Los festivales a veces se parecen a los aeropuertos: la gente corre constantemente, buscando puertas de embarque, y después de unos días ya no recuerdan en qué país están. Plataforma de danza contemporánea de los Balcanes en movimiento En Novi Sad (Serbia) se percibe todo lo contrario [1]. Incluso antes de llegar, los asuntos prácticos que de repente se vuelven importantes fuera de la Unión Europea (moneda, rutas, acceso a Internet) son fáciles de resolver, mientras que la disposición de los organizadores a ayudar es evidente desde el principio [2]. Aunque solo va por su segunda edición, Moving Balkans posee la confianza de un festival de larga trayectoria. Las actuaciones y los encuentros se distribuyen por todo Novi Sad, pero la Fábrica SKCNS El complejo se convierte en su corazón palpitante, un puerto al que volvemos constantemente. Toda la experiencia se siente como una reunión balcánica interminable, donde el arte realmente construye puentes entre las personas [3].
Rápidamente queda claro que las actuaciones no son lo único que importa aquí. El programa respira con calma, dejando espacio para café con artistas, presentaciones, experiencias de realidad virtual y encuentros inesperados [4]. Escuchar debates sobre la colaboración y al pasar de un lugar a otro, uno gradualmente percibe que las personas reunidas aquí no hablan de competencia, sino de un hogar compartido [5]. Quizás por eso las diez presentaciones comienzan a fusionarse en una narrativa más amplia sobre personas agotadas por el entretenimiento, el ruido y el exceso, pero que aún buscan formas de resistir [6]. Solo en retrospectiva la obra de Chara Kotsali ES EL FIN DE LA FASE DE DIVERSIÓN emergen como el leitmotiv inesperado del festival [7].
Vlad Benescu y Alexandra Mihaela Dancs (RU), Fenómenos somáticos: La revolución de los propioceptoresSirve como una especie de prólogo al festival. A primera vista, la obra de tres horas parece casi ascética: dos neumáticos grandes, una tabla de madera y dos cuerpos suspendidos en perpetua oscilación. Sin embargo, este sencillo arreglo pronto comienza a asemejarse a la vida misma. Caen, se levantan, buscan el equilibrio y vuelven a empezar. Existe un acuerdo tácito entre ellos, que no requiere palabras. En un momento dado, me sorprendo inclinando mi teléfono con sus cuerpos, como si pudiera ayudarlos a mantenerse erguidos. A pesar de su sencillez, la obra nunca pierde su fascinación por el público. En su silenciosa persistencia, se convierte en una metáfora de las personas que, agotadas por la distracción y el espectáculo, simplemente aprenden a levantarse de nuevo.
Kosta Karakashyan (BG), INSERTAR MONEDA / JUGADOR UNOtoma un camino radicalmente diferente. Cuatro mosqueteros (Aleksandar Gochev, Bilyana Tsolova, Emiliya Toncheva, Nelly Georgieva) operan como algoritmos que pretenden ser humanos, con el propósito de volverse indispensables. Las monedas que se entregan al público antes de la función evocan la economía de las redes sociales, donde la atención se ha convertido en moneda de cambio. Una vez que comienza el juego, cuanto más se interactúa con ellos, más humanos parecen. Preguntan nombres, secretos y ofrecen consuelo. Entre estos encuentros, estallan extrañas batallas por nocaut como escenas de un videojuego. Si bien visualmente efectivas al principio, estas secuencias se vuelven gradualmente predecibles, convirtiendo los encuentros íntimos con el público en el elemento más fuerte de la obra. A medida que frases como "producir" y "generar visitas" resuenan en el espacio, queda dolorosamente claro que incluso la soledad se ha monetizado. Quizás la fase de diversión termina realmente cuando un algoritmo se convierte en el compañero más cercano.
Ginevra Panzetti y Enrico Ticconi (HR), en TODOS ARMAS, Crean un mundo en el que la alerta nunca termina. Su lenguaje coreográfico se siente completo e inmediatamente reconocible. Seis mujeres (Martina Tomić, Ida Jolić, Viktoria Bubalo, Marta Krešić, Filipa Bavčević, Nastasja Štefanić-Kralj) se mueven como un solo organismo, donde la individualidad cede constantemente ante la fuerza del ritmo colectivo. Gestos precisos, un paisaje sonoro que genera tensión y movimientos inspirados en ejercicios militares sumergen gradualmente al público en un estado de movilización perpetua. Una cae, la otra la levanta, la formación se reagrupa y el movimiento continúa. La obra oscila entre la rabia y la vulnerabilidad femeninas, mientras que el poder del movimiento sincronizado resulta hipnótico e inquietante a la vez. El vívido telón de fondo rojo (pantalla), quizás una alusión a la capa del torero, intensifica la atmósfera de tensión y sugiere la fragilidad del límite entre la defensa y el ataque. La coreografía mantiene una coherencia asombrosa de principio a fin, y su precisión sostiene la obra incluso cuando su impacto emocional resulta más contenido de lo que sugieren sus imágenes. La representación nos deja con una pregunta sencilla pero inquietante: ¿dónde termina la protección y comienza la agresión?
Después de tal disciplina y precisión, Adrijana Danchevska Rovchanin (M. K.) falso documental Se siente como un boceto de otro mundo. Elementos de la cultura drag, el mito de la sirena y la experimentación juvenil chocan en una bruma de sonidos industriales y objetos brillantes. Cuerpos distorsionados (por Nina Petrushevska, Luka Gjorgjievski) parecen suspendidos entre lo humano y lo animal. Deliberadamente fragmentado y aparentemente inacabado, falso documental Abraza la ambigüedad y deja una persistente sensación de inquietud. Su apertura resulta intrigante, pero dentro de un programa de festival tan consistentemente sólido, la obra tiene dificultades para dejar una impresión duradera.
Uno de los descubrimientos más sutiles del festival es Momentos desplegados by Enya Belak y Kristýna Peldová (SI). Aquí, la pantalla, la cámara y el cuerpo vivo dialogan como reflejos que ya no están seguros de su origen. Peldová, vestida de blanco, se encuentra con su contraparte vestida de rojo en la pantalla, mientras las proyecciones se convierten en una segunda piel. Uno de los momentos más impactantes llega cuando la imagen altera el color de su piel y ella parece borrar esta identidad desconocida con sus propias manos. La mujer (Belak) sentada junto al equipo técnico demuestra no ser una asistente, sino otra extensión de la coreografía misma. El diálogo entre cuerpo, movimiento y tecnología se siente notablemente fluido, abriendo nuevas formas de ver la relación entre ellos. Suspendida entre la oscuridad y la luz, la realidad y el reflejo, Momentos desplegados Pregunta en voz baja dónde termina el cuerpo y comienza la identidad.
De Ilias Chatzigeorgiou (GR) ASUSTADO se asemeja a un cabaret escenificado en algún lugar entre Dante y Infierno, La Familia Addams y la cultura del baile callejero. Los globos que los intérpretes (Kostas Phoenix, Sofia Pouchtou, Mairi Giannoula, Haris Chatziandreou, Periklis Petrakis) sostienen en sus bocas parecen pulmones artificiales que los mantienen con vida. Cuando uno explota, los cuerpos se desploman a su lado. El parto se convierte en una comedia grotesca, la muerte en una fiesta de cumpleaños, mientras una bola de discoteca gira sobre sus cabezas como el sol del más allá. Los colores cambiantes transforman el escenario en un parque de atracciones embrujado. En medio de todo este espectáculo, Chatzigeorgiou demuestra una impresionante habilidad para integrar elementos del baile callejero en el lenguaje teatral de la obra, haciendo que el movimiento parezca inseparable de las ideas que transmite. Suceden tantas cosas que la propia representación parece a punto de estallar. Sin embargo, bajo el exceso yace algo más oscuro: una celebración de la vida que amenaza constantemente con colapsar bajo el peso del miedo.
Una sensación similar acompaña Última órbita by Deyan Georgiev (BG). Cuatro cuerpos (el del coreógrafo y Bianca Braunesberger, Marina Haralambova, Alexander Gochev), sonidos cósmicos, lazos alargados y sombras cuidadosamente esculpidas crean un mundo en el que la gravedad parece haber perdido su autoridad. Un zapato de plataforma en el pie de cada bailarín permite a los intérpretes volverse más altos por un instante fugaz, solo para volver a su altura normal segundos después. La luz los oculta y luego los saca de la oscuridad como extraterrestres que visitan brevemente la Tierra. Sin embargo, la obra a menudo da la sensación de que varias actuaciones habitan la misma órbita. Una y otra vez, la música señala un final que nunca llega, mientras los intérpretes se acercan unos a otros en busca de una frágil intimidad. Como un satélite incapaz de aterrizar, Última órbita permanece condenado a dar vueltas sin cesar por el espacio, anhelando un centro que ya no existe.
De Marta Rak (HORA) Asignaciones: territorio Se despliega como un mapa que se reescribe constantemente. A veces, su lenguaje visual en capas deja al público inseguro sobre dónde debería centrar su atención, aunque esta incertidumbre parece reflejar la exploración más amplia de la obra sobre los límites cambiantes. Un coche, pantallas, proyectores y un cuerpo vivo coexisten dentro del mismo ecosistema, donde el territorio se convierte menos en una cuestión de geografía que de memoria y pertenencia. Al permitir que las imágenes y los recuerdos en vivo remodelen la actuación en tiempo real, Marta en Asignaciones: territorio Esto refuerza una de las preocupaciones recurrentes del festival: la incertidumbre que rodea dónde termina nuestro territorio y dónde comienza el mundo.
Creado y realizado por Ermira Goro (GRAMO), TELOS Se despliega como una larga carta de despedida. Al principio, el público se reúne alrededor de un banco como si fuera una escultura, mientras Goro, casi en un tiempo suspendido, se envuelve en él, se tumba y se arrastra bajo él, como si navegara cuidadosamente por sus propios recuerdos. Más tarde, la acción se traslada a otro espacio, donde el público se acomoda con mayor comodidad y se encuentra con una escenografía rebosante de objetos, sonidos e imágenes. Desde agua, micrófonos, papel de aluminio y voces incorpóreas, emerge gradualmente todo un mundo. La riqueza del movimiento de Goro se vuelve silenciosamente hipnótica, mientras que la sensible interacción entre la coreografía (creada por Maria Hassabi, Hannes Langolf, Ioanna Paraskevopoulou y la propia Ermira Goro), la escenografía, el sonido y la luz hace que... TELOS Extraordinariamente cautivadora e inmersiva. Frases como «Quiero ser amada», «Bueno, ya no soy yo» y otras similares suenan como las confesiones de una diva envejecida, reacia a abandonar el escenario. Bajo todas sus capas teatrales subyace algo profundamente humano: el deseo de ser amada y el miedo a volverse invisible.
Finalmente llega Chara Kotsali (GR) ES EL FIN DE LA FASE DE DIVERSIÓN [también cubierto de Springback Academy]. Quizás no sea coincidencia que su título se convierta finalmente en el leitmotiv de todo el festival. Kotsali, junto con las cocreadoras de la performance y el material, Sofia Pouchtou y Christina Skoutela, escenifica nada menos que el colapso del entretenimiento mismo. Elvis Presley, las Spice Girls, confeti, pompones, una pistola, una piñata, banderas, pantallas, innumerables objetos, recuerdos y una carrera incesante evocan a alguien desesperadamente temeroso del silencio. Hay una abundancia agotadora en todo, un maratón de baile atrapado en algún lugar entre la continuidad y el colapso. A pesar de todo su caos, la performance nunca pierde el rumbo. En medio de este torbellino, una voz pregunta: "¿Te pone cachondo el futuro? ¿Te está matando el sueño? Así que adelante, fóllalo con fuerza y movámonos al ritmo". La frase se sitúa en algún lugar entre la provocación y la desesperación, capturando a una generación incapaz de dejar de bailar incluso cuando se cansa de sus propios ritmos. Sin embargo, cuando termina, lo que perdura no es el agotamiento, sino una sensación alterada de quietud. Quizás la fase de diversión realmente haya llegado a su fin.
Tras cuatro días en Novi Sad, persiste una sensación: Moving Balkans es más que un festival [8]. Se siente como una larga mesa balcánica donde cada canción da paso a la siguiente, y salir solo hace que uno se dé cuenta de que aún es demasiado pronto para volver a casa [9]. Las diez actuaciones hablan diferentes idiomas, pero están unidas por temas recurrentes de agotamiento, miedo, finales y supervivencia [10]. Algunas se equilibran precariamente sobre tablas de madera, otras se pierden en pantallas, mientras que otras construyen cabarets para el fin del mundo. Sin embargo, todas regresan al mismo tema: el cuerpo que, contra todo pronóstico, continúa moviéndose [11]. Al dejar Novi Sad, me encuentro pensando menos en lo que ya he visto y más en lo que queda por ver. En algún lugar de ese pensamiento reside la certeza de que con gusto volveré a la misma mesa balcánica en Skopje en 2028 [12]. ●
Para ver un documental sobre la plataforma, echa un vistazo a nuestro Álbum On Record de Moving Balkans 2026, con audio de Dany Mitzman y texto de Daria Ancuța
13-16.05.2026, Novi Sad, Serbia