Fundado en 1971 en la provincia interior de Rimini, el Festival de Santarcangelo (SF) es uno de los festivales de artes escénicas más longevos de Italia. La edición de este año (del 3 al 12 de julio de 2026) fue especial por dos razones: primero, porque marcó el final del último año del curador polaco Tomasz Kirenczuk como director del festival, tras cinco años difíciles marcados internacionalmente por el brote de la pandemia, el estallido de nuevas guerras sin resolver, la escalada de la crisis ambiental y el auge de las ideologías de extrema derecha. Segundo, porque el festival logró reafirmar su posición en el panorama internacional de los festivales de artes escénicas como un destino artístico y cultural imprescindible, a pesar de los severos recortes de financiación pública en 2025. Presentándose como un centro cultural que afronta las "profundas presiones" (tema central del festival de este año) del presente, el SF invita al público a cuestionar las ideas preconcebidas e imaginar nuevas formas de acción, resistencia y resiliencia.
El fin de semana inaugural presentó la pieza Joyaux Lourdement Sous-estimés de Bast Hippocrate , un dúo íntimo con William Cardoso que explora los límites entre la opresión y la posesión, la simbiosis y la supervivencia. Agnietė Lisičkinaitė regresó al SF de este año con CLAP & SLAP , creada con Igor Shugaleev , que reflexiona sobre el autoexilio tras las protestas antirrusas de 2020 en Bielorrusia. Junto con obras de otros artistas que regresaban, como Marah Haj Hussein y Wojciech Grudziński , el denso programa general fue el resultado de actuaciones cuidadosamente seleccionadas, conciertos, proyecciones y charlas en espacios al aire libre y poco convencionales de la pequeña ciudad medieval. Surgieron algunas ideas recurrentes: la respiración como coreografía moldeada por "presiones profundas" e intentos de "despolicializar" el cuerpo para liberarlo.
Coreografiar la respiración
En una pequeña plataforma de madera en el parque Baden Powell, en la campiña de Santarcangelo, dos círculos de arena se cruzan como un diagrama de Venn al comienzo de KMs of Resistance del coreógrafo marroquí Mehdi Dahkan . Con el torso desnudo, Dahkan se obliga a exhalar; el fuerte sonido de su respiración busca nuestra atención, señalando su sufrimiento y agotamiento. Mientras sus pies arrastrando, que aluden a la falta de oxígeno en su cuerpo, borran gradualmente los contornos de la arena, otro intérprete, Mohamed Bouriri, gruñe como un animal desde lejos y se acerca a nosotros, sin aliento. Cuando sus cuerpos se encuentran, su respiración se vuelve más silenciosa y tranquila, asentándose en una composición rítmica y sincopada seguida de momentos de apnea. En pura proximidad, respiran en la boca del otro: dándose y tomándose oxígeno a la vez. Entrelazando sus cabezas bajo las axilas del otro, como si se prepararan para una lucha romana, compiten por ver quién recibe más oxígeno y nos invitan a unirnos a una coreografía colectiva de respiración. KMs of Resistance inevitablemente evoca las últimas palabras de George Floyd , recordándonos que la necesidad de justicia social no solo es urgente, sino que respirar sigue siendo un derecho universal que no puede ser apropiado ni controlado. Al mismo tiempo, la obra pone de relieve la respiración como una forma primaria de vida que puede comunicar necesidades y deseos cuando las palabras están prohibidas.
Para HA [también reseñado aquí ] , la artista letona Jana Jacuka recibe al público en un gimnasio escolar transformado en un espacio escénico. Vestida de negro, su piel blanca contrasta con su larga melena rubia, y busca establecer contacto visual con el público antes de presentar, en el centro del escenario, una serie de observaciones, datos y preguntas, cada una de las cuales termina mecánica e impersonalmente con la exclamación «HA»: «¿Cómo te sientes? / HA»; «Fiesta de cumpleaños sorpresa / HA». A veces, las sílabas se unen para formar «HA-HA» o «HA-HA-HA», pero siempre con el mismo tono incómodo, frío y distante. A medida que avanza la obra, Jacuka profundiza en las posibilidades emocionales y dramatúrgicas de estas dos letras, alternando entre la sorpresa, la ironía, el terror o simplemente el pánico, como cuando perdemos las llaves u olvidamos nuestras contraseñas. Tras beber un vaso de leche, su voz pasa de gruñidos animalescos a tonos sostenidos que abarcan desde frecuencias graves y masculinas hasta agudos de sirena, transformándose de ángel a heroína de una tragedia griega antigua. Ampliando el legado de la investigación coreográfica sobre la fisicalidad de la risa —como en obras como ¡Ja! ¡Ja! de Maguy Marin o AH HA de Lisbeth Gruwez—, HA desarrolla con originalidad, a través de la impecable interpretación de Jacuka, su propia investigación sobre las cualidades viscerales del sonido de la risa. Mediante contracciones musculares y texturas vocales, Jacuka transmite lo que queda más allá del lenguaje, dirigiendo la atención hacia formas tácitas de trauma.
Despolitizando el cuerpo
Bow, del coreógrafo polaco Wojciech Grudziński, es un trío basado en la repetición exhaustiva de un único movimiento y variaciones de su organización espacial en relación con los intérpretes y el público que los rodea, sentado en la plaza central de la ciudad. Grudziński se refiere a este movimiento como «bow», pero bien podría ser un lento headbanging, un movimiento ondulante de la parte superior del cuerpo de los intérpretes boca abajo, una caída y rebote repetidos, o una caída y recuperación. A través del rebote incesante de sus columnas invertidas, sus camisas se deslizan gradualmente hasta el suelo, revelando tatuajes idénticos en sus espaldas. Energizados y adormecidos por la repetición, el trío persiste a pesar del cansancio acumulado. La reverencia se convierte en un gesto de sumisión al público, una disposición a servirles y honrarlos. Mediante una sencilla estructura coreográfica basada en la repetición (e inevitablemente la diferencia), la práctica, un tanto masoquista, de soportar el dolor y el agotamiento lleva a los cuerpos, pero también a nuestra mirada, a un estado de desaparición mutua entre sí.
Marah Haj Hussein y Nur Garabli , ambas de la Palestina ocupada, cuestionan —como revela el diálogo hablado que se desarrolla a lo largo de la pieza ¿ En relación con quién? — si el cuerpo puede olvidar alguna vez lo que ha absorbido a través del entrenamiento y la disciplina corporal. Con sus dinámicas y robustas fisicalidades femeninas, Hussein y Garabli se mueven con precisión en secuencias inspiradas en posturas de yoga y técnicas de danza occidental; reflexionan sobre los efectos del aprendizaje del control de esfínteres en el sistema neurológico de los niños pequeños y sobre las contradicciones de las prácticas basadas en la liberación. Los soldaditos de juguete se convierten en objetos de imitación; una trenza compartida —que recuerda la icónica performance Relación en el tiempo de Marina Abramović y Ulay , que explora la resistencia— las transforma en figuras unidas. La obra parece preguntar: ¿cuánto tiempo puede el cuerpo soportar su militarización? Sobre una superficie reflectante que evoca el mar Mediterráneo, los cuerpos de las intérpretes aparecen distorsionados y líquidos. Al establecer paralelismos entre el entrenamiento de danza y la disciplina militar que moldea y controla el cuerpo y la mente de maneras específicas, Hussein y Garabli presentan al bailarín como soldado y al soldado como bailarín, haciéndose eco de la noción de coreopolicía de André Lepecki para comprender la guerra. Frente a estas estructuras de control, el redescubrimiento de la danza tradicional palestina emerge como un gesto de liberación corporal y desmilitarización, que preserva memorias encarnadas e identidades culturales que resisten el olvido.
BOW , HA y, en cierta medida, KMs de resistencia toman cada uno un movimiento, sonido o función corporal simple —el gesto de gratitud que tiene lugar al final de una actuación, una exclamación de dos letras y el mecanismo vital de la vida— y lo llevan al límite. Esto es a la vez valiente y gratificante. Junto con ¿ En relación con quién?, estas piezas abordan las presiones más profundas que sienten los artistas, que reflejan temas urgentes de nuestro presente, al tiempo que trabajan políticamente de maneras que activan nuestro pensamiento. ●
Para la segunda parte de SpringbackCobertura de Santarcangelo Festival 2026, ver 'Kilómetros de danza y solos singulares' de Dmitrijus Andrušanecas e Ingeborg Zackariassen
3–12.07.2026 Santarcangelo, Italia