Mantengámonos en contacto después de New Baltic Dance 2026.

Celebrando su trigésimo aniversario, Nueva danza báltica Este año, el festival regresa con una pregunta más que con una promesa: "¿QUÉ SIGUE?". Del 26 de febrero al 29 de abril, el festival evita las respuestas definitivas. En cambio, presenta cuerpos atrapados en la transición: agotados por los sistemas, en busca de un hogar, resistiéndose a la tecnología o avanzando colectivamente hacia la incertidumbre. A lo largo del programa, el cuerpo se convierte tanto en un campo de batalla como en un refugio.

Olivier Dubois Tragedia (Nueva edición) Se siente como una prueba de resistencia. Creada originalmente en 2012, la obra regresa más de una década después sin perder su fuerza ni su urgencia. Dieciséis bailarines desnudos se mueven continuamente por el escenario. Su caminar recuerda a pistas de atletismo, una pasarela o incluso una cinta transportadora. El ritmo nunca desaparece; solo se acelera y se transforma.

La monotonía predomina al principio. Un espectador susurra: "¿Es así toda la función?". Sin embargo, el agotamiento se convierte en el método de Dubois. Gradualmente, los cuerpos pierden individualidad y se asemejan a una masa mecánica. Paradójicamente, cuanto más despoja la coreografía a los intérpretes de su personalidad, más humanos se vuelven.

Poco a poco, el sistema empieza a fallar. Los bailarines se detienen bruscamente, se miran y pierden el ritmo. La estructura precisa comienza a desmoronarse. El orden se desmorona en el caos. Los cuerpos se dispersan, forman grupos y buscan intimidad, antes de regresar una vez más a la estructura temporal. Dubois explora la frontera entre el control y el colapso. ¿Quién se convierte en la marioneta aquí: los bailarines o nosotros, atrapados en rutinas que se repiten sin cesar?

La luz se convierte en otra intérprete. Los haces de luz superiores manipulan las sombras y los cuerpos como una bailarina desnuda adicional. Al final, Tragedia Se asemeja a una civilización que atraviesa un proceso de colapso para redescubrir su humanidad.

Si Dubois explora el cuerpo dentro de un sistema, Robyn Orlin, En un rincón el cielo se rinde (desconectando viajes de archivo… #3) (para Volmir <3) La obra se centra en la fragilidad y la añoranza del hogar. El artista brasileño-francés Volmir Cordeiro vive dentro de una caja de cartón llena de luz, música y fragmentos de la vida doméstica. Cerca de allí, las vías del tren y un tren en miniatura evocan vidas suspendidas en una permanente temporalidad.

Sin embargo, el interior de la caja sorprende por su calidez y belleza. Lo que parece frágil desde fuera se convierte poco a poco en un refugio. Cordeiro prepara comidas imaginarias, baila al ritmo de la vida doméstica y coquetea tanto con el público como con el espacio que lo rodea, mientras la estructura de cartón se transforma en un hogar, una piscina o un escenario.

La frontera entre actuación y supervivencia se disuelve constantemente. Cordeiro habla en inglés, francés y portugués, pregunta "¿Soy bello?", luego se besa a sí mismo y a su hogar temporal. La obra está impregnada de saudade —el sentimiento portugués de añoranza y nostalgia. El hogar ya no existe como un lugar geográfico, sino como un frágil estado emocional. Orlin nos recuerda que todos los hogares son temporales; algunos simplemente revelan su fragilidad de forma más visible que otros.

volmir cordeiroactuación en solitario Street Traslada estos temas al espacio público. Junto al percusionista Washington Timbó, transforma la galería en una coreografía social en constante cambio. Con gafas de sol a pesar de la luz del día, camina entre el público preguntando: ¿Qué miran? ¿Cómo están?

La actuación se desarrolla tanto a través de gestos como de la danza: fumar, secarse el sudor, apretones de manos, expresiones de ira o ternura. Cordeiro alterna entre hablar y bailar al ritmo de los tambores, hasta que resulta difícil discernir quién controla a quién: el intérprete a la música, o la música al intérprete.

El público lo sigue a lo largo de toda la obra. Los espectadores se mueven entre los diferentes espacios y, finalmente, salen al exterior. La representación nunca se detiene del todo. Street Sugiere que, en el espacio público, el cuerpo se convierte constantemente en una representación en sí mismo: observado, juzgado y moldeado por la mirada de los demás. Al final, solo perduran el ritmo de los tambores y el movimiento colectivo.

Entre las obras más intensas del festival, SUPERCOSA La compañía de danza lituana Šeiko Dance Company y el teatro de danza finlandés Dance Theatre Minimi llega con una ternura especial. Una generación más madura de artistas de la danza lituanos y finlandeses aparece en escena como un archivo viviente de la danza contemporánea: cuerpos que portan décadas de experiencia y memoria. Verlos actuar nunca resulta indiferente. Son artistas que han moldeado a generaciones enteras de bailarines y coreógrafos.

SUPERCOSA Se desarrolla lenta y delicadamente, permitiendo al público sumergirse en cada momento. Los intérpretes visten trajes confeccionados individualmente que parecen casi inseparables de sus personajes escénicos: en parte refugio, en parte carga, en parte recuerdo. Visualmente, la obra evoca ocasionalmente tanto una última cena como una interminable ascensión. La representación nunca busca impactar ni abrumar. En cambio, reflexiona con serenidad sobre lo que queda tras la pérdida y lo que elegimos conservar. Gradualmente, figuras aisladas comienzan a moverse juntas, como si la representación descubriera lentamente la conexión como una forma de supervivencia. En lugar de intensidad, la obra ofrece quietud.

Empresa australiana Movimiento tosco, UNIDAD El festival se orienta hacia una visión tecnológica del futuro. Seis bailarines se adhieren dispositivos mecánicos al cuerpo (mangas, zapatos y construcciones portátiles) mientras la coreografía transita entre la danza callejera, el ritual y la demostración tecnológica.

En ocasiones, el lenguaje visual eclipsa la dramaturgia. Los movimientos repetitivos resultan agotadores, mientras que los añadidos tecnológicos parecen más restringir el cuerpo que liberarlo. La obra plantea constantemente la pregunta: ¿acaso las tecnologías realmente expanden las posibilidades humanas o simplemente crean nuevas limitaciones? En la sección final, un intérprete parece absorto en el mundo de las máquinas, mientras que los demás permanecen sin sus construcciones, atrapados en un futuro donde la unidad se vuelve cada vez más difícil de mantener.

El festival concluye con Cristos Papadopoulos' Mi feroz paso ignorante (también revisado aquíDiez bailarines se mueven como partículas a la deriva. Pequeños giros de cabeza y micromovimientos se extienden por el grupo como si el sonido mismo viajara a través de sus cuerpos. A diferencia del caos de Dubois, Papadopoulos crea tensión mediante la acumulación. Los movimientos se vuelven más complejos, las voces más fuertes y el ritmo más intenso. Marchas militares, estética de TikTok, momentos de danza irlandesa y tradiciones de bandas de música emergen a lo largo de la actuación. Los bailarines se asemejan a un ejército formado no por la ideología, sino por el ritmo y la memoria colectiva. La luz se convierte en otro elemento coreográfico. Destellos repentinos recuerdan a truenos, mientras que la luz que emerge desde detrás del público convierte todo el espacio en parte de la actuación.

El título Mi feroz paso ignorante Sigue siendo imposible descifrarlo por completo, pero esta incertidumbre se convierte en su mayor fortaleza. «My» se siente profundamente personal, como si hablara de una relación individual con el movimiento y con el momento presente. «Fierce» evoca la energía de la cultura pop contemporánea y las actuaciones en línea: confianza, teatralidad y el deseo de ser visto. Mientras tanto, «ignorant» no sugiere estupidez, sino más bien una negativa a mantener el control absoluto o a comprender completamente el camino a seguir. Finalmente, «step» se convierte no solo en un movimiento de baile, sino en un paso colectivo hacia adelante.

A lo largo de su trigésima edición, New Baltic Dance vuelve repetidamente a la frágil relación entre cuerpos, personas, público y escenario. Ya sea a través del sistema en colapso de Dubois, los hogares temporales de Orlin, la coreografía pública de Cordeiro, la quietud de SUPERCOSA, los cuerpos tecnificados de Chunky Move, las delicadas negociaciones de equilibrio en IevaKrish OBLICUS [cubierto aquí] o el pulso colectivo de Papadopoulos, el festival sugiere que la existencia contemporánea se vuelve cada vez más difícil de sostener en solitario.

Quizás por eso una frase del folleto del festival perdura en la memoria tras finalizar las actuaciones: «Mantengámonos en contacto». No por sentimentalismo, sino por necesidad. ●