Ámsterdam disfruta del verano sin complejos. No solo por la promesa de interminables noches de copas junto a los canales, baños y paseos nocturnos en bicicleta, sino también porque la llegada del sol da paso a una gran cantidad de festivales que llenan de vida los escenarios de la ciudad. Uno de los más ambiciosos es Julidans , una importante plataforma de danza contemporánea que, si te animas, te permitirá disfrutar de hasta 26 producciones en 9 lugares diferentes durante dos semanas.
Desde 1991, Julidans se ha especializado en crear una programación versátil que combina a grandes figuras de la coreografía con creadores emergentes afincados en los Países Bajos que buscan proyectar su trabajo a nivel internacional. Este año, me centré en estos últimos, inmerso en una experiencia de varios días con obras de mentes frescas que, si bien representan diversos orígenes, han encontrado su lugar en la escena de la danza neerlandesa.
Andreas Hannes (GR): Antología
El cálido saludo de Hannes y sus intérpretes sugiere que esta noche estoy invitado a disfrutar sin complejos. Esto resulta muy útil cuando empieza la música: popurrís implacables de éxitos de los 2000. Estas antologías pop hiperdulces dan nombre al espectáculo, celebrando la fusión de historias compartidas, nostalgia y cultura pop. También marcan el ritmo del show. Comenzando en silencio, dos intérpretes trazan caminos geométricos, progresando desde un paseo hasta un ligero salto, la piedra angular de la coreografía. En la primera antología, estos caminos estallan en momentos de sincronización que encajan a la perfección con la música, gracias a una sincronización impecable o a una apasionada sincronización labial.
Esta estructura de dúos, tríos y sextillizos llenos de energía se repite a lo largo de la función, con diferentes combinaciones de intérpretes que despliegan su talento bajo luces fluorescentes que cambian de color. Su capacidad técnica es innegable, e incluso después de más de una hora de intensos saltos, movimientos ondulantes y brincos, cada bailarín irradia una naturalidad que realza la atmósfera luminosa.
La coreografía es sencilla. En lugar de reinventar la rueda, recurre a recursos de movimiento conocidos: delicados petit allegros y enérgicas secuencias de hip-hop. Los brazos forman puentes por debajo de los cuales pasan los cuerpos, al estilo de la danza folclórica, aunque esta referencia se percibe menos intencionada, inclinándose más hacia una tendencia estética que hacia un homenaje. El movimiento es una mezcla tan variada como la banda sonora.
En algún momento inexplicable, me canso de las empalagosas letras de Sheeran, Swift y Adele. Finalmente, el ritmo disminuye y, tras reagruparse, los bailarines continúan, entre el chirrido de sus zapatos y la respiración entrecortada. Pero pronto las antologías vuelven a sonar, y lamento que este momento de agotamiento y sobresaturación no se prolongue.
Aun así, el público apoya a Hannes de principio a fin, lo suficientemente entusiasmado como para unirse a los vítores para los seis cuerpos poseídos por el pop en el escenario y, si son como yo, desesperados por bailar al ritmo de placeres culpables en el camino a casa.
Sheree Lenting (NL/SUR): Hijos de la tierra
Lo que más perdura tras el conmovedor dúo de Sheree Lenting, que explora las múltiples facetas de la identidad masculina, es la conexión sensible pero visceral entre los intérpretes Gaspar Ribeiro y Yashasvi Shrotriya. Entre miradas de reojo, sonrisas cómplices y movimientos audaces, se me permite vislumbrar una sincera muestra de hermandad. Esto es un testimonio del talento de Lenting. Hay una maestría en crear un espacio seguro y abierto donde cada bailarín puede alcanzar los límites de la vulnerabilidad que se despliega en el escenario.
Por cada instante de pura potencia, hay un equilibrio armónico de delicadeza. Shrotriya se desliza hipnóticamente por el suelo con velocidad y destreza. A su alrededor orbita Ribeiro, quien, montado en una patineta, se mueve con facilidad. Sus giros son precisos, su posición tan segura que desata su cuerpo en ondulaciones de brazos a cámara lenta, como una suave brisa que barre el espacio.
La puesta en escena impregna la experiencia diaspórica con referencias a la danza tradicional, basando la coreografía en formas de danza que trascienden el canon europeo. A través del lenguaje de la capoeira, Ribeiro y Shrotriya se unen en un fluido dúo en espiral, explorando la competencia y la intimidad simultáneamente. También se aprecian destellos de krumping, y rápidos movimientos de pies y caderas que aluden a la salsa.
La tensión crece entre los intérpretes mientras se elevan sobre los torsos del otro, aterrizan sobre los hombros y vuelan por el espacio, guiados por el apoyo mutuo; un hermano que levanta a su hermano. Esto parece ser la esencia del trabajo de Lenting: recuperar el mundo de los jóvenes que, como refleja la imponente voz en off de Jermaine Berkhoudt, siempre les ha enseñado a levantarse, a endurecerse, a comportarse como hombres. Sin embargo, en el imaginario esperanzador de Lenting, "comportarse como un hombre" adquiere un significado renovado: un proceso delicado, de desarrollo continuo, que no puede lograrse en solitario.
Melyn Chow (SG): convertirse en dios
La experiencia de convertirse en dios podía verse una y otra vez, desde todos los ángulos, con distintos estados de ánimo y en compañía de diferentes personas. Cada experiencia sería radicalmente distinta, tanto para el público disperso en taburetes rojos, agachado en el suelo de plástico verde o de pie cerca del centro, como para las cinco personas que daban vida a este escenario inmersivo.
Dudo en usar la palabra «artistas» porque el espectáculo de 60 minutos que realizan se siente tan palpable y real que apenas comprendo que lo que estoy viendo es una creación inteligente, personal y provocadora. Chow se inspira en experiencias de tabúes espirituales y en su conexión con su tío, un médium chino. Al principio, los cuatro colaboradores se mueven por la sala, llenando el espacio de movimiento, sonidos y olores. El diseñador de sonido Lưu Thoại Linh se instala en una cabina de DJ improvisada: un altar poco convencional de cajas, naranjas, dulces y flores. Desde este espacio emanan los ritmos transformadores que impulsan la obra. La energía circula, agitada por luces intermitentes y sonidos pulsantes, encarnada por Chow, Nazar Rakhmanov y Sjaid Foncé a través de giros ceremoniales, sacudidas y gritos.
Tres momentos distintos muestran cómo cada uno canaliza algo "diferente". Rakhmanov se sumerge en la posesión, emergiendo de su torbellino forcejeando con su camisa en un intento por abandonar su cuerpo. Foncé se convierte en un icono etéreo, con el cabello adornado con flores y la altura amplificada por seis capas de zapatos. Chow fuma varitas de incienso, con el torso teñido de rojo, golpeando su cuerpo contra el suelo. Estos momentos se sienten impredecibles e improvisados; hay riesgo en el aire. Los extremos a los que se empujan mutuamente son bellamente desquiciados. Justo cuando necesito seguridad, vuelven a girar juntos. En estos momentos armónicos, la sensación es de liberación extática a ambos lados del "escenario".
Alguien grita «¡Vamos, Julidans!», como para provocar una reacción alternativa. ¿Debo moverme? ¿Liberarme? ¿Gritar? No estoy seguro de mi papel, pero quizás mi inquietud provenga del tema que Chow está abordando. La sociedad moderna ha borrado las conexiones con lo sagrado, vilipendiando las prácticas rituales que trascienden el valor del capital. Sin embargo, al asimilar lo que sucede ante mis ojos, logro evocar una extraña y sobrenatural sensación de asombro. Bañados por el reflejo dorado de una gran placa de cobre, los tres espíritus alzan el vuelo en un acto de magia centrífuga: Rakhmanov sobre el hombro de Foncé, Chow enganchada bajo sus pies hasta quedar suspendida, girando. Las luces se desvanecen, pero un misticismo resonante permanece.
De Dansers (NL): Agitar, agitar, agitar
Resucitada siete años después de su estreno, la urgencia de la composición de De Dansers, con su estilo rockero, para seis cuerpos, cinco instrumentos y un escenario al aire libre, se siente aún más fuerte en este contexto pos-Covid e hiperdigitalizado. Bajo la contundente letra subyace un llamado a rechazar las obsesiones materiales en favor de la conexión, la comunidad y la autorrealización. La coreografía celebra el potencial físico, mostrando cómo la conexión humana crea vínculos y cómo la alegría se manifiesta en cuerpos que se mueven, crecen y envejecen sin complejos. En conjunto, la fuerza que impulsa a Shake, Shake, Shake ofrece un estallido de esperanza colectiva en estos tiempos, por lo demás, agotados de esperanza.
De Dansers es un colectivo de intérpretes ambidiestros —entre ellos Guy Corneille y Josephine van Rheenen, creadores de la pieza— que no distinguen entre sus talentos musicales y físicos, los cuales se desarrollan en estrecha sincronía, fusionándose en un solo medio. Las escalas descendentes del saxofón resuenan en los cuerpos que se mueven al ritmo de la música. Los ágiles saltos de Marie Khatib-Shahidi ante la batería parecen marcar el compás. El escenario es un núcleo de acción constante, siempre en movimiento y lleno de sonido. Los instrumentos pasan de un intérprete a otro. Las formaciones cambian continuamente: suaves dúos, tríos instrumentales juguetones o seis intérpretes corriendo en el sitio y cantando sin restricciones; auténticas estrellas del pop.
La banda se completa con el Teatro al Aire Libre Vondelpark, donde el bullicioso parque se funde con la actuación como un elemento musical inesperado. Esta interacción entre el ambiente exterior y la danza genera resultados fortuitos. Un helicóptero emite pulsos audibles al ritmo de los bailarines que se mueven al unísono. Un dúo íntimo entre Khatib-Shahidi y Wannes De Porr se ve acompañado por el canto de los periquitos.
Rodeado de arte, un teatro al aire libre abarrotado y las inesperadas intervenciones del mundo exterior, el mensaje de De Dansers se vuelve meridianamente claro. No necesitas mucho: el vibrante mundo está justo afuera, esperando tu llegada. ●
02–14.07.2026 Ámsterdam, Países Bajos