tema varias veces sin siquiera intentar una salida imaginaria. Al menos a mi parecer, esta constante oscilación entre la vaguedad lúdica y la sugerente profundidad crea una especie de retiro contemplativo, como si se pusieran en pausa asuntos de alarmante importancia antes de sucumbir de nuevo a la oscuridad.
Súper-A by Sofía Mavragani Es una actuación en solitario basada en la teogonía de la diosa Atenea, "una ruptura en la dominación masculina", como lo describe la nota del programa, que lamentablemente no cumple con las expectativas. Una pasarela blanca con una gran pantalla de fondo le da un aire de moda o concierto; la intérprete (Maria Vourou), vestida con mallas negras de ciclista y una sudadera corta, entra de espaldas al público mientras se convierte en una figura escultural, iluminada por luces estroboscópicas plateadas y ritmos de alto voltaje. La entrada pseudomisteriosa se resuelve cuando el ritmo alegre de la música electrónica coincide con una especie de secuencia aeróbica, saltos, sentadillas y manos levantadas como para animar a los seguidores de su culto. Aunque Vourou se esfuerza por llevar la energía a un nivel que podría despertar un fanatismo desmedido —o tal vez al menos animarse a sí misma con este ejercicio cardiovascular olímpico—, se encuentra desprotegida en una batalla contra los efectos de iluminación y la música electrizante. El flashmob de 30 segundos de bailarines que surgen del público para imitar una escena rave no solo puede ser súper vergonzoso, sino que también puede resultar ridículo. Súper-A Super-C (cliché) y nos deja preguntándonos sobre la sabiduría de Atenea, si no la del coreógrafo.
Afortunadamente, todavía existen piezas de danza que ensalzan el cuerpo como un templo; no se limitan a embellecerlo o a venerarlo ciegamente, sino que convierten sus ricas y contrastantes experiencias en el adorno sensorial de un espectáculo. Cuando el sangrado se detiene by Lovísa Ósk Gunnarsdóttir es uno de esos casos, un híbrido de conferencia-performance y muestra sobre la alegría colectiva olvidada. La primera mitad es autobiográfica, centrada en la relación de la coreógrafa con la danza, una línea de tiempo con la que es fácil identificarse, adornada con momentos de anticipación (el comienzo de la carrera de danza), de realización (la certeza de haber llegado tan lejos), de la pausa existencial de la mediana edad (qué vas a hacer cuando dejes de bailar), de preguntas demasiado vividas sobre lesiones, abstinencia, placer y, por último, pero no menos importante, el estigma. Gunnarsdóttir es una narradora genuina y tierna, que aporta humor y franqueza a su historia, la historia de una mujer: la menopausia. Su relato, sin embargo, no es de victimización ni de duelo: partiendo de su lesión medular y la recuperación a través de rituales domésticos diarios para reactivar su columna y su inextinguible deseo de bailar, crea una historia que afirma la vida y que podría ser fuente de inspiración para muchos.
En la segunda parte, el escenario se transforma en un carrusel de vídeos caseros, donde las mujeres practican sin complejos sus rutinas de baile diarias. De hecho, para estos testimonios bailados y conmovedores, las palabras no fluyen con facilidad. Gunnarsdóttir no busca palabras, sino una forma de sacar a las mujeres de su "rincón", de invitarlas de nuevo al centro del escenario, en un gesto de solidaridad y empoderamiento. Desde una perspectiva antropológica, estos fragmentos, acompañados por la presencia real de nueve mujeres en el escenario, representan una maravillosa muestra de expresividad femenina, una oda a "bailar como si nadie te viera" convertida en "bailar juntas como si nos observáramos", reconociendo algo que necesita ser articulado a través del cuerpo. Cuando el sangrado se detiene se convierte, eventualmente, en algo más sobre cuando comienza la alegría con lágrimas, logrando que el público se pusiera de pie para bailar y haciendo una pausa, aunque fuera por un breve instante, en el estigma corporal.
Aliméntame con paz by Anastasia Valsamaki Es también, de alguna manera, un díptico, que evoluciona desde el ambiente sereno y cerrado de una habitación, hasta una danza colectiva hiperenergética, una llamada a tomar el ritmo como el elemento que nos une. Cuatro intérpretes sentados, en lo que parece una caja insonorizada cubierta de almohadas, juegan con un micrófono y un looper. Primero escuchamos su respiración profunda y constante, luego se agregan otros sonidos minúsculos: repentinos chorros de agua, peinarse, un suave murmullo casi imperceptible de alguien leyendo un libro, una navaja de afeitar, creando juntos una biblioteca sonora de gestos cotidianos, auditivamente inadvertidos. Este ritual sensorialmente estratificado se acentúa por el entorno que evoca un refugio y la reunión casi tribal de los bailarines, creando una escena que parece a la vez primordial y mundana: una suavidad encarnada, una dulce banda sonora casera (la contribución de Jeph Vanger es palpable), una sensación inmaculada, casi adolescente, en toda la atmósfera.
El refugio de almohadas será desmantelado más tarde, y los bailarines seguirán el flujo acumulativo de sus movimientos; una red de extremidades sostenidas, moviéndose conjuntamente en el espacio, flexibles y llenas de matices. En un rincón del escenario, vemos una presentación de diapositivas de fotos; la historia parece coincidir y colisionar con la Historia, lo personal y lo colectivo, entrelazados, inseparables. Una intérprete con estilo callejero desata un solo delicado y enérgico, sus movimientos recogidos pero con una urgencia interior que luego explorará el resto del conjunto. Un nuevo miembro se incorpora (solo debido a una lesión de uno de los bailarines originales), el tempo de la música se acelera, el unísono y el volumen se convierten ahora en la prioridad. En esta sección, Valsamaki ofrece su característico estilo ágil; el cambio en el baile es abrupto, pero también lo es el cambio de ánimo del grupo, los miembros se elevan unos a otros en esta creciente y vertiginosa oda a la camaradería. Si la música y el baile apuntan al agotamiento, el grupo responde con alegría y tenacidad. Podríamos decir que los pies no mienten, mientras los bailarines se lanzan en dinámicas diagonales, recordándonos que el escenario es un lugar donde a menudo se descuida el cuidado. Y si el cuidado se practica de múltiples maneras, ¿por qué no con una bruma facial al final, mientras los bailarines se recuestan, empoderados tal vez, pero también exhaustos? ●
15–25.05.2026, Atenas, Grecia