Festival de Danza de Dublín 2026

Desde 2002, Festival de Danza de Dublín El Festival de Danza de Irlanda (DDF) ha dado la bienvenida al verano con una amplia gama de espectáculos, talleres y presentaciones internacionales y nacionales en teatros, estudios, calles y parques de toda la capital irlandesa. Desde sus inicios, el DDF ha sido ambicioso, trayendo por primera vez al público irlandés a artistas internacionales como Jérôme Bel, Akram Khan, Mark Morris y The Forsythe Company (entre otros), convirtiéndose así en un evento fundamental del calendario de la danza. La programación también se ha centrado en mostrar lo mejor de los artistas de danza irlandeses y ha ofrecido actividades participativas para involucrar al público en general.

En el contexto irlandés, el papel del DDF es fundamental. El festival ofrece una concentración temporal de prácticas que, de otro modo, permanecerían dispersas geográficamente, propiciando el diálogo entre artistas irlandeses y colegas internacionales, a la vez que crea un espacio para que el público disfrute de espectáculos de primer nivel y participe en la práctica de la danza. Las conversaciones resultantes, ya sean formales, espontáneas o estéticas, suelen trascender el propio festival. La edición de 2026 no defraudó. Del 30 de abril al 16 de mayo, los teatros, las calles y los clubes de Dublín vibraron al ritmo de la música.

Actuaciones internacionales

Varias de las actuaciones internacionales del festival ya han sido reseñadas en Springback MagazineAsí que, tanteemos el terreno para ver qué tal se comporta.

El festival se inauguró con la gira del 50 aniversario por Les Ballets Trockadero de Montecarlo, cuya parodia de ballet con tintes drag sigue siendo una sofisticada crítica del virtuosismo clásico y los códigos de interpretación de género. Las dos funciones tuvieron lugar en el Bord Gáis Energy Theatre —socio del festival desde 2025— lo que supone un cambio importante en cuanto al alcance del público. Como el teatro con butacas fijas más grande de Irlanda, con capacidad para más de 2000 personas, Bord Gáis atrae a una gran cantidad de asistentes, amplificando así la presencia de la danza a nivel nacional.

Otras actuaciones internacionales incluyeron la de Christos Papadopoulos. Mi feroz paso ignorante (una obra maestra de acumulación rítmica, cubierta aquí), de la coreógrafa italiana Silvia Gribaudi Coro suspendido (desafiando las ideas estándar de belleza a través del humor, convirtiendo a la audiencia en un coro participativo en lugar de testigos pasivos, y cubierto aquí), SOPLO por Alice Ripoll y Hiltinho Fantástico (introdujeron una perspectiva brasileña moldeada por vocabularios de baile social urbano, cubrieron aquí) y la española LaCerda con La danza de La Zurda (que introdujo la coreografía en el espacio cívico, haciendo hincapié en la participación y el encuentro colectivo).

Estrenos irlandeses

El festival presentó estrenos mundiales de tres de los coreógrafos más destacados de Irlanda. Las piezas, si bien difieren notablemente en concepto y ejecución, demuestran que la creación y la escenografía de la danza contemporánea irlandesa gozan de excelente salud y son capaces de competir con figuras internacionales de la talla de Papadopoulos y Gribaudi.

Storm 1.0 por Junk Ensemble

Conjunto de basuraLa última obra de [nombre del artista] se abre incluso antes de que comience la función. Al entrar el público, dos figuras con monos oscuros parecen ser tramoyistas terminando la escenografía. Poco a poco se hace evidente que se trata de los propios intérpretes, Amir Sabra e Imogen Alvares. Enmarcado por cortinas de plástico translúcido y montones de láminas de plástico, con un andamio cromado a medio terminar en el centro, el escenario presenta un paisaje sombrío y distópico, acentuado por un paisaje sonoro amenazador que retumba de fondo.

La acción comienza con los bailarines marchando entre humo y sombras mientras montan el andamio, creando una atmósfera de incertidumbre y tensión. La coreografía sugiere la supervivencia en un entorno hostil, con gestos bruscos y ansiosos, y expresiones faciales que transmiten miedo y vulnerabilidad. La escenografía, la iluminación y el sonido se combinan a la perfección para crear un mundo teatral cautivador.

Un giro inesperado se produce con la llegada del tubista Les Neish, descubierto bajo láminas de plástico y vestido con un llamativo uniforme rojo escarlata y dorado. Su aparición provoca risas entre el público, aunque el tono cómico desentona con la estética sombría que predomina en la producción.

El pasaje de danza más memorable pertenece a Álvares, cuyo poderoso solo la muestra luchando contra la lona de plástico y su aparente destino. Sin embargo, en otras partes, la coreografía no logra estar a la altura de la riqueza de los elementos teatrales de la producción. Las secuencias de escalada de andamios, maniobras con carpas y manejo de utilería a menudo eclipsan el movimiento en sí.

Hacia el final, caen bridas desde arriba y los bailarines sujetan objetos (una tuba oxidada, un trozo de andamio, un ventilador portátil, etc.) que quedan suspendidos en el aire. Empiezan a caer escombros sobre el escenario y los movimientos de los bailarines se vuelven más agresivos, rápidos y desesperados; bailan, tal vez, por sus vidas. El ambiente sonoro se torna más fuerte y disonante, las luces parpadean y, finalmente, todo termina.

La partitura de Denis Clohessy sigue siendo uno de sus puntos fuertes, y el diseño de iluminación de Stephen Dodd aporta coherencia y profundidad visual. Si bien es visualmente ingeniosa y atmosféricamente impactante, la obra termina poniendo demasiado énfasis en la puesta en escena y muy poco en la danza como vehículo de comunicación emocional.

Nota: Esta reseña se basa en una presentación previa.

El quinto sol Por Mufutau Yusuf

El quinto sol, la primera obra de conjunto completo de Mufutau Yusuf para la compañía nacional de danza de Irlanda Luail (siguiendo la coreografía conjunta) Chora (desde 2025), es una obra impactante y visualmente atractiva que muestra tanto su ambición coreográfica como su capacidad para dirigir una actuación de conjunto a gran escala.

La obra se desarrolla en una atmósfera de ritual y misterio. El público entra en un escenario oscuro, vacío y lleno de humo. Muy lentamente, figuras vestidas de blanco pueblan el espacio hasta que ocho se alinean al fondo. La novena baila y toca lo que parece ser un tótem, un alto pilar rectangular a un lado del escenario. Los minutos transcurren mientras escuchamos un paisaje sonoro que parece ser gente caminando en una casa vieja y vacía.

Con el tiempo, la fila de bailarines se quita las túnicas para revelar pantalones y camisas blancas. De espaldas a nosotros, uno a uno comienzan a moverse lentamente en el mismo lugar, encorvados, temblando y estremeciéndose como ancianos. Luego, la fila comienza a moverse lentamente hacia nosotros, como zombis en trance, aún de espaldas.

Algunos de los pasajes más memorables se producen cuando los intérpretes se mueven como un colectivo fluido, deslizándose, gateando y retorciéndose al unísono a cámara lenta. Yusuf equilibra con maestría la expresión individual con la cohesión grupal, permitiendo que los solos y duetos surjan de forma orgánica antes de disolverse de nuevo en el ritual general, energizados por el volumen y el ritmo crecientes del paisaje sonoro.

Hacia el final, el paisaje sonoro regresa en el tiempoLos bailarines se cambian a trajes de cuerpo entero color carne, se quedan de pie, torcidos, encorvados al fondo del escenario, de espaldas al público. Luego todos se giran y caminan hacia el tótem. Un brillante triángulo de luz inunda el escenario, como si se hubiera abierto una puerta tras ellos. Uno de los bailarines atraviesa esta luz y regresa, acunando una almohada larga (¿un ser querido perdido?). Uno a uno, entran lentamente en la cámara de luz y salen con sus almohadas hacia el frente del escenario. Se apilan unos sobre otros, recostados en un suave y cálido resplandor naranja. Un eco de lo que suena como un lamento tradicional irlandés por los muertos (conocido como keening) se filtra en el paisaje sonoro.

Los bailarines —Robyn Byrne, Jou-Hsin Chu, Clara Kerr, Tom O'Gorman, Sean Lammer, Chi Liu, Meghan Stevens, Rosie Stebbing y Hamza Pirimo— se desenvuelven con notable precisión y entrega, superando con facilidad el exigente terreno físico y emocional de la obra. Los elementos de la producción son igualmente impresionantes. El diseño de iluminación de Lee Curran baña el escenario en cálidos tonos ámbar y amarillo pálido, creando un paisaje visual etéreo, mientras que el diseño sonoro de Tom Lane, con sus múltiples capas —que combina respiración, cánticos, lamentos y ritmos enérgicos— intensifica la resonancia emocional de la obra.

En ocasiones puntuales El quinto sol Pone a prueba la paciencia del público. Su ritmo deliberadamente pausado puede rozar el exceso, sobre todo al principio y al final, donde el ímpetu dramático comienza a disiparse. Sin embargo, el debut de Yusuf con Luail sigue siendo un logro poderoso y evocador: una meditación de gran atmósfera sobre la conexión, la pérdida y la trascendencia que perdura mucho después de que caiga el telón.

Dios suave Por Emma Martin, United Fall

Emma Martin Dios suave para su empresa Caída unida Es una obra desenfrenada e impredecible que abraza la ambigüedad. Desde el momento en que el público entra, la actuación desafía las convenciones. La bailarina Jessie Thompson ya está en el escenario, comiendo patatas fritas con aire despreocupado y con expresión aburrida.

El escenario en sí es un paisaje de desorden deliberado. Los disfraces cuelgan de rieles, el suelo está lleno de escombros y una variedad de accesorios crea un ambiente que resulta a la vez familiar e imposible de ubicar.

Cuando comienza la acción, acompañado por la flauta dulce de Wayne Jordan, Thompson se lanza a un solo de gran energía que es a la vez seductor, juguetón y provocador. Así empieza una producción que podría describirse como un poco de todo a la vez, y algo más.

Este caos visual se refleja en la ecléctica partitura musical, que entrelaza influencias tradicionales irlandesas, melodías folclóricas europeas y una miríada de instrumentos para crear una atmósfera rica en matices.

En medio de este caos (y aún hay mucho más), presenciamos actuaciones extraordinarias de los ocho bailarines: Sloan Caldwell, Kévin Coquelard, Róisín Harten, Yujin Jeong, Wayne Jordan, Stanley Menthor, Ennio Sammarco y Jessie Thompson. Hay secuencias de pasos y zapateos que recuerdan a la danza tradicional irlandesa, pero justo cuando crees entender lo que sucede, te das cuenta de que el repiqueteo de los zapatos negros y los extravagantes vestidos de capas evocan más bien el flamenco. Se ponen pañuelos y guantes, bailan sobre la mesa al son de lo que parece una canción folclórica española, cambian de vestuario, se ponen máscaras y se revuelcan en harina. Ya sea que todo esto te parezca dinámico o anárquico, la coreografía es impactante: los bailarines actúan con integridad individual, sus movimientos son rápidos, precisos y furiosos, con toques ocasionales de comedia y lirismo.

Sin embargo, la mayor fortaleza de la producción se convierte también en su debilidad. A medida que avanza la función, la acumulación de ideas comienza a mermar su impacto. Un cambio de escena tardío con un telón de fondo pastoral y un canto de piano se siente desconectado de lo anterior. Lo que desentona no es tanto el cambio de ritmo, sino la ruptura radical con los 60 minutos previos de glorioso caos.

Soft God fue encargado por Festival de Danza de Dublín y Teatro de la abadía.

Vamos a lo físico

El entusiasmo que rodeó las actividades que se desarrollaron paralelamente a las actuaciones fue sorprendente. Una de ellas fue una nueva iniciativa llamada DDF x Humanario Una serie de eventos organizados en colaboración con el Real Colegio de Cirujanos, centrados en la salud y el bienestar. Entre ellos se incluyeron un taller para padres y bebés impartido por Katherine O'Malley, una sesión de baile dinámica llamada The Shake con Laura Murphy, una caminata consciente con Mary Nunan y un taller somático con Hélène Cathala. Todas las entradas se agotaron, algunas inmediatamente después de su anuncio, y no solo dentro de la comunidad de la danza.

Las noches de DDF Lates en Bewley's ofrecían sesiones especiales los sábados por la noche con DJs y bailarines invitados. También se incluyó una noche de club inclusiva. Estas noches agotaron las entradas y crearon un espacio para que, me atrevo a decir, los jóvenes aficionados al baile conectaran y compartieran la alegría de bailar por el simple placer de bailar.

El creciente interés por las propuestas de estos festivales revela una curiosidad cada vez mayor por el movimiento y la danza y, en definitiva, un deseo humano común: no solo observar, sino también conectar, participar y compartir. Creo que Papadopoulos podría crear una nueva obra basada en este impacto acumulativo. Estoy seguro de que Gribaudi lo aprobaría. ●