Tanec Praha 2026: la artesanía tiene significado

Me recibe en Praga una ola de calor y Yvona Kreuzmannová, fundadora y directora de Tanec PragaFestival internacional de danza de la ciudad, que este año alcanza su 38.ª edición. Me recoge en el centro con su Peugeot verde, disculpándose por el mal funcionamiento del aire acondicionado, y nos apresuramos a su oficina para que pueda asistir a la Radio Pública Nacional para una entrevista. Habla rápido, ríe generosamente y está constantemente "activa". En esos diez minutos llenos de tráfico y aire caliente, repasamos brevemente el programa de mi viaje de prensa, descubrimos nuestra pasión compartida por el idioma francés y hablamos sobre la influencia del "Orbanismo" (y el preocupante aumento de los recortes de subvenciones a la cultura que conlleva) en la República Checa y otros lugares (véase también El arte como estrategia política Por Ingeborg Zackariassen, Springback Assembly 2024). Está preocupada, también por la particular lucha que está enfrentando actualmente la plataforma que dirige. Tanec Praha incluye el festival, el Teatro Ponec (principal casa de danza de la ciudad) y el Plataforma de danza checa (la "vitrina", como la llama Yvona, que busca promover internacionalmente a coreógrafos locales). Este último fin de semana del festival también marca la fecha límite para entregar la documentación para una subvención municipal vital de cuatro años para el teatro, que les fue denegada inesperadamente hace algunas semanas.

Está preocupada, está ocupada, pero también se encoge de hombros, pisa el acelerador y grita: «¡Vamos!». Su atractivo me resulta familiar: he conocido a gente como ella antes. Mujeres (y hombres, pero sobre todo mujeres) que han luchado durante décadas por un lugar para la danza contemporánea entre las «formas de arte más importantes», buscando recursos en distintos presupuestos y estableciendo conexiones más allá de sus contextos locales para demostrar su valía. Personas que, con el tiempo, se han vuelto inseparables del paisaje que ayudaron a crear, y que, ante las inevitables críticas, han defendido su visión y su postura con uñas y dientes. Como escribió Lydia Wharf en su artículo de Tanec Praha 2024 , un conflicto interno similar estalló también en Praga, y según Yvona, el eco de esa división aún se siente en el ambiente. Desde una perspectiva externa, solo puedo expresar mi tristeza. Ante amenazas mayores, es difícil imaginar cómo estas disputas entre los habitantes de Caïn pueden contribuir a la lucha por la supervivencia cultural de todos.

El festival en sí tiene un ritmo pausado y se extiende durante todo el mes de junio. Solo veré dos espectáculos al día, así que entre función y función planeo caminar, andar en bicicleta y usar varios tranvías de la impresionante red de transporte público de Praga para descubrir la ciudad. Excepto el sábado, cuando viajaré con Yvona a Plzen para ver dos de las obras que estarán de gira con el festival fuera de la capital. Esta ha sido otra de sus obsesiones: usar Tanec Praha para apoyar a programadores locales, como Roman Černík, fundador y director artístico de Moving Station , una joya de estación de tren recuperada, rehabilitada y dedicada a la escena alternativa de las artes escénicas de Plzen.

Además de fortalecer y apoyar los lazos entre la capital y las regiones, también es una forma de hacer más sostenible el recorrido de algunas obras, ya que se presentan dos o tres veces seguidas en una pequeña gira por la exuberante campiña checa. En Plzen, por ejemplo, vi Mizu de la Compañía Furinkaï con el impresionante telón de fondo de una antigua cantera, después de haber sido representada en el lecho de un río a las afueras de Praga dos días antes. También vi Come Neve de Adriano Bolognino frente al altar barroco del Monasterio de Kladruby, un edificio bohemio rodeado de vegetación, así como al día siguiente en Praga, en un entorno urbano muy diferente.

Esta edición estuvo enmarcada por nombres conocidos: Guy Nader y Maria Campos, Christos Papadopoulos. Entre medias, junto a otros nombres familiares de la escena de la danza europea, varios de AerowavesArtistas seleccionados anualmente tuvieron la oportunidad de mostrar su trabajo, así como varios artistas locales en piezas que buscan establecer diálogos interculturales, coproducidas por la plataforma checa.

Lo que unía a los espectáculos que vi durante mis tres días aquí parecía ser un interés común por el impacto de su estética visual. Todos eran ingeniosos, de una forma u otra: algunos con un objetivo más activista y literal, otros dirigidos específicamente a un público joven, y otros que, coreográfica o físicamente, representaban sentimientos universales de dolor, angustia, ira, tristeza y esperanza.

Como la historia nos ha demostrado continuamente en sus ciclos, y como también recordé al recorrer las salas del Museo de Artes Decorativas de Praga, lo estéticamente agradable no tiene por qué significar superficial, dócil o escapista. Más allá de la forma (o integrada en ella), las representaciones que presencié combinaban un buen gusto visual y coreografías impactantes (que iban desde lo desgarrador y directo hasta lo seductor por su sutil sencillez) con un nivel saludable de complejidad y una clara intención política.

La danza / Yana Reutova: El secreto de la luz de la luna

Creada para público joven y bajo los principios de Safe Place –un enfoque pedagógico que promueve que los entornos se adapten al niño, y no al revés– El secreto de la luz de la luna es una invitación progresivamente abierta a la curiosidad y a explorar. Tiras elásticas de tela colocadas a baja altura marcan la pauta al entrar, ya que los adultos tienen que agacharse para pasar. Dentro, varias alfombras suaves organizan el espacio abierto e indican orgánicamente dónde estamos o seremos bienvenidos a sentarnos. Diferentes objetos cuelgan del techo: redes con más tiras de tela colgando de ellas, o grandes medias elásticas rellenas de cilindros a diferentes alturas. Codificación de colores: brillante.

Todo el montaje promete interacción, pero antes de viajar, quizás necesitemos ayuda para entrar en ambiente. Porque: un espacio como este puede resultar intimidante al principio, así que Tereza Moulisová, Anastasiia Pavlovska y Karolina Šnajderová bailan para nosotros, jugando con objetos tubulares suaves para apoyarse entre sí, para crear formas y figuras, o para evocar criaturas fantásticas que —primero con cuidado, luego con picardía— se acercan a los niños entre nosotros para incitarlos a la acción, paso a paso. Y funciona. Sobre todo gracias a Milli Janatková, que alimenta este paisaje con una banda sonora improvisada y armoniosa, acompañando los movimientos en tiempo real y potenciando aún más su poder de sugestión. Los niños en la sala se relajan, sonríen y ríen. Menos de una hora después, saltan, corren y rebotan.

De este modo , El secreto de la luz de la luna sitúa con éxito a la ucraniana Yana Reutova en la senda de otros creadores europeos inspiradores para los más pequeños (como Makiko Ito en los Países Bajos o Desplegándose Collective en España) que ponen el juego, la autonomía y la imaginación de los niños en el centro de su práctica para crear, parafraseando a Virginia Woolf, habitaciones propias.

Rootlessroot: Montaña

Vestidos con largos y gruesos trajes negros, dos personajes se mueven lentamente por el escenario. De vez en cuando, uno de ellos emite sonidos con una cadena de campanillas o manipulando un manojo de finas varas, moviéndolas o extendiéndolas por el suelo como una alfombra. Al fondo hay un pequeño altar cuadrado de madera que, en cierto momento, se eleva brevemente para luego caer repentinamente, creando una onda expansiva de silencio y polvo en la sala. Sin duda, Mountain resulta visualmente imponente. La música de Vasilis Mantzoukis, ominosa y épica de principio a fin, realza la atmósfera lúgubre y ritualista de la representación, que gira en torno al duelo y la muerte como partes indelebles de la condición humana.

Los experimentados y aclamados internacionalmente Jozef Fruček y Linda Kapetanea han trabajado juntos durante más de veinte años bajo el nombre de Rootlessroot . También son los creadores del prometedor método de danza " Fighting Monkey ", que ofrece una forma de acercarse al movimiento más centrada en el juego y la adaptabilidad que en el aprendizaje de un vocabulario de movimiento específico. Y en Mountain , a través del movimiento de Kapetanea, la profundidad de este arte en particular se hizo patente, un regalo de presencia para contemplar. Su sutil manera de aparentemente crear reglas y resquicios en constante cambio en su cuerpo para sortearlos de forma dinámica e inmediata me cautivó; sus movimientos eran un efecto más que una causa, creando un laberinto en sí misma. Dentro de la estética ritualista (y con el ciclo de la vida como tema central), su forma personal de moverse se volvió también muy vital, enérgica y justa.

El exquisito diseño de iluminación de Perikilis Mathiellis, el juego con los bastones (que al final fueron arrojados verticalmente al suelo para crear una escultura angustiosa y puntiaguda), la música y el polvo naranja que subrayaba el drama del movimiento y el tema: todo se combinó a la perfección. Excepto el texto. Escrito y recitado por el propio Fruček, no alcanzó la sutileza de los demás elementos. Con la esperanza de que fuera crudo y espontáneo (como explicó durante la charla posterior), en una obra donde el cuidado de la técnica y el detalle era primordial, sus palabras resultaron tan superfluas y mal escritas que me sacaron del mundo que el resto se esforzaba por crear. A modo de ejemplo, una cita textual: «Ahí está, esto es aquí, así es como se mueve, y me conmueve».

Furinkaï / Satchie Noro: Mizu

Mizu (agua, en japonés – también cubierto en el de este año) Springback Academy) combina títeres, danza y artes visuales en un dúo fuertemente simbólico entre un cuerpo humano (bailarín y coreógrafo) Satchi Noro) y otro cuerpo hecho de hielo. A su alrededor, la titiritera Élise Vigneron juega constantemente, manipulando con transparencia los cordones que dan vida a la muñeca. Esta instalación flotante, que puede representarse en cualquier cuerpo de agua natural, es muy fácil de interpretar. Una vez que aparece la muñeca, tras escuchar una introducción clara y grabada que explica cómo funciona el deshielo de los casquetes polares bajo el cambio climático desde una perspectiva científica, el objetivo poético y político de toda la puesta en escena se hace evidente: dado que uno de los problemas que enfrenta la lucha contra el cambio climático es que para muchos (todavía) resulta demasiado abstracto para comprender, Furinkaï ha optado por darle a los casquetes polares un rostro humano. Esto le da a Noro la oportunidad de abrazarlo literalmente y (hacernos) sentir tristeza por su lenta desaparición, no solo como un fenómeno natural, sino como a un viejo amigo. Porque sí, en efecto: la muñeca se derrite mientras se mueve.

Mediante esta estrategia humanizadora, Mizu aborda otro punto : la naturaleza simbiótica de nuestra relación con la naturaleza. La bailarina manipula la muñeca, y la muñeca a la bailarina; danzan en sincronía, iniciando o interrumpiendo movimientos y manteniendo el contacto entre sí. Ahí reside la magia del arte de la marioneta. El hielo se convierte en algo más que materia, la muñeca se siente más que viva, una criatura fantástica capaz de volar mientras la bailarina se arrastra y trepa por la estructura de madera en forma de media luna de la que cuelgan los cables que la sostienen.

Mientras la muñeca se derrite, el asombro que despierta su vitalidad se ve progresivamente reemplazado por la terrible e inquietante sensación de que la fatalidad se cierne sobre nosotros. En Pilsen, los adolescentes que saltaban desde el muro de piedra de diez metros que servía de telón de fondo, aparentemente sin ninguna preocupación en el mundo, acentuaron aún más esta sensación.

Adriano Bolognino: Come Neve

Estrenada en 2023, la pieza de Adriano Bolognino , un dúo minimalista de 20 minutos con una coreografía singular, es un deleite para la vista. Dos mujeres se agachan en el centro del escenario, de espaldas al público, sobre un podio bajo y cuadrado cubierto de linóleo blanco. Cada una lleva un colorido gorro de punto que les cubre la cabeza y las orejas, y un vestido a juego. Durante la charla posterior, descubriremos que los colores de los vestidos (rojo, azul y blanco, y azul, blanco y amarillo) son los de Nápoles, la tierra natal de Bolognino, y que fueron confeccionados a mano por ancianas napolitanas durante la pandemia.

La primera parte, acompañada por una de las melodías minimalistas y de marcada emotividad de Ólafur Arnalds, está repleta de pequeños y precisos gestos de las dos bailarinas, Laura Miotti y Sofia Galvan. Ejecutados principalmente con manos y brazos, sus movimientos evocan desde colibríes y nadadoras sincronizadas hasta partes de un mecanismo de relojería. La nitidez de sus movimientos, contrastada con otros más suaves y lentos, resalta el valor de lo pequeño, pues también recuerdan las acciones sutiles y precisas que dieron vida a sus trajes. Acciones que, no lo olvidemos, también brindaron consuelo, alivio y un sentido de comunidad a las mujeres que se sentaron a confeccionarlos.

No necesitas mucho más para tenerme enganchado. El arte que aquí se celebra es el de esas mujeres y, con ellas, el significado más profundo de todo lo que hacemos cuando ponemos pacientemente cuidado y amor por el detalle en algo ineficiente. Después de explorar sus cuerpos, entre sí y el espacio que las rodea de esta manera durante un rato, la coreografía se detiene. Sigue un largo silencio, durante el cual tenemos tiempo para esperar y apreciar la espera, así como el eco de sus movimientos que se extiende contra el telón de fondo del día. No oí nada en el monasterio de Kladruby; la noche siguiente en Praga, eran pájaros y transeúntes riendo en el parque. Cuando finalmente llega la segunda canción —esta vez una partitura aún más cinematográfica y cargada de emoción de Nils Frahm— Miotti y Galvan entran en una nueva fase dinámica. Comienzan a girar rápidamente sobre el suelo, con los brazos aún moviéndose a su alrededor. Se asemeja mucho a las danzas eslavas al estilo Beryozka: otra referencia más a una actividad donde el poder poético se logra mediante una combinación de atención y condensación. Los pasos de las bailarinas, controlados y muy juntos, generan una fuerte impresión al verlas flotar sobre el suelo con sus largos y pesados ​​vestidos.

Un último remolino para la mente, una ráfaga de viento, antes de que todo termine. A juzgar por la calidez y la duración de sus aplausos, el público tanto en Kladurby como en Praga amó esta pequeña, sencilla y conmovedora joya tanto como yo.

Unidad en movimiento / Yana Reutova y Clara Da Costa: Aves del paraíso

Asistí a un ensayo general del tríptico Paradise Birds el día antes de su estreno oficial durante el festival. Consta de dos solos independientes y ya existentes de Clara da Costa y Yana Reutova, y un diálogo coreográfico entre ambos que los une.

Como confirman entre risas tras el ensayo, las dos bailarinas son, en muchos sentidos, muy diferentes entre sí. Lo único que tienen en común es su signo astrológico y, por supuesto, la experiencia de ser (e identificarse como) mujer. Yanitsa Atanasova, la dramaturga de esta obra, también identificó esta diferencia como el hilo conductor más importante a explorar en su colaboración.

Mientras que el solo de Da Costa, que incluye un disfraz de perro marrón, un material coreográfico bullicioso y una actitud feroz y provocadora que rompe la cuarta pared y pone al público en alerta desde el principio, la práctica y la presencia de Reutova son mucho más contenidas y se basan en una sólida técnica de movimiento, un amor por la abstracción y por el uso de diferentes capas simbólicas en la puesta en escena.

Tomando como referencia los arquetipos de Eva y Lilith, Reutova y Da Costa encarnan simbólicamente la energía de estos opuestos bíblicos de la feminidad. Si bien ambas lo hacen a su manera, ambos solos expresan claramente diferentes versiones de la misma frustración y rebeldía: la de las expectativas y la objetivación que sufren bajo la mirada dominante masculina. Una lo hace con una actitud de indiferencia, vestida como la perra juguetona que el patriarcado querría que fuera. La otra, rebelándose contra la «barbificación» de su cuerpo en un viaje que va desde la reutilización de la elegancia y la gracia como herramienta de empoderamiento femenino hasta una exploración muy directa de su torso desnudo, a una distancia incómodamente cercana de las primeras filas.

El diálogo coreografiado que conectaba ambos solos resultó original y fresco. En una época en la que los algoritmos y el deseo de evitar la incomodidad nos encierran cada vez más en nuestras propias burbujas, esta combinación inesperada dio como resultado un intento de algo valiente y cada vez más raro: el arte de acercarse el uno al otro, dentro de sus diferencias o a pesar de ellas. ●

El viaje de Jordi Ribot Thunnissen a Praga fue costeado por Tanec Praha.